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雅昌月度(2017年8月)策展人影响力榜单

雅昌艺术网专稿 2017.09.06

  导言:“雅昌月度策展人影响力榜单”是雅昌艺术网从媒体角度对当代艺术领域的策展与展览呈现进行全面搜集、记录与跟踪,从专业角度解读“策展人”每月所策划的展览在学术性、策划执行、公众认知及影响力、国际化推广、盈利能力等方面的能力与创新。

  8月5日 策划团队:杨紫及UCCA策展团队 赵半狄的中国Party 北京尤伦斯当代艺术中心

  8月10日 策展人:巫鸿 “边界/空间”王璜生个展 北京民生现代美术馆

  8月12日 策展人:巫鸿 “竹径”王冬龄个展 OCAT深圳馆

  8月16日 策展人:龚彦 中国当代艺术收藏系列展-李山 上海当代艺术博物馆

  8月26日 策展人:鲁虹 “虚拟的焦点”朱伟1987-2017个展 印尼国家美术馆

  8月29日 总策展:宋协伟 策展人:靳军、费俊 执行策展人:李明威、薛天宠、王奕琳 2017旋构塔-设计不在 北京时代美术馆

尤伦斯当代艺术中心策展人杨紫代表策展团队为观众导览

  策展人:杨紫及UCCA策展团队 赵半狄的中国Party

  A学术性:✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭

艺术家赵半狄

  策展理念:一场酸甜苦辣融为一炉的“奇异Party”

  此次展览是赵半狄迄今为止规模最大的展览,亦为其在中国的首个机构个展,力图全面梳理艺术家近三十年的创作历程,展出艺术家1987年以来创作的十余组/件作品,媒介横跨时装、影像、电影、行为与绘画等。在其职业生涯中,赵半狄考察周遭环境近三十年的剧烈变迁,对中国持续演变的社会现实进行浪漫的个人化叙述——社会的发展正是不断混杂的过程,一场酸甜苦辣融为一炉的“奇异Party”;他时而作为积极的介入者,时而作为冷静的旁观者,以不同的方式参与或抽离这场盛大而炫目的“Party”,以幽默、反讽的语调勾勒稍纵即逝的时代面貌,游刃有余地穿梭于意识形态、商业价值观与个人化的表达之间,利用媒体与文化的力量敏锐地捕捉某种荒诞感,甚至试图重塑当代的境况。

  展览现场:一个完整的“赵半狄”

赵半狄 《一个童话》人民币、肋骨、血、玻璃 装置 12X12X36CM 1994年

  “《一个童话》是我最早的一件小的装置作品,开放着人民币的花朵,一根肋骨插在有血液的玻璃花瓶里面,这个作品本身,我做装置作品不多,这个最小的一件,就像一个寓言一样,是我的艺术语言,也是中国社会某种小小的寓言,我觉得我的作品还有某种准确度。这是94年的作品《一个童话》。”赵半狄对雅昌艺术网说。1994年,在戴汉志策划的展览“月光号”上,赵半狄将数朵以10元人民币叠成的“花”置于浸润着血液的花瓶中的肋骨上,制造出甜腻诱人而残酷可怖的消费社会景观(《一个童话》,1994年)。

《赵半狄和熊猫》120x120x6CM 灯箱 1999年 图片由尤伦斯当代艺术中心(UCCA)提供

  1996年起,赵半狄转而运用作为流行文化形式的广告摄影与作为国家象征符号的可爱熊猫形象,巧妙地介入彼时方兴未艾的社会状况。他运用具有宣传与推广作用的“熊猫”符号与视觉形式创作了一系列展示公益性内容的灯箱,尝试与艺术界之外的广阔公共领域对话(《赵半狄和熊猫》,1999年)。

  1999年至2004年,赵半狄与熊猫相关的公益性作品在中国及海外多个城市的地铁、机场与街头等处呈现,所涉及城市如北京、上海、深圳、米兰、伦敦、曼彻斯特、伯明翰、奥斯陆、东京等。

