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雅昌月度(2018年3月)策展人影响力榜单

雅昌艺术网专稿 2018.04.06

  导言:“雅昌月度策展人影响力榜单”是雅昌艺术网从媒体角度对当代艺术领域的策展与展览呈现进行全面搜集、记录与跟踪,从专业角度解读“策展人”每月所策划的展览在学术性、策划执行、公众认知及影响力、国际化推广、盈利能力等方面的能力与创新。

  3月16日 策展人:许剑龙 萧勤“回家”艺术大展(点击查看艺术看展) 中华艺术宫

  3月16日 策展人:郭晓彦 “邱注上元灯彩计划”邱志杰个展(点击查看艺术看展) 北京民生现代美术馆

  3月17日 策展人:谢素贞 放轻松-动漫谬想的秘密花园(点击查看艺术看展) 银川当代美术馆

  3月22日 策展人:Germano Celant 罗马1950–1965(点击查看文章) 上海Prada荣宅

  3月23日 策展人:崔灿灿 张玥个展“山鹰之歌” (点击查看文章)杨画廊

  3月24日 策展人:野城 重构乌托邦(点击查看文章) 深圳华·美术馆

  3月24日 策展人:闫士杰 “道隐无名”奥拉维尔·埃利亚松个展(点击查看艺术看展) 红砖美术馆

  3月25日 策展人:许江、高世明及15个策展团队 中国·美术·学院——中国美术学院九十周年纪念展(点击查看艺术看展) 中国美术馆

  3月25日 策展人:蔡影茜 奥马尔·法斯特:看不见的手(点击查看艺术看展) 广东时代美术馆

  3月25日 策展人:吕澎 逃跑的兔子:陈曦新作展(点击查看艺术看展) 北京民生现代美术馆

  3月30日 策展人:俞可、诺曼·罗森塔尔 “海南城市公共艺术计划”来自中英的艺术家(点击查看艺术看展) 海口

  3月31日 策展人:巫鸿 王璜生:边界/空间(点击查看艺术看展) 广东美术馆

  策展人:许剑龙 萧勤“回家”艺术大展

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭✭✭

  策展理念:百件力作展现艺术家六十余年创作生涯

左起:中华艺术宫执行馆长李磊、萧勤国际文化基金会执行长吴素琴、艺术家萧勤、本次大展策展人许剑龙

  2018年3月16日,萧勤艺术大展“回家”在上海中华艺术宫开幕,展览展出近二百件其绘画及雕塑原作,全面回顾他六十余年的创作生涯以及对中国现代抽像艺术发展所作出的重大贡献。本次展览策展人许剑龙表示,萧勤“回家”大展是艺术家迄今最具规模的回顾展,像是一部战后华人艺术发展的历史故事书。萧勤的作品引领观者从生命经验出发探索世界文明,思考深厚的东方文化, 探寻生命的永恒。

萧勤, 大同, 布上压克力, 200 cm x 480 cm, 2012

  此次回顾展命名为“回家”,有着更深层的含义:这不但意味着萧勤回归到出生的地方,也代表了他精神上归根的表现。这寓意萧勤先生一生的艺术追求要回到原点,这个原点不仅是指出生地上海,也是其文化和精神的归宿。萧勤先生有着浓浓的家国情怀,对家乡充满眷恋。

  展览现场:从东方哲学到无尽的宇宙与能量

  庞图年代1961-1966 以“点”静观宇宙精神能量

  展览以作品《大同》为开篇,接着展示的是源点(1951-1960)走向“自我探讨的创作道路”开始,带领观者走近萧勤的创作历程。接着展示的是庞图年代1961-1966 以“点”静观宇宙精神能量,1961年,萧勤联同意大利画家安东尼亚、日籍艺术家吾妻兼治郎和东方画会创始人之一李元佳共同创办了“庞图”国际艺术运动。“庞图”在意大利文是“点”的意思,是西方艺术中最小及基本的视觉元素,这也巧妙地呼应了中国哲学对“点”的观念。以东方精神为重点的国际抽象艺术运动“庞图”,展现了东方精神的延续。然后是直觉性“极简”1967-1972《硬边系列》的东方本性表现部分,1967年,萧勤前往美国发展,在西方“极限艺术”的影响下,创作了“硬边系列”的绘画作品,这一系列作品是萧勤创作生涯中在形式上最钢性、最强调造型的精确度及最有纪律的作品。

