金秋时分，乐震文、张弛伉俪“山河回声——乐震文 张弛作品展”在北京中国国家画院美术馆举办。记忆中近年上海画家在京展出的有陈家泠先生、萧海春先生。此番大约是第三位（组）了。笔者携友也专程前往，见证了国家画院的宏大、展品的精彩。现场嘉宾、观众云集，难以静心细观。回来又逐一翻阅图录，颇有感触。又检出旧文两则，如实刊发，与各位朋友分享。

                2023年11月16日记

北山南水总相宜

我关注震文先生，始于他的第一本作品集1993年在上海书画出版社出版，那时我在当社长，一读他的作品，便被一种清新、脱俗的意境所吸引，印象特别深刻。次年，在筹划朵云轩1994年春季艺术品拍卖时，我和同事们主张在古旧书画之外，也推出一些优秀中青年作品入拍，震文先生那年还不过40岁，但大家不约而同地想到了他。其作品《烟雨江畔》列193号，尺幅不大，但构图奇巧，画面烟雨迷蒙，山色苍茫，颇吸引人。拍卖时，台下你争我夺，直到4.5万元才落槌成交。后来，我注意到苏富比也在香港拍卖震文先生的作品，苏富比一向注重质量，对青年书画家尤其关注其实力和潜质，他们力推震文先生也使我感到自己没看走眼。

震文先生早先的山水画是传统一路的，大致以中国画传统的笔墨、线条为主，融入日本绘画的烘染技法，注重表现江南的秀美山水。他的画追求自然质朴的静气，陈燮君先生评价其为“虚澹静谷、意气泰然，如月光下的清泉并不耀眼，却清光照人”。这种意趣透过他作品的远山、幽谷、寒江、瀑布、暮雪、烟树表现出来，如入无人之境，在人与山水的对悟中透析出一种空灵、秀逸和恬静。这[图片]既是审美的境界，也是哲学的境界。如《明月直见嵩山雪》，写雪后嵩山孤桥野村、宁静至极的景物；《山鸣谷应》描绘群山之间瀑布飞流直下，声响打破宁静的感觉。在技法上，他主要从宋元借鉴灵感，在26岁以后的一段时间，他曾沉醉于宋元山水，尤其崇拜李唐、范宽，每日临习他们的作品到夜半三更，以得宋人笔意和气息为最高追求。体现到他的作品中，一是善于用线条来表现树、石、水，以比较准确的造型营造自然。他的线条或长或短，或重或轻，灵活挥写，细腻逼真地勾勒出景物。他最拿手的是画石、树、泉、云，这也是他山水的基本面，有了这几点，他山水画的构架就可以组合起来了。他的石，往往以犀利的皱笔，把山石的质感表现出来；画树更是用笔如神，以灵活而又细腻的线条，勾出树的枝干和叶片，姿态生动。他也是当代最善于画泉、瀑布的画家，往往通过墨笔和留白，把水的动态表现出来。二是他长期对自然气候的观察，使他在烘染技法的运用方面有了自己独特的理解。他特别喜欢对烟云、月色、雾霭进行大片墨块而又细腻的烘染，营造出一种迷离的、有层次的效果。三是在用色上，总的以墨笔为主，施以淡彩，清丽雅致。如他早期的《半山松声》，就很典型地展示他的用色特点：以墨写山，略施石青。当然，也有艳丽的，如《垂枝迎飞泉》藤黄的大胆运用，给山树染上了一片金黄色，也很抢眼。

1996年以后，震文先生对自己的传统山水进行了一次自我革命和有益的探索，在保留传统技法以及恬静画风的基础上，在构图和技法上作了较大幅度的跨越。这是由1996年他的太行山写生、游历引起的。他告诉我，看了北方的太行山，那种苍凉、那种雄浑、那种高爽，无法用原先的方式表现，它与江南秀美的山水有太多的不同。这以后，他进入了一个新的创作时期。我把他这以后的作品称为黄土作品，以示与前面所说的江南作品的分别。黄土作品以山西山区为表现对象，以北方黄色为主色调，在传统笔法的基础上引进变幻和叠加的绘画元素，透析出一种雄浑而又宁静的意象。进一步地去分析，一是作品的主调更为热烈，更有生气，这与他用色的变化最有关系。如《消息树》的红色，《万里长城》的用色。他虽然偶尔还用青绿色，但金色、土黄色、褐色和深红色构成了他黄土作品的背景色、主基调。黄是黄土高原四季的土色调，但在四季的影响下，植被的变化引起了画家的关注，有时他用紫色，这和青纱帐的秋高粱有关；有时他用青绿色，这是太行山春色所致；有时他大胆地用金黄色，这是因为秋天在太行山降临，层林尽染。我认为，用色调表示一种意趣、理性，西方画家最为擅长，但震文先生把这种理念用到中国画里，并且结合得很自然。他在一幅作品中很少用多种颜色来组合，而是每幅作品一种色调，黑则黑，黄则黄，画面极为鲜明地给观者留下印象，具有很强的视觉冲击力。二是变形和叠加技法的运用，通过变形，增加了几何的山体块面和几何的结构。如《故城秋思》，山还是山，但更概括，更有几何感，更简练，因而也更雄浑有力；通过叠加的技法和物体之间的穿插，造成一种群山相连、层次分明而又延绵不绝的感觉，加上画家注意留白和大量地使用点笔的技法，画面上有一种透明的视觉效果，因而更耐看，也更符合今人的审美心理。早先雾露是他很擅长的绘画语言，到了黄土时期，如《流韵》中的雾霭也变成了条状，带有几何形、缥缈感，似乎变成了绘画中的留白，因而更加透明和透气。三是满构图，层层叠加，造成一种峰峦叠嶂的气势。他善于加工“零件”，每一个“零件”都精描细绘，他也善于组装，他把自己加工的“零件“放到画的整体中，满满当当，但又恰到好处。这一点可能与画家早期喜好范宽满构图的画风有关，不自禁地引入了自己的黄土作品中，但又是比较现代的。很多人一谈现代以为就是传统的失却，这实在是一种误读。震文先生的现代感不是纯粹西方式的，而与中国传统相依相存。他的点，来自于古代画家龚贤，他的构图，受到范宽的启发，他的线索、功力，几乎都是传统的延续；他的意趣，还是一个雅字，动感中的那种雅。谈到雅，我还想特别强调一下震文先生的绘画，不管是哪种风格或形态的，始终融入其中的就是“雅”。我认为雅是中国山水画非常重要的境界，或者可以说中国画天生就是雅的精神产品。古人是脱俗的，所以古人的绘画是雅的。但是今人的生活环境与古人大为不同，俗的成分更多了。艺术家要脱俗、达雅，难度大为增加了。这除了要学习古人、要训练、要有一个相对雅的生活空间以外，更重要的在于自身的修养，在于自身对中国画精神的理解。在这方面，我认为震文先生做到了。他的绘画无论是静态的还是动态的，无论是传统的还是富有现代感的，都能雅在其中。这是难能可贵的，同时也是这么多年来我一直比较喜爱和推崇他作品的重要原因。