《熊猫人失恋的故事》(剧照)影像 2004年 图片由尤伦斯当代艺术中心(UCCA)提供

  2000年之后,赵半狄的创作进一步转向行为表演与社会介入。录像作品《熊猫人失恋的故事》(2004年)记录了赵半狄将两家使用其广告摄影作品而未注明版权信息的媒体告上法庭,通过在法庭现场“插播”虚构女友的信件而扰乱了秩序,最终获得胜诉。这次行为不仅意味着一种戏仿,亦批判了现存的制度、法律与现实,在既定的社会机制中为艺术开辟了一个空间。

《涂口红的女孩》170x109cm 布面油画 泰康保险集团股份有限公司收藏 1987年 图片由尤伦斯当代艺术中心(UCCA)提供

《我的花园》 布面油画 171x117cm 布面油画 2016年 图片由尤伦斯当代艺术中心(UCCA)提供

  1980年代至1990年代早期,赵半狄在中国艺术界先以“现实主义”绘画的精湛技巧而闻名;他从自己认同的经典艺术史中汲取营养,从而发展出自身独特的技巧。这些作品构图严谨、笔法克制,以叙事性的日常场景刻画具体时空中普通人的存在与精神状态。《蝴蝶》(1990年)、《远方来信》(1988年)、《涂口红的女孩》(1987年)等作品将个体经验与历史元素独特而鲜活地结合起来。

13岁女孩胡天珂在水中演奏肖邦钢琴曲

  目前,艺术家偏向以保持距离的观看方式重新审视艺术创作,乃至社会行动本身,以洞穿另一重历史转型。2016年,赵半狄于成都郊区发起“中国Party·肖邦”项目,邀请亲朋参与聚会的同时,安排一位少女在湖中演奏肖邦的钢琴曲。描绘这一超现实场景的视频和绘画作品亦在本次展览中首次展出,对从现实中捕捉到的飘忽不定的情绪有所回应。

  展览“赵半狄的中国Party”延伸出多场类型丰富的公共项目。其中讲座系列包括:法国策展人亨利·贝利埃对赵半狄创作历程的梳理;十几位艺术家围绕在架上绘画前,就当代绘画的现实性所展开的讨论;根据赵半狄此前作品引发的诉讼,对艺术作品版权及保护等问题的研讨;关于艺术与广告两者之间存在的关系等。此外,UCCA亦发起一场由UCCA会员与观众一起参与的“绘画Party”工作坊,以及由艺术家和策展人参演的实验戏剧,古典钢琴与即兴现代舞蹈融合的现场表演等。

策展人:巫鸿

  策展人:巫鸿 “边界/空间”王璜生个展

  A学术性:✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭

  策展理念:边界作为界限的“去感官化”的关注与反思

  此次展览主题来自艺术家对“边界 / 空间”问题的不断追问。边界作为界限,既包含着对既有规则的怀疑与思想观念的对立冲突,同时它也是领土、意识形态等一切历史的和权力话语的外在彰显。而空间问题在艺术家的创作中被一分为二:一方面是艺术家持久以来的对历史题材和现实题材“去感官化”的关注与反思,另一方面是从架上到装置,从二维平面的点线到三维空间视觉的转化与探索。

  策展人巫鸿认为,“‘踰界’既诱人又隐藏危险,因为任何边界总是被习俗和常规把守,因为边界本身就是一个拒绝安全感的地带。王璜生的作品因其连绵流动的线条而富于诗意的抒情,但也通过流动的不稳定性激发出心理的紧张和对转化的焦虑。这种紧张和焦虑被一些关键细节放大,使抽象的线成为对历史记忆和现实政治的隐喻”,而“王璜生的抽象艺术因此总是具体和实在的,既从观念的反思中也从对历史和现实的关怀中获得生命”。