  直觉性“极简”1967-1972《硬边系列》的东方本性表现

  度大限 1990-2000 生命真谛的体悟及永恒性探讨

  再然后,呈现的是禅与炁之境 1972-1990从现象观本质部分,1972年,萧勤返回米兰定居,重新开始对“道”与“禅”等东方哲学、佛家学说的研究,用全新视角重新发现东方文化精神的奥妙,画风转变为放逸、舒散、直观,并延续六十年代用书法线条律动美来结构作品的画面模式。度大限 1990-2000 生命真谛的体悟及永恒性探讨板块,1990年,萧勤深爱的女儿因意外逝世,无比悲痛之余,也刺激他重新思考生命的问题。“永恒的花园”、“度大限”、“光明彼岸”等系列,就是其对于生命真谛的体悟及永恒性探讨。在这时期创作中,丰富缤纷的色彩,就是将人世间愁绪,以广阔的胸襟智慧转为大爱与祝福。在永恒能量2000—present这一时期,其作品指向生命及宇宙和谐共生的深层精神力量。

  策展人:郭晓彦 “邱注上元灯彩计划”邱志杰个展

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭✭

  策展理念:邱志杰“邱注上元灯彩计划”的完整展示

北京民生现代美术馆副馆长、策展人郭晓彦

  2018年3月16日,北京民生现代美术馆2018年首个大展隆重推出艺术家邱志杰的“邱注上元灯彩计划”,此次展览是北京民生当代艺术家个案研究系列的最新成果,也是邱志杰“上元灯彩”系列展览的终结篇。

  邱志杰从2009年开始研究明代佚名画师创作的《上元灯彩图》,从临摹开始,逐步形成了包括写作、绘画、装置、多媒体影像和现场表演在内的一系列艺术作品。自2010年的上海双年展以来,其中的一些作品已经在世界各地先后展出过十余次,这次在北京民生现代美术馆的展览宣告了这一历时9年的综合艺术计划的完结,也是计划的全部成果第一次与公众见面。

人们进入情境参与“古玩市场”

  展览共展出170余件(组)作品。包括《邱注上元灯彩》、《金陵剧场绣像谱》、《金陵剧场》装置系列与现场演出,《古玩市场》现场演出,《不夜天》、《历史剧考释》、《历史剧推演》等。

  展览现场:重现大明1566金陵上元节

市场出现纠纷(中央美术学院实验艺术学院学出演)由“古人”(中央美术学院实验艺术学院大一学生)来判断

  展览现场分为作品展示和表演两部分,其中表演分为关于一种历史剧的编撰、自说自话的市场、碰瓷、鬼梦、拍卖等五幕,进入一楼展厅九进入了展览设定的特殊情境——“古玩市场”。这个美术馆中的“古玩市场”是可以真实交易的,并且有“城管”小哥维持市场秩序。随着剧情的推演,由中央美术学院实验艺术学院一年学生出演的“拍卖”剧情;三年级学生出演代表遥远历史中的魂魄——“鬼”。随着二楼的“鬼”开始摇动着一件黑纱裙的“鬼魂”在大厅的空中上下游走,配合剧情的声音响起......演员从二楼穿过观众的人墙来到一楼的“古玩市场”内......画外音响起......明灯初试九微悬。瑶馆春归不夜天。

演出现场

中央美术学院实验艺术学院三年级学生演员谢幕

  在民生现代美术馆的空间里散布着百余个装置,每一个都分别对应于一种在中国历史上反复出现过的形象或现象。例如权臣、幼帝、悍将、告密者、革命者、税吏、流寇等。它们有时候是人物,有时候是某种事物,例如漕运、狼烟、谶言、丹药等等。这些小型装置都可由表演者操纵,它们之间的组合、自动和互动的过程,成为一个“金陵剧场”。

随着夜幕降临 《不夜天》的灯笼显得更亮了

  二楼展厅呈现了“邱注上元灯彩计划”系列作品,进入美术馆二楼展厅,就置身《不夜天》、《金陵剧场》系列装置之中了。

  邱志杰表示,自己创作“邱注上元灯彩计划”,不是去为这副古画“盖一个章”,而是希望加入到传统的流变中。这张古画《上元灯彩图》帮助他理解了什么是中国、什么是中国艺术、什么是中国艺术家,创作“邱注上元灯彩计划”也为他聚集起了更多美妙的因缘。

  策展人:谢素贞 放轻松-动漫谬想的秘密花园

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  策展理念:打造一种浪漫和轻松的动漫气质

银川当代美术馆梦幻入口

  3月17日“放轻松——动漫谬想的秘密花园”银川第二届国际动漫展在银川当代美术馆开幕,展览邀请了来自中国大陆、中国香港、台湾地区,日本及韩国,共计27位艺术家展出其绘画、雕塑、装置、VR体验等作品,在轻松幽默的基调上,表达出对现代娱乐的另类态度。