震文先生从探索艺术的道路上一路走来，不期已到了天命之年。这次经一些藏家、好友极力主张，震文先生才同意出这本画集。这其中有他早年的一些精品，更多的是近年的新作。作为阶段性的总结，这本画集无疑是出色的、耐看的，也反映出画家在艺术上的成功和成熟。我们祝贺他取得的这些成果，同时也更相信他有一个灿烂的明天！

张弛之道

2008年，张弛前一本画集《云水流韵》在国内出版的时候，我因为给她写序，曾听她解读自己的绘画理念。

她是一位酷爱大自然、善于从大自然摄取灵感的艺术家。当时我在序中写道：“张弛是用自己的心去感悟大自然，又用自己的笔去表现当代人对自然的理解。她从古老的中国绘画中走来，又向着一个心仪的方向执着地走去。她渴望用新的表现方式和绘画元素，倾诉自己的感觉和心情，表达大自然生命的力量和内涵，无疑地，她获得了成功。”

如果说《云水流韵》代表了她旅日时期的作品及其绘画观念，那么，这次出版的《那山那水》则更多地反映了她近三年回归祖国大陆，云游四方，尽观大山大河之后的心境和觉悟。

日本是个岛国，给人的印象是典雅、精致和小巧，而大陆更多地展示博大、苍劲和雄浑，给艺术家新的视野和新的感受。尽管三年不算长，但在张弛的创作生涯中，却有着转折的意义。

在举世瞩目的上海世界博览会召开之前，张弛曾沿黄浦江两岸写生。在此基础上，以工写结合的方式，历时一年多绘制了长达二十余米的《海上揽胜》水墨长卷。这件作品记录了浦江源头浙江安吉至长江入海口的风光，浩浩荡荡，浑然天成，在世博会五大主题馆之一的城市足迹馆展示，吸引了海内外宾朋驻足观赏。

张弛意识到，在山水画的创作中，有比线条、形式、色彩和技法更重要的东西，那就是作品的内涵和精神，这是靠作品所传达出的气魄、韵味、境界来表现的，由时空带给作者的感悟所决定的。

近几年，张弛跋山涉水，回归大自然，去见识、体味自然的神秘、气度和变化，并用手中的画笔记录下所见所闻。看了她三年中的十几本写生册、几百幅写生稿，你不能不佩服她的吃苦精神，不能不佩服她固有的艺术家的灵感。井冈山、延安、黄河、武功山、太阳岛、伊春、太行山、云南，以及南美大陆巴西和阿根廷，到处都留下她的足迹。在行万里路的过程中，张弛被大自然一幅一幅动人的画面所感动、所震撼，她说：“云南的山，山势雄伟，气势磅礴，震撼心灵，自然的神威、天地的造化和广袤无垠的疆土，召唤着远离故土的游子……”“井冈山苍翠茂盛的丛林，武功山郁郁葱葱的草甸，伊春千年苍劲的红松，延安枣园绿色的草坪和金色的树叶，都使人感受到天地大美而不语。”“初到太行屋脊，细雨霏霏，薄雾飘渺，蜿蜒起伏的山峦在云烟中时隐时现，高峡平湖，山花烂漫，清新的空气似乎染成了绿色，沁人心脾。虽是第一次上太行，却使我倍感亲切，忍不住惊叹在中原大地，还有如此清静幽雅的地方。”

现代人都喜欢说做事要有感觉，我想，张弛由日本回到祖国，算是找到了感觉。这就是用身心去体悟、去感受宇宙自然瞬息万变的特点，用画笔去描绘、去表达造化万物过程蕴含的“天机”。写生、写景，是观望天地自然之物象，倾听天地自然之音律，而创作则是去完成“天艺合一”的神韵。

张弛出生绘画世家，早先受张大昕先生庭训，后拜陆俨少先生为师，二十多年旅居日本，也汲纳了日本绘画的技法。笔墨随时代，技法遂心灵，从技法到神韵，从有法到无法，这是张弛在这本画集中体现出的升华。

我们读她这批作品，一定要读懂她这三年的心路历程，这样，才算是真正走进了她的内心世界。