  展览现场:多重的边界和空间

  此次展览是王璜生卸任央美美术挂馆长后的第一场大型个展,汇集了近五年来的近10个系列的绘画以及装置影像作品。包含《游·象》、《线·象》、《痕·象》、《箴·象》和《墙》等系列的创作,以及针对北京民生现代美术馆展览空间,特意创作的《界》、《缠2》、《溢光》、《隔空2》大型装置影像作品。

《溢光》铁丝、玻璃管 尺寸可变 2013

  《溢光》是由700多个玻璃管与铁丝组成,同时在下垂的钢丝下铺上被打碎的玻璃,在灯光的照射下,玻璃碎片的反光与铁丝的投影相互呼应,构建一个“溢光”的场景。但是当锋厉的铁丝被挤压穿过脆弱的玻璃管,玻璃的碎片散落满地,也包含着一种生命与现实的隐喻与张力。

《隔空2》 钢丝网、布幕、灯光

  《隔空2》是在狭长的空间中,做出两个巨大弧度的透光墙壁,顶上的九个灯筒在旋转中将悬挂的铁丝投影在墙壁上,观众走入其中被游动投影覆盖,这些光影仿佛是水墨线条在不断的出现和消散,形成视觉和感知上的冲突。

《界》金属框架、金属隔离网、摆动机械 尺寸可变 2017

  《界》是此次王璜生最新的作品之一,四面由铁丝网构成的金属框架组成,同时在机械装置下持续来回摆动,悬挂的铃铛会发出清脆的声响。背后的整面墙的投影播放的是王璜生在海边夜晚拍摄的海浪影像,闪烁的灯光、海浪声、人的喘息声交织在一起。

架上绘画展厅 每一张画都是用背后的木框“悬浮”在展墙上

  在侧面展厅中是架上绘画板块,展出了王璜生早期至今持续创作的自由水墨书写《游·象》系列、报纸为载体《线·象》系列、尝试用纱布进行拓印的《痕·象》系列到今年最新的《箴·象》、《墙》系列。

艺术家王冬龄、策展人巫鸿游走于A展厅的“竹径”之中

  策展人:巫鸿 “竹径”王冬龄个展 OCAT深圳馆

  A学术性:✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭

书写于竹上的字不是一般的墨,而是捏油,它的粘附性更强

  策展理念:多层穿透的“竹径”

  “这是竹子和书法构成的一条小径,把我们带入一个模糊的感知区域,在短短二十几米的行走中经历一系列记忆和历史、 环境和场地、媒材和符号、图像和装置的穿透。”

  在策展人巫鸿看来,王冬龄的全新个展“竹径”有着多层“穿透”的意义,“读竹书——或写竹书——会是什么感觉?能否缩短我们和先秦诸子之间的时空距离?我想当王冬龄挥毫在两百根竹筒上书写的时候,他与庄周或韩非的距离肯定要比我们近上一大截。但他的目的并不是回到那个时代,因此也就没有模仿竹简的样式,而是幻想出一个载满文字的当代竹林。”

  “王冬龄曾回忆老师告诫他字与字不能交叉重叠,但他终却发明了这种乱字,以书法之笔绘出一个个、一团团、一片片抽象的构图。他的乱书已在世界各地展出,但我以为在《竹径》中又进入了一个新的境界:纸消失了,所有其它的二维平面也都隐入背景。乱书墨迹如风中竹叶的影子,在竹竿的弧面上飘移,化入虚无和阴影。这里已没有独立的书法,有的是图像、装置和动感的穿透。”

王冬龄、巫鸿的对谈就在OCAT的B展厅进行,背后是巨幅乱书,两侧是水墨抽象小稿

王冬龄创作的水墨抽象小稿

  展览现场:小径交叉的竹林

  此次展览在A展厅,王冬龄在高达四五米上的201根竹子及部分透明亚克力上,用其特有的“乱书”将历代咏竹诗句淋漓尽致地呈现,竹子作为书写媒材的本源形态与散布于空间中的墨书符号,联结了传统与当代,打造了一片可以供观众从容悠游的“茂林修竹”;而展厅B则首次呈现王冬龄的水墨抽象小稿及于杭州创作时期的竹上书写纪录片。