“放轻松——动漫谬想的秘密花园”展览现场

  “如今动漫与艺术品之间的界线越来越模糊,这也是当代艺术多元化的一种体现。动漫艺术的价值是文字所不能带来的,希望通过本次展览吸引越来越多的市民和艺术爱好者走进美术馆,同时我们也计划将美术馆内的图书馆改造为动漫和画册为主的图书馆。对于我个人来说,动漫艺术是可以逃离现实的避风港,而动漫的秘密,只有有童心的人才能打开那扇门。”策展人谢素贞讲到,她希望打造一种“很干净的、有想象力的不太直接的”动漫气质,这也是此届动漫展所呈现出来的浪漫和轻松调性。

  展览现场:童话“秘密花园”

展览现场

  银川当代美术馆创造了一个属于动漫的“秘密花园”,观众可以在这里重拾私隐在心中的残存童心。在这座银川美术馆所构建出的“秘密花园”中,你可以穿越时光,走进几米的幻想世界;可以跟着赛璐珞片重温一遍动画片,追寻儿时的回忆,孙悟空、龟仙人等等一一出现在你的眼前。展览还有一个最大的亮点,便是几米绘本的现场VR体验。是结合HTC Vive虚拟现实技术与设备,将幾米绘本作品《我的世界都是你》从纸上延伸,以360度全景构筑出绘本一笔一触的立体空间,再透过HTC Vive的空间定位技术和追踪控制器,让读者能够走入绘本与角色进行互动,亲身经历幾米充满渲染力的幻想世界。VR内容体验者跟着绘本主角小女孩踏入故事中的歇业旅馆,走进四间神祕房间,遇见四位奇幻人物:爱研究奇妙植物的园丁、一直盯着电视机看的怪兽、曾经是名钢琴家的搬运工、以及失去家园的流浪女人。全系列作品一共四集,每一集有各自设定专属的主题寓意:释怀、珍惜、重新开始、选择遗忘,藉由与这些角色人物的互动,完成体验中的挑战,帮助小女孩用另一种态度看待失落,一步一步走出失去挚爱的哀伤。

  策展人:Germano Celant 罗马 1950–1965

  A学术性:✭✭✭✭

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  C现场效果:✭✭✭✭✭

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  E国际化能力:✭✭✭✭✭

  策展理念:再现五六十年代罗马的历史和艺术氛围

  3月22日“罗马1950–1965”艺术展在上海Prada荣宅举办,此次展览通过对当时的文献资料展示,探究意大利首都罗马在意大利文化和电影创作中扮演的重要角色,再现当时罗马的历史和艺术氛围。

Installation view of “Roma 1950-1965”

Prada Rong Zhai

23 March – 27 May 2018

Photo : Alessandro Wang

Courtesy Fondazione Prada

  “罗马1950–1965”艺术展所选取的艺术家,都和战后罗马有密切关系,艺术展分为三个区块,分别展示“形式派”(Forma)、“起源派”(Origine)以及“八人组”(Gruppo degli Otto)、新艺术战线(Fronte Nuove delle Arti)等当时主要的艺术群体和作品。在修旧如旧的荣宅中,所有远道而来的艺术作品都以竹墙为背景进行展示,与百年老宅相映成趣。“竹子是代表性的中国元素,有种自然感,与荣宅的环境氛围十分协调。同时,不同的作品之间也可以互相呼应,产生一种整体感。”策展人讲到。

  展览现场:置身艺术家们生活的社会中

  从展出作品中可以看出,“起源派”表现出对材料运用的极致探索。其后一代是“形式派”,包含卡拉·阿卡迪、彼得罗·康赛格拉、皮耶罗·德拉兹诺、安东尼奥·桑菲利波等艺术家在内。阿卡迪等人首创了由画布表面自由浮动的恒星和原子组成的宇宙或生物维度,在他们的作品中,色彩和材质成为所创作故事的核心。

Installation view of “Roma 1950-1965”

Prada Rong Zhai

23 March – 27 May 2018

Photo : Alessandro Wang

Courtesy Fondazione Prada

  策展人杰勒马诺·切兰特总结道,“形式派”“起源派”等罗马主要的艺术群体,汇聚了几十年来意大利艺术发展的重要人物,“在此期间,绘画和雕塑倾向于无形式和姿态化。”有趣的是,此次展览所涉及的艺术家一度喜欢在罗马的同一家咖啡馆聚会,这一幕被摄影师记录了下来。为配合此次艺术展,荣宅三楼的一间卧室被改造成了咖啡馆,与墙上的艺术家照片相互呼应。

