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【展览预告】徐匡:“匠心独行”独版画艺术展 再现60余年刀笔刻画创作生涯

雅昌艺术网专稿 2018.03.09

  编者按:今年正值徐匡先生80岁诞辰,由中国美术家协会,中国国家画院,北京画院,四川省文联,四川省美协主办的“匠心独行——徐匡独版画艺术展”即将在北京画院2018年3月17日开展。

  

  2010年"阳光高原——徐匡作品展"研讨会现场

  据了解,即将开展的“匠心独行——徐匡独版画艺术展”是继2009年中国美术馆举办了“灵感高原——中国美术作品展”,2010年北京画院举办了展览"阳光高原——徐匡作品展",2011年上海美术馆“刻画人生——徐匡艺术作品展”,艺术家徐匡近十年来又一重要个展。【相关链接】:研讨会主题“阳光高原——徐匡作品展”研讨会徐匡艺术作品展上海美术馆隆重揭幕

  

  2011年上海美术馆“刻画人生——徐匡艺术作品展”

  八十年之中,艺术家徐匡20年学画成长,后六十年辛勤创作,为我国20世纪的美术史留下了一大批经典作品。作为20世纪的中国美术大家系列展,主办方将梳理出 “求学时光”,“刻画人生(版画经历)”,“创变不息(独版画)”三大版块,从艺术家徐匡最新创作出百余幅独版画精选出40余幅独版画展出,届时与观众见面。主办方以此记录、传播与研究徐匡先生的艺术,激励新一代的版画青年不忘初心,砥砺前行。

  

  艺术家 徐匡

  徐匡作为中国现当代版画的领军人物,他的现实主义创作风格引领了新中国美术的木刻版画。他出生于1938年战火纷纷的年代,经历了新政权的更替,在新中国成立后成长为一位出色的版画家,肩负时代的使命,创作了一批反映社会现实题材的作品。

  

  艺术家徐匡与夫人阿鸽

  在长达近60多年的艺术生涯当中,他的题材、造型语言、风格的探索都呈现显着阶段性,但是贯穿期间是他所追求现实主义艺术的不懈努力。数十年如一日,表现着藏族人民生活的题材。古稀之年,他不断尝试新的艺术语言——独版画,以原版木刻与素描为综合材料的创作方式。

  

  徐匡小学照片

  一、艺术求学时光

  徐匡从小在母亲的耳濡目染下接触绘画,早年就读于陶行知创办的上海行知艺术学校,系主任为版画家王琦。1954年徐匡考上中央美院附中。附中首任校长丁井文随中国美术教育考察团访问苏联等美术学校。

  

  徐匡油画自画像

  因而徐匡在这里得以接受严格的苏联美术学院的严格训练,扎实的素描基础,也为日后现实主义题材创作打下了坚实基础。附中毕业后他到四川美协去体验生活,成为《重庆画报》的一名编辑,在老领导版画家李少言的鼓励下创作了《待渡》、《红岩》插图等作品。

  

  1959 年,人民日报刊登

  北京画院理论研究部张楠在《画师心是出家僧——徐匡的黑白世界》说到,徐匡早年绘画风格还不确定,吸收了老一辈版画家注重形式感和抽象感,黑白分明的艺术特点,以及德国版画家珂勒惠支的绘画语言特点。60年代为了探索形式美,他将汉砖拓片的形式融入创作中,创作了一批富有浪漫主义色彩,如《彝族女孩》、《秋收》和《果园姐妹》。

  

  乡村小学 43cm×57cm 1964 年 版画

  而此后在乡村体验生活创作的《乡村小学》则是充满质朴情感。70年初除了具有文革色彩的《不许奴隶制复辟》,大多绘制美好的自然与人性。

  二、刻画人生:艺术进入藏族人民生活

  1974年,徐匡开始到藏区深入生活。第一次是到四川阿坝若尔盖的军马场生活了2个多月,回来便创作《草地诗篇》,创作形象明显具有那个时代的特殊审美,刻画人物及环境比较细致。1975年,他又随阿鸽等五位画家一起深入西藏腹地9个月,回来后就创作了大量与西藏有关的作品,并一直影响到他40多年来的创作题材。