观众几乎占满了A展厅,穿梭于乱书纷飞的竹林中

王冬龄、巫鸿的对谈在严善錞的主持下进行

前来聆听对谈的观众坐满了整个B展厅

  展览在王冬龄、巫鸿的对谈中,以颇具学术探讨的意味拉开序幕,对谈由深圳国际水墨双年展的推动者严善錞主持,三人所坐的舞台背后就是王冬龄专门为B厅展墙量身打造的巨幅乱书(8.4m*5.5m)上面写满魏晋时期嵇康、阮籍的诗句,颇为壮观。

201根竹子写作完成的时间不一样,所以有的还是青绿色,有的已经有些泛黄

王冬龄开幕当天现场书写,引得观众围观

  为了将此次展览真正打造出身临其境之感,王冬龄提前五天就已经到达了深圳,虽然大部分的竹上书写是在杭州完成,但现场的勘查、竹子的竖立方式、分布,他都亲力亲为,竹林两侧的巨幅亚克力板,也是他到达深圳之后,为场馆量身定做。

  策展人:龚彦 中国当代艺术收藏系列展-李山

  A学术性:✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭

策展人:龚彦

  策展理念:打破人类中心主义的生物物种秩序

  玉米、水稻、蜻蜓并非传统的艺术载体,却是李山进行生物艺术创作的对象,其核心思考在于启发人类从基因层面看待自己,从身为人类的概念中自我解放,以更广阔的视野自我审视。基因在艺术家看来,不仅仅是生命的基础物质,更扮演着生物大同的角色,帮助人类从自以为是的生物学最高阶序上走下来,重新认识各个物种,思考人与万物的关系。李山的生物艺术创作旨在打破人类中心主义的生物物种秩序,正如艺术家所言“人类这个物种在与其他物种相提并论时显得不太协调,那种书写时的武断态度,行走式的立直姿态,都是生物界不能容忍的。”

开幕式嘉宾合影

  高名潞曾评价“李山的基因重组可能不是让人更‘杰出’,而是让人变得更像万物。”

  也正如本次展览策展人龚彦所说:“我们是谁,我们的基因里隐藏着怎样的密码,我们体内大量没有编码的‘无用’的DNA 在暗示着什么……在人类主宰的时代,如何遏制人类的傲慢,延缓熵化的速度,让欲望不只是一种纯粹的生成,也许艺术家将给予我们必要的帮助和启示。”

《偏离》,李山,2017,综合材料,200cm x 200cm/60件

  展览现场:“生物艺术”的世界

  本次展览涉及上海当代艺术博物馆一楼至二楼展厅,展出作品包含两件活体生命的生物艺术创作、近十组以绘画、数码图像、装置、影像等视觉表达形式进行的生物艺术方案,同时涵盖逾百件手稿和文献记录,以多维度呈现其二十多年来在生物艺术领域的研究探索和思考路径。

《涂抹- 2》,李山,2017,生命体(玉米)

  李山的生物艺术探索包含了多种艺术语言的表达,而活体生命的构建无疑是最为重要的部分。本次展览展出艺术家两件2017年最新的生命体艺术作品。《涂抹-1》和《涂抹-2》分别以水稻和玉米作为实验物种,通过转基因的手段,挑选出两个基因进行敲除,提供一个可以随机表达的环境,其表现结果为物种生长性状和颜色的改变。艺术家通过基因编辑手段,为生命寻找别样的书写方式,给予其自由绽放的可能性。

  这两组生命体艺术品被搬进展厅,分别在一楼展厅中呈现为一片占地335平米可供观众行走其间的“玉米地”,以及二楼展厅里一个将水稻培养于玻璃围栏中仿造的实验室场景。差异性的展陈设计,旨在通过多纬度的体验启发观众思考,人类究竟应该以何种姿态面对生命的转换和新生命体的诞生。