  在“罗马1950–1965”艺术展所涵盖的15年间,罗马从战后废墟迅速发展成为一个集美丽与痛苦、沉沦与虔诚的城市,如电影《甜蜜的生活》所描绘的所有矛盾一样。这座城市不仅吸引了这个时期的重要作家和学者,还活跃着一批演员、名人及电影制作人,罗马郊外的奇尼奇塔因此被戏称为“台伯河上的好莱坞”。除了艺术作品外,展厅现场还设置了四组玻璃展示柜,展出同时期的电影海报、历史照片、艺术家宣言等重要文献及原版出版物,以再现艺术家们生活的社会和文化背景。

  策展人:崔灿灿 张玥个展“山鹰之歌”

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  策展理念:山鹰之歌

  “我宁可是支铁锤,也不愿是一根铁钉。没错,如果真的可以,我会这样选择。” ——《山鹰之歌》

靶纸, 2016 - 2017, 印刷品, 54 × 38 cm × 162

朝鲜(部分), 2017, 钢笔纸本, 41 × 32 cm

Welcome, 2017, 多频视频, 尺寸可变

  3月23日,张玥第二个个展 “山鹰之歌”在杨画廊开幕,展出艺术家2016-2017年间做的项目,主要是以文献与档案形式完成。其中包括两部分线索:一是围绕“枪”展开,一是与前苏联的社会主义国家阵营相关。

  “我们深知,在游戏的世界中我们可以选择,麻雀与蜗牛、铁锤与铁钉、森林与街道,但现实世界从来不是可以由键盘和鼠标操纵。”策展人崔灿灿讲到。

  展览现场:仿佛置身于一场战争之中

  展览由“开火”开始,它像是战争河流中的鹅卵石,162张靶纸铺设了整场展览的路径。从2013年开始,张玥调查、研究、组织了一系列与枪械有关的作品,如各地靶场的射击体验,退伍军人的实战经历,刑事罪犯的新闻案件,各地记载的不同年代的持枪证,民间称谓和暗语形成的地下黑话。

  展览的第二部分,由夹在两个空间中的帐篷进入。2015年,张玥在缅甸战场的难民营里呆了65天。枪击不再是靶纸,房子上处处留下弹孔。脆弱临时的帐篷,成了仅有的安全堡垒。两个月后,张玥和包晓伟用作品从北京换回五万斤大米,分发给六千多户难民,没有什么比活下去更重要。展览的最核心部分,即是在这个全球化的图景中,不停上演的重复性悲剧,在北回归线各端爆发。张玥从亚洲开始,通过各种图书和网络资料,分析了朝鲜金氏家族的军火贸易,重新解释了1961年古巴导弹危机的内幕。

展览现场的地图 Map

  冷战的谢幕,历史转向了东欧时刻。张玥以科幻小说中对基因改写的设想,虚拟了塞尔维亚对阿尔巴尼亚式英语发音的改造和统治。911恐怖袭击后,一个新的”全球反恐战争“的时代已经开始。张玥由波士顿的恐袭案入手,用20张手绘图纸分析了它与2013年另几宗袭击案件的神秘联系。展厅的第三部分,在电子游戏中,张玥变成了一座城市的监视者,隐匿在几百个监视器中,并制定了各种抓捕方案。另一个大屏幕中,张玥的角色发生了颠覆性的变化,变成了城市“洛杉矶”中的杀戮者,随时可能在监控下被逮捕的“暴徒”。身份的转换,使得我们开始警觉,我们究竟是什么角色?

  展览的最后一部分是对于张玥监狱生活的描述,那些在艺术家个人历程中尤为重要的经历,弥漫在80张监狱画中,静静地追忆情感。而在此刻的展厅外,白色整洁的中庭,回响着作品《明天》中未来战争的声音,它将在这里整日响彻,亦如《山鹰之歌》中永远翱翔在南美上空的号角。

  策展人:野城 重构乌托邦

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  策展理念:重构乌托邦

  3月24日,“重构乌托邦”群展在深圳华·美术馆开幕,展览邀请了21组国内知名的优秀建筑师和艺术家,通过模型、图纸、影像和绘画、雕塑、装置等多样形式展出54组共106件作品。