  

  1985 年和李焕民达瓦等在阿坝州若尔盖草原深入生活

  作为新中国版画家群体当中的四川版画家,一直在建国以后的版画创作当中异军突起,风骚独领,他们创作出过一大批影响深远、具有时代代表性版画作品。特别是新时期的1980年中国版画协会成立以后,在常务理事当中的四川版画家,以李少言、牛文、李焕民、酆中铁、徐匡为代表,在这个代季之间徐匡显然是中青年一代的优秀代表与承继人物之一。

  

  主人(与阿鸽合作) 70cm×70cm 1978 年 版

  这一时期的作品画面留白很多,以白色的背景衬托画面的主题人物形象,以强烈对比衬托草原青年的强壮、藏族少女的质朴、藏族儿童的天真、草原动物的原始等特点。

  

  徐匡与阿鸽在西藏采风

  如与阿鸽合作的《主人》是具有少数民族题材里程碑的作品,此外《新路》、《小骑手》、《牧场上的小学生》、《两个小演员》、《高原的阳光》和《洁白的哈达》等反映真实藏民的美好生活。这一时期还穿插其他风格的作品,如水墨画意味的套色版画如《花裙》、拓印风《珠峰的女儿》,以及具有中国传统木板画线刻为语言创作的《大渡河畔》及《阿噶家的羊群》。北京画院理论研究部张楠在《画师心是出家僧——徐匡的黑白世界》提到。

  

  这一时期的徐匡信奉传统艺术原则,表现世界与自然的美好和希望,与其早年受苏联版画的影响有关。苏联画家作品大多体现来源生活又高于生活的艺术理想。苏联画家讲究扎实的造型基本功,强调对生活的观察体会,并从中加以提炼。徐匡重视构图的灵活性,善于利用刀与木头的质感特点组织刻画人物在事件中的形态变化,作品当中洋溢着一种磅礴的浪漫主义精神,将抒情和宏大历史背景相互融合。

  

  三、创变不息创作新的艺术语言“独版画

  90年代以后周思聪、詹建俊到四川写生看了徐匡的版画,梨木板可以更好的体现徐匡刻制的丰富性。他们认为徐匡的技术已炉火纯青达,到达艺术极致,木版原版就可以成为一幅绘画,建议他留下一些刻板不再印制。

  

  艺术家徐匡在四川美协化龙桥工作室创作《花朵》

  徐匡希望有所突破,渐渐放下木刻刀,转而对油画产生了浓烈的兴趣。此段时间的油画体验的沉淀为其2010年以后独版画的创作打下了基础。他大量去学习西方经典油画拉斐尔、米勒、维米尔、梵高等艺术大师的作品。

  

  花朵 90cm×45cm 1988 年

  虽然这段时间版画作品不多,但是他也没有停止操刀,如原版画《花朵》、《老阿妈》、《守望》、《背柴的女青年》。从素描稿直接起刀入手,光影、明暗、质感、触感,一挥而就。木版的原木色、特殊纹理以及起稿所绘制的素描相配合正可谓一种艺术形式。2004年他应四川美协要求所绘制《奶奶》是其转变期的又一个高峰。随后他又创作了《走过草地》、《扎西和他的羊》、《家园》、《山寨依然美丽》等一系列作品,对于环境的处理刻画可谓精细入微。

  

  红衣少女 100cm×150cm 2000 年

  2009年至2011年3年时间,分别在北京、上海的三次展览相继亮相展出了艺术家徐匡的系列未印制的版画原版,并得到社会各界人士的认可。激发他在此后的创作,便直接以木版为创作对象,不再受印制成品画的拖累。也不会受木版画原稿需要镜像描绘在木板上的各种技术限制。

  

  艺术家徐匡与独版画作品

  (以下采访问题信息来源于北京画院)

请您谈谈您创作这批独版画的缘起、初衷是什么?