《写入》 方案 影像 3分钟 2017 年

  展览入口处60件2米高的蜻蜓人造型作品《偏离》方案“飞扬”在每一个参观者的头顶,二楼展厅近20米宽的巨型屏幕上投影超宽景动画《遭际-1》方案,分别以装置和影像的形式展现李山对于未来生命体可能性形象的探索。李山特别选取蜻蜓——这一古老却较少承载人类文化意象的生物——作为探索对象,在李山的方案陈述中,艺术家研究发现通过改变专门调控生物形体的HOX基因,就有可能构建蜻蜓与李山的嵌合体。对这一方案的真正实施更被李山视作自己生物艺术创作的终极挑战。

《遭际1》,李山,2011年,影像,上海当代艺术博物馆馆藏

《遭际-1》 方案影像 8分钟 2011 年

《遭际-2》 方案 影像 5分钟 2017 年

  在PSA二楼大厅一座直径达11米、高度达6米的球幕影院坐落于此,它的造型仿佛展厅中的一个生物分子,邀请观众走进细胞内部。影院内360度投影视频作品《写入》方案,将原本无法为肉眼观察的极其微小的细胞内基因翻译和转录的过程,以宏大的视野在每个人面前展开。展览中还包含绘画作品《阅读系列》方案、《转译的错误》方案,以及数码合成技术图像作品《重组》方案、视频作品《遭际-2》方案、《南瓜计划》照片以及大量阅读笔记和手稿作品,以系统性地展示李山长期以来对存在和生命本身的关注,对生物性状背后密钥的探索。

批评家、策展人鲁虹(左)和艺术家朱伟(右)

  策展人:鲁虹 “虚拟的焦点”朱伟1987-2017个展

  A学术性:✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭

艺术家朱伟展览开幕式致辞

艺术家朱伟(左)和批评家、策展人鲁虹(右)在展览现场

  策展理念:虚拟的焦点

  对于朱伟的创作,策展人鲁虹提到,朱伟是中国新工笔画的代表艺术家,他用最传统的中国绘画技法和传统的媒材充分表现当下的中国状态,从上个世纪90年代到现在,已经分别创作了《北京故事》系列、《甜蜜的生活》系列、《中国日记》系列、《水墨课徒研究》系列与《开春图》系列等优秀作品。事实上,他在独创了将熟宣纸做旧的手法时,还成功地创造了光头男(军)人、大红帷幕、五角星、格子窗、芭蕉叶等具有个人特点的艺术符号。毫无疑问,这是新的艺术题材与新的感受——包括‘社会主义经验’进入传统工笔画程式,继而对其进行改造的过程,是非常难得的。

  “朱伟给我们的启示是,在寻求对于当代生活的表达时,重要的是要努力沿续传统的表达方式,并有所创造、有所丰富。而在当代艺术有着全球同质化发展的情况下,这种保持异质化表达显得特别重要。在艺术史上,即使最有创意的艺术家,也不得不从传统中选择若干样式与惯例作为自己在某个阶段的出发点。然后再按照需要予以偏离、重构。除此之外,别无它法。”

《中国中国》系列作品展览现场

  展览现场:若干貌似不搭界的“混搭”

  此次展出的两件雕塑作品《中国中国》是由青铜和玻璃钢制成,制作周期在一年左右,鲁虹接受雅昌艺术网专访时谈到,朱伟的这两组雕塑作品使人想到鲁迅先生曾经在很多经典作品中谈到的中国人面貌,一种是得意时的趾高气扬;另一种是奴性时的俯首称臣。

《人物研究之一No.1》水墨设色纸本 123x123cm 2012

《水墨研究课徒系列》 水墨设色纸本 105×69.5cm 2014

《梦游手记二十六号》 水墨设色纸本 180×120cm 2010

  鲁虹对艺术家朱伟的水墨持高度肯定的态度,在他看来,“朱伟不仅很好运用了传统工笔画的媒材或相关勾线与染色技巧,还大胆超越了传统工笔画的艺术图式与造型套路,直接从现实中转换出了具有鲜明时代特点的全新图像与画面构成方式,恰恰是往来于传统和现在之间才成就了他的一番事业。需要说明的是,朱伟最近创作了一批画深为我所关注,在这些作品中,他不再用熟宣纸与绢作画,而是采用了人们司空见惯的报纸。在名为《开春图》的作品中,朱伟借灿烂的果实表达了他对未来的希望。按我的理解,这大概就是他将若干貌似不搭界的作品放在一起展出的内在原因吧。”