尹秀珍作品《seven》

策展人野城在导览中

  “本次展览所邀请的参展人都是国内外新锐建筑师,他们代表了70 后80 后90 后对乌托邦城市和未来建筑思考的新生力量。他们有的着眼于对未来城市形态的探索,有的对城市系统提出新的模式,有的对建筑的建构提出新的方法,有的对社区和人居生活提出新的畅想,有的通过影像和绘画展现了一个个乌托邦城市和建筑的图景……在喧嚣的大建设时代背景之下,这样的思考难能可贵。我希望把这些具有乌托邦幻想精神的建筑师的实践与构想集中展现出来,也希望能够通过这样的展览激起人们对未来更多的想象,让更多的人投入到 ‘重构乌托邦’的行动中来。”策展人、建筑师野城说。

  展览现场:满足你关于未来的想象

刘家琨设计作品

  一群建筑师、艺术家,通过建筑模型、影像、绘画等艺术形式展示未来图景,所有的作品,以乌托邦为主线,围绕三个角度引出批判:1、反思过去——反思以中国为代表的快速城市化的历史;2、批判未来——批判过度智能化和大数据垄断的科智未来;3、从当下出发——以乌托邦精神超越物质与信息对人的奴役,激发人们自由的想象,共同走向更高的文明态。

朱锫作品《景德镇御窑博物馆》

  比如“节节攀升”生态未来建筑实验装置是槃达建筑团队在北京设计周期间组建一个由四个模块结合的小建筑,在此可主持演讲、讨论、展览, 同时也作为一个城市花园存在。本结构从小到应急避难所、村庄住宅、垂直种植、桥梁或城市结构,全部是竹子材料,我们希望能探索竹子生态建筑在城市生活和农村生活空间中发展的可能性,建造一个生态可持续的建筑系统。

  “逍遙遊”是圆形的漂浮城市, 这是一座利用磁悬浮技术, 捕捉到地球的地核磁场进行相斥, 通过增容器的功率大小决定了飞行器的升降或漂移,是可以永远飘浮在空中的飞行器。外形下方环形带自行旋转,目的抵消飞行器的一部分重力,集中对应地核磁场同时为飞行器提供了能源、照明。内部设有农场种植、畜牧,生活所需有效的处理好废弃物的循环再利用,实现零污染零排放。

  策展人:闫士杰 “道隐无名”奥拉维尔·埃利亚松个展

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  策展理念:呈现作品与空间深度对话的艺术现场

开幕式现场,(左起)丹麦媒体公共外文化主管汉娜 、冰岛驻华大使古士贤、艺术家奥拉维尔·埃利亚松及策展人闫士杰

  2018年3月25日,奥拉维尔·埃利亚松 (Olafur Eliasson) 迄今为止在中国的最大规模个展“奥拉维尔·埃利亚松:道隐无名”在红砖美术馆开幕。作为一名艺术家,埃利亚松非常擅长使用科技的手段,运用装置、绘画、雕塑、摄影和电影等媒介创作,将自然中的声、光、电、水、雾等各种元素引入其作品中,精确地制造出人工的“太阳”、“瀑布”、“水流”、“冰川”、“星球”,带领观众进入到他所创造的世界中。当观众面对这些人造自然物之时,得到了一个“冥想”与自我反思的空间,观众成为参与作品创造的一部分,与艺术家一起探究一个永恒的问题:我是否真的存在,我的存在与否又有什么意义?

奥拉维尔·埃利亚松 ,《遗失的指南针》,2013

  因此,艺术家鼓励每一个人进入他的作品,获得一种“在场感”,从而在精神上与艺术家产生共鸣,达到身体与思想的一致。这种“在场感”,打动了红砖美术馆馆长闫世杰。在经过两年时间的策划之后,闫世杰终于实现了在红砖美术馆呈现埃利亚松个展的想法,并亲自担任策展人,取名为“道隐无名”。

《道隐无名 》The unspeakable opennes of things,2018

  “道隐无名”是埃利亚松结合红砖美术馆特有的建筑空间和东方园林的人文气质所呈现的一场艺术盛宴;策展人闫士杰表示,“我们试图将红砖的空间与埃利亚松作品所释放的能量完美结合,呈现作品与空间深度对话的艺术现场,当观者步入埃利亚松的时光隧道,沉浸在充满科技演绎的体验中,作品留给我们更多的是感知与觉悟。”