  徐 匡:在八十年代、九十年代,我创作的版画最早主要还都是刻了都要印出来的。记得当时刻了一个《守望》那件作品,詹建俊、周思聪等一些北京的同行们到我的工作室来参观。看了刻好没印的原版,他们都觉得特别好,说别印了,特别丰富,当时是梨木板,很好看。后来我就慢慢留了一些没印的,也觉得在板子上效果很丰富。

  

  艺术家徐匡与夫人阿鸽

  阿 鸽:他有些作品出来以后,我是第一个看的,很激动的。包括刻这幅大头像。素描画好以后,我说不能刻,刻出来就没有了素描的效果。结果他坚持刻,刻出《斯朗卓嘎》来比素描效果更好。

  

  喜马拉雅 120cm×180cm 2000 年

  八九十年代您也留了一小部分?

  徐 匡:一般是不大的小件,很少。原因就是当时你刻这个干吗?要让你交创作,参加版画展览。环境时间不对,真正搞这个独版画是2000年。尤其是吴长江搞“灵感高原“展览,那时候已经开始了,还有王明明在展览会上认识我,进一步肯定了我,在北京画院美术馆也做了展览。在这之前两年我就集中搞了几十块。

  2009年之后,您这个转折有没有更具体的契机原因。

  徐 匡:因为2010年左右,我就不大参加全国美展了。因为评奖的时候评委不给你奖又不好,不评吧,又觉得我的水平在这里,所以弄得我很恼火。那个以后,就觉得这个形式,不参加展览就可以搞创作,创作就放开了。从那个以后,我就开始比较集中时间搞这个独版画了。时间大概就是在在中国美术馆 “灵感高原”的展览以后。

  

  山寨依然美丽 150cm×100cm 2009 年

  现在积累了近百幅作品,应该说独版画创作其实有意无意之中形成了您的第三个创作高峰。北京展览以后,大家就觉得很震撼。

  阿 鸽:09年他刻的《山寨依然美丽》,当时还没有想做独板,08年地震,09年搞一周年纪念,当时就做灾后重建。他那个构图一出来我就说很好,一个藏族妇女从楼顶上往下走的形象,我说这个点子选的好。结果刻出来以后就不想印了,觉得很丰富,结果这一件就留下了的。

  

  牧归 120cm×180cm 2008 年

  《格桑和她的朋友》、《牧归》是在都江堰工作室做的。他不光是做一件,同时做好几件,轮换着每天弄一块。当时也没有觉得怎么样,他画过一张油画的《牧归》,效果还是比较好。后来他就刻在板子上,他平时都是平放着的,有一天他一立板子起来,我就觉得好丰富,他前前后后刻了一年,很费劲的。所以2000年以后,特别是在北京一展览以后,大家就觉得很震撼。

  

  格桑和他的朋友 120cm×180cm 2008 年

  您一般创作的时候,直接用写生稿的情况多吗?

  徐 匡:从写生当中搞创作,我比较少。生活里哪有摆好的形象,完全靠你的感觉。上车、下车、过路,坐码头的时候,先有一种感觉,然后慢慢再琢磨形象。《斯朗卓嘎》,这个女孩很平常,很普通、很普通的一个人。我有次写生到了雅江以后,来了七八个女的,吴长江说你来选,我就选了这个当模特。我觉她很有味道,就拍了很多照片。最后呢,这个人和原形有一点点微妙变化,那就看你的修养和表现力了。

  

  斯朗卓嘎 100cm×150cm 2010 年

  人物的表情跟背景揉在一块儿,她的表情您也做了变化。

  徐 匡:我一般不要求摆,一摆就僵了,都是他在生活中我悄悄地观察,让她尽可能的自然。

  

  远方来客 100cm×150cm 2009 年

  都说艺术源于生活,版画创作比搞中国画的更注重生活中的原形,您得到的艺术灵感到底是写生的原形还是您心里的形象?