总策展:宋协伟

策展人:靳军

策展人:费俊

  总策展:宋协伟 策展人:靳军、费俊 执行策展人:李明威、薛天宠、王奕琳 2017旋构塔-设计不在

  A学术性:✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭

展览现场

  策展理念:设计不再只是设计

  此次北京时代美术馆与中央美院设计学院优秀策展团队共同合作,通过艺术展览、社区介入、社区学院等方式,“设计不在”既是一次设计教改成果的公共呈现,也是一次设计介入社区的有益尝试。展出在美术馆以及商业综合体各处的40余件作品或许不再是所谓的“设计”作品,但却是对设计与社会思辨、技术伦理以及个体意识的新鲜实验成果。

  设计不再只是“设计”,而是解决问题的方法与路径。设计正在转化为一种无边际设计;设计教育不再只是“设计”教育,今天的设计人才需要更加复合的能力:创造性思考力、系统分析能力、独立思考能力、快速原型能力、多维叙事能力、沟通表达能力、批判写作能力、团队协作能力、个人管理能力。

  展览现场:跨媒介的媒体艺术现场

  此次展览分为几个单元展开讨论。

苏永健作品 虫舱 昆虫 钢铁 玻璃 亚克力

徐铭聪作品 Poor image died 视频媒介 艺术微喷

  首先是“技术伦理”。智人面临着诸多的议题,在解决这些新问题的过程中,科学技术的发展将颠覆我们很多当下认为无须去证明的“常识”,尤瓦尔·赫拉利在《未来简史》中讲到“未来,人类将面临着三大问题:生物本身其实就是算法,生命是不断处理数据的过程;意识与智能的分离;拥有大数据积累的外部环境将比我们自己更了解自己。”这些年轻的艺术家就自身、技术伦理与未来的关系进行发问与反思,通过动态影像、交互装置、VR虚拟现实和游戏等方式,用科技的语言向世界预测一种不确定的未来。

郭一作品 复乐园 金属 综合材料

张鹤怡作品 自由持有/FREEHELD 粉色玻璃丝网装置

  其次是“社会思辨”。社会思辨,可以被理解是以社会存在为对象,以社会实践为基础而发展出的复杂的行为模式。社会的进程改变了城市的空间组织和人类的行为方式,并使得城市中的环境、社区、传统与当代等多种概念面临变革的转化。在面对社会问题的过程中,要求艺术家和设计师放宽视野,改变看待艺术、设计问题的角度,抱着批判性思维,提出反映时下的问题,可以解决社会现状的问题,并将“创新”作为设计和创作的关键元素。本单元旨在以艺术为核心、以传统为边界、以社会为空间,全面深入揭示年轻人眼中时代自身的艺术状貌、揭示人类艺术的共性、揭示人类共性的艺术。

蔡雯伊作品 不安的奶油 装置影像

王奕琳作品 拥抱 综合材料

  在“个体意识”单元中,艺术家用多种艺术语言来探讨个人意识在这个多繁复杂的社会中的无限延展性。身体是个人的具象化产物,“人”的存在首先是身体的存在,是身体确证了我们在这个世界上的位置,并保证了我们作为人的意义的实现,正是从身体出发,我们才得以与外界相连,完成对世界的感知,身体也是记录历史文化的场域。真正的自我是完全自由的,也没有人能比我更了解我自己。人类有充分的理由认为自己是个自主的系统,听从的永远是自己内在的声音。

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王璜生 王冬龄 朱伟 媒体艺术 李山 赵半狄

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