  展览现场:一场寻找自我之旅

红砖美术馆馆藏,奥拉维尔·埃利亚松,《水钟摆》,2010,装置,摄影:邢宇,

  展览“道隐无名”在红砖美术馆的园林、圆厅和8个展厅同时呈现一系列大型沉浸式装置、雕塑及纸上作品。展览以《遗失的指南针》开始,主体是一根来自埃利亚松的家乡冰岛河流里的一块浮木,上面装置了很多小的磁铁,可以根据不同的吸引转变方向。这根木头被悬挂在红砖美术馆大厅的圆形阶梯上面,它就像一个指南针,指向南极、北极。当观众进入展厅,追随这根木头的方向,便可以判断出自己所在的位置;展览入口右手边展厅内的作品:艺术家最新创作的《道隐无名》悬挂在展厅空间中的大“太阳”发出黄色的强光,使颜色在这个展厅里失效。进入展厅,你的肤色,你漂亮的衣服、抑或精致的妆容都被“卸掉”,身份失效,最真实的你展现在别人的眼前;又透过墙顶上的镜子,开始反观“自我”。

《 明日共鸣器与昨日共鸣器》Tomorrow resonator and Yesterday resonator,2018,左边代表黑夜,右边代表白天

  在左手边展厅的《水钟摆》,通过制造一个特定的压力场域,形成一条水柱,同样的水柱,从空中掉落至地上,又重新聚集,形成一条新的水柱,来回不断地循环。通过光的照射,在空中左右摇摆的水柱产生出完美的形态。此时,也许你可以放下手机,静静地在黑暗中观看水柱的变化,聆听水落地的声音。从《水钟摆》进入《聚合彩虹》展厅的过程中,是作品《圆角》,一个红色的圆形在墙角折叠成两半,从被压扁的不规则的形状,随着观众前进的步伐,逐渐变成一个正圆。 接下来《 明日共鸣器与昨日共鸣器》,同样是两个圆形,通过特殊的镜头散发出不同颜色的光照在墙上,一个代表着白天,一个代表着黑夜。 《聚合彩虹》从外面看,是一个圆形的神奇的瀑布,走进瀑布里面,会出现非常奇妙的景象:瀑布变成了彩虹的颜色。有趣的是,当你移动的时候,彩虹的颜色也在不断地变化中,观众在这里也是作品创造的一部分。《未思之思图志》是最能帮助观众实现自我观察的作品。展厅里像太阳一样的唯一的光源将笼罩在外面的网投射到墙上、屋顶。随着光源不断地转动,墙、屋顶也在缓慢地移动,就像围绕着太阳不断转动的地球。

《聚合彩虹》Rainbow assembly,2016

奥拉维尔·埃利亚松,《未思之思图志》,2014,摄影:伊万·巴恩,由艺术家、柏林neugerriemschneider画廊和纽约谭亚·博纳克达画廊提供,© 2014奥拉维尔·埃利亚松

  《冰川风景》与《生物钟球体》也是一组2018年艺术家最新创作的作品。《冰川风景》是用来自芬兰的冰制作而成的绘画,墙上的绘画通过《生物钟球体》被反射出来,两件作品相互关联。最后一件作品:《声音银河》是由外圈和内圈两组形状不规则的球体组成的作品,其中隐藏的是一个数学公式:两个外圈的球体形状相加可以得到内圈一个球体形状。整个展览从对自我的拷问开始,通过完美、精确的科技手段,艺术家帮助观众进入一个冥想的过程。

  策展人:许江、高世明及15个策展团队 中国·美术·学院——中国美术学院九十周年纪念展

  A学术性:✭✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭✭

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  策展理念:15个切片展示国美的文化坐标

心印宇宙

溪山行旅

  2018年3月25日,“中国·美术·学院——中国美术学院九十周年纪念展”在中国美术馆开幕,这场遍布中国美术馆一层所有展厅的国美90周年展,并非以传统意义按时间线索简单穿插而成的展览,而是在中国美术学院现有的教学实践中,撷取了15个案例。这15个案例涵盖了国画、油画、书法、版画、雕塑、新媒体、建筑设计和手工艺术等各种门类,可以说是今日中国美院的15个切片。

烽火艺程

我织我在

  中国美术学院副院长高世名介绍:“我们希望用这个切片来展示国美的文化坐标,教育理念和学院精神,进而探讨中国特色高等艺术教育的创新机制和发展路径。在展览中我们可以看到刻画不同时代国美名师的油画群像,也可以看到表现艺专西迁的历史情境的大型浮雕,今天国美的艺术家们正是通过这一系列气势恢宏的创作向先贤致敬,这些群像呈现出历代国美人身上一以贯之的精神特质。”在高世名的解读中,这15个切片所呈现的正是国美90年以来对历史的聆听,对当下的直面和对未来的叩问。