  徐 匡:我是这样的,首先感觉这个情节和人物都有一点。比如说《主人》,当时去拉萨、去西藏其它地区,还是比较贫穷的,那儿哪有像现在我们刻划出来《主人》的形象。但是当时就有这么一个现实藏民形象,但是那个形象不能放在画面上。现在回想起来,那时搞的“三突出”,也是符合那个时代的审美要求。我独立创作的《高原阳光》形象,现实生活里头都是很瘦弱,不是这么壮实的,就得回来加工。头发也跟我差不多的,稀稀的,这都是后来加的,包括他身上的肌肉。

  

  远方来客(局部) 100cm×150cm 2009 年

  您看到他的第一眼激发了您什么感觉?

  徐 匡:我觉得这个动态或者这个藏族人动态的形象可以。

  然后再把不满意的地方逐渐去掉。

  徐 匡:对,加工或者是找到其他合适的。

  

  珠穆朗玛 180cm×120cm 2012 年

  这就要说艺术源于生活,来源到底是什么,是一种感觉还是原始形象。

  徐 匡:我觉得首先是他的感觉还是不错,但是要真正成为一张理想的作品,整个形象还不行,衣服也不行,我就来加工。把我想象中的加进去,这是很明确的。

  

  看赛马 93cm×38cm 2013 年

  您的创作模式跟六七十年代提倡的典型化有点相象,当时强调典型环境中的典型人物,您感觉他不能完美地表现您从他身上看到的某一点,就需要要把这个扩大、完善、修改处理。

  徐 匡:《草地诗篇》原形真是感动我,等我后来搞成这个样子以后,现在回想起来那时搞的“三突出”,也是符合那个时代的审美要求。

  所有的艺术,不管什么画种,大家普遍都说要追求“味道”。

  徐 匡:我感觉它很有味道,这个味道是有点抽象,但却是确实存在的,语言又表达不出来。

  

  牧场 120cm×180cm 2013 年

  这个味道是不是当时您采风写生的时候第一眼看到的东西?

  徐 匡:这个感动里边有些是,有些是可以变成画的,有些则不行。或者感动你了,它太抽象了。我们是造型艺术,是视觉艺术,全部要通过视觉的。有些是戏曲舞台上通过一个过程来表现。

  

  火把节•风雨无阻 120cm×180cm 2012 年

  是您写生采风的时候构思的结果,还是最后落实到材料层面,刻板子的技法的效果,您觉得技法是主要原因?

  徐 匡:技法绝对不是主要的,技法是为我弄成稿子,把我想象的做出来,真正到刻的时候是后期了,就靠你的经验了。最关键的是前面取材,最感动你的那部分,不能干扰它,必须以它为主,一切为了这个东西。所以后来我放弃了很多,我明确感觉到形式和内容最后标准是内容是第一。你说为了表现一下,不需要,首先是这个事情感动你,你为了这个让技巧为它服务。

  

  回家 150cm×100cm 2017 年

  艺术家们都说深入生活、源于生活,落实到具体层面,您认为深入生活中拍照片、画写生,采集素材形象和感受气息、寻找感觉,哪个更重要一些。

  徐 匡:如果照相能够产生艺术品,那么千千万万的照相机不都是艺术家了么,不是这样啊,它仅仅是个工具。我现在所画的这些东西,不管是速写得来的,还是写生得来的,包括从照片得来的,殊途同归,都是从生活感受当中来的。我经历过、我看见过,它感动了我,这样才出来的。一味的写生,也有不少单靠写生就成为伟大艺术家的,历史上有很多,这要根据每个人的不同情况来决定。但是有个共同点,就是你在艺术上能够感动人,写生也好、不写生也好,最后都是要在展览会上见,用作品讲话。

  

  牧羊姑娘 120cm×180cm 2014 年

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