  展览现场:一窥中国美术近百年来的历史变迁

1928 年,国立艺术院全体师生合影

国立杭州艺专1932年度开学典礼师生合影

  此次展览既是中国美术学院九十年历程的呈现,也是中国艺术近百年来变迁的展示,比如在“历史巨擘”板块中,汇聚了四联《国美春秋》巨幅油画,它们刻画了中国美术学院的四个历史节点,展示国美九十载艰辛拓展的历史征途,还有激荡与孕育了每一位学子的历代师者的品格与精神。“烽火艺程”单元主题浮雕所刻画的是国立艺专师生们共同谱就的西迁历史图景。“天地绘心”单元是中国美术学院中国画与书法艺术学院所营造的书画殿堂,“艺术家书”单元犹如十余位画家的微型画室,他们在面向自我打开的“书”上,依各自不同的绘画经验和表达方式展开着艺术创作。“含弘写心”单元是一个由中国书法、篆刻以及中国画所建构的现场。“溪山行旅”单元是一个由影像与空间彼此组合而成的山水世界,由中国美术学院跨媒体艺术学院创作团队共同完成,他们从过往的山水经验中提炼元素,以当代的影像语言重构着传统的山水图式。

  “心印宇宙”单元是属于中国美术学院跨媒体艺术学院开放媒体系的VR(Virtual Reality)空间。“汉字无疆”单元展示的是一个跨媒介、跨平台的汉字空间,是一次对汉字可能性的全面试验,其意图在于挖掘与释放我们蕴藏于“汉字”之中的文化“基因”。“无墙学院”单元中呈现的是一系列受“Panel 21”之邀,来自全球不同领域的重要学者、思想家和艺术家们的视频讲演,他们将围绕艺术/教育的核心话题,从完整的人的塑造、超越艺术界的艺术教育、突破学院体制的人文教育、网络时代的文艺复兴等议题出发,向我们道出他们对艺术/教育的观察与见地。“我织我在”单元中,数百条由老师编织的千变万化的绳结里,贯穿着数组学生的编织作品,仿佛上演着一场手工技艺与日常材料交相共举的舞会。

  “东方丝竹”单元中展示的是“传统活化、设计转化、东方范式”的思路,围绕东方人的生活方式,采用丝、竹材料,依据图像学的信息,设计出独具东方体验的衣饰与器物。“本土营造”单元是中国美术学院建筑艺术学院营造的现场空间。“天工开物”单元是中国美术学院手工艺术学院的展示空间。“乡土学院”单元所展示的是九十年来中国美术学院扎根中国大地办教育的“采风”实践长卷。

  策展人:蔡影茜 奥马尔·法斯特:看不见的手

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭✭✭

  策展理念:用影像挑战虚构与纪实的界限

艺术家奥马尔·法斯特

  2018年3月25日,“奥马尔·法斯特:看不见的手”在广东时代美术馆开幕。本次展览是艺术家奥马尔·法斯特在中国大陆与港澳台地区的首次个展,共展出四件影像作品,包括《5000尺是最好的》《延续》《奥古斯特》《看不见的手》。其中,《看不见的手》是法斯特受时代美术馆委托特别制作、于广州拍摄的作品,也是艺术家创作的首部虚拟现实(3D-VR)短片,策展人蔡影茜担任该作品制片人。

VR体验现场

  展览将影像置于沉浸式的剧场环境当中,复现了时代美术馆所在住宅小区的半公共空间,并将日常生活的过渡区域(比如电梯间、酒店和医院走廊)构筑成作品之间的桥梁。《看不见的手》的拍摄场景将同时以VR影像和现实情景的方式出现于展厅,其独特的媒介和展示方式集中体现了虚构与真实的层层交叠、放大了延续与断裂的冲突。这是一则当代城市寓言,它源自一个中世纪犹太神话,由一个8岁女孩之口娓娓道来:在未知力量的介入下,小女孩的家庭经历了从物质财富积累,到道德和社会秩序轰然崩塌的戏剧化过程。剧本基于艺术家对时代美术馆及其周边社区的考察,通过最新的虚拟现实技术手段,观众将目睹故事主角经历的家庭悲喜剧,并见证激烈的社会和经济变化。艺术家通过对声音和图像的重新处理,将碎片化的、充满诱惑和幻觉的媒介现实推至眼前。

  展览现场:医院、宾馆傻傻分不清楚

布置成医院的展厅内部

布置成酒店的展厅内部

  奥马尔·法斯特的作品绝不“无聊”,他擅长通过沉浸和充满诱惑的体验把观众拉进来。走进展厅,观众会误以为进入了某个居民区,展览现场复现了时代美术馆所在住宅小区的半公共空间,比如电梯间、酒店和医院走廊。法斯特擅长通过对图像的操控,反思个人记忆和经验如何进入审美和政治范畴。他最近的3D和VR影像项目,都试图将媒介的演进与“讲故事”这一古老传统结合起来,以介入由技术进步和互联网所主导的现实。

  整个展览的参观时长大约2小时。

  策展人:吕澎 逃跑的兔子:陈曦新作展

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭

  策展理念:展示艺术家的困惑以及对困惑的抗争

陈曦《狂欢》 210x260cm 布面油画 2016年

  3月24日,“逃跑的兔子”陈曦新作展在北京民生现代美术馆开幕,此次展览是对陈曦新作的系统呈现,展出作品类型包括架上绘画、手稿、雕塑、装置等。策展人吕澎认为,这个展览归纳了陈曦过往艺术实践中所涉及到的所有问题,展示了她的困惑以及对困惑的抗争:“这个展览归纳了陈曦过往艺术实践中所涉及到的所有问题,面对复杂而困难的艺术问题,陈曦始终坚守人的主体性,并充分展示人的生命的可能性。这只‘逃跑的兔子’开启了陈曦新的艺术实践和绘画可能。”

陈曦《21——昨日荣耀》 布面丙烯 120×100cm×21 整体尺寸:360×700cm 2017年

  此外,策展人还讲到:“这只兔子串联艺术家个体的情感、思考和今天人类所面临的问题,这样的串联是一种象征性的问题呈现,也是未来的问题,希望这只兔子和展览能给大家带来更多关于个体和信息的启发和思考。”

  展览现场:兔子不一定是可爱的

文本和手稿部分展览现场

  通常人们的意识中,兔子是萌和可爱的代名词,但在陈曦的作品中,完全颠覆了人们对于兔子的既有印象,在这里兔子是一个符号,看起来具有一种死亡、压抑的气息,非常的不可爱,比如陈曦作品《21——今日之局》、《黑兔还在跑》,展览除了展示艺术家的绘画作品,还呈现了具有强烈仪式感并固化为具有警示和隐喻感的巨大装置,樟木雕塑和分布于展厅内的樟木树桩,展厅内充满了樟木特殊的气味,展览还展示了部分的文本和手稿。

雕塑装置部分 具有强烈仪式感并固化为具有警示和隐喻感的巨大装置(樟木雕塑和分布于展厅内的樟木树桩,展厅内充满了樟木特殊的气味)

  艺术家陈曦从大学期间阅读文学作品厄普代克《兔子三部曲》和博伊斯著名行为艺术作品《如何向死去的解释所发生的》得到灵感,她让一只兔子出现在其画面中作为符号,串联起个体的情感、思考和今天人类所面临问题。

  策展人:俞可、诺曼·罗森塔尔“海南城市公共艺术计划”来自中英的艺术家

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭✭✭

  策展理念:用艺术改变或扩展我们关于艺术、生活的想象

展览现场策展人俞可与英国策展人、艺术史学家Sir Norman Rosenthal合影

  3月30日,“海南城市公共艺术计划——来自中英的艺术家”在海口揭幕,展览呈现了隋建国、展望、黄永砯、沈远、混合小组、Antony Gormley、Jim Lambie、Sarah Lucas、Tony Cragg、Eva Rothschild等10位来自中英顶尖艺术家的雕塑作品。

黄永砯 Huang Yongping

中文名称:凯奇

英文名称:Cage

年代:2017

尺寸:长1090cm×宽1040cm×高600cm

材料:铸铝、铁管、脚手架配件

混合小组 Group Mixture

中文名称:游戏通道

英文名称:Game Passageway

年代:2017

尺寸:720cm×720cm×720cm×720cm

材料:不锈钢

  策展人俞可表示,把这种顶尖级艺术家的作品放到一个公共环境里展出,在中国还未有过。他认为,这次展出的每个作品都是一个“挑战”,能让人跳出经验的遐想,为观者提供新的知识。这次用“海南城市公共艺术计划”这样一个更为开放的方式,是希望更多地展现艺术家的思考,就像公共艺术打破了美术馆对艺术的桎梏,真正地让艺术家用艺术改变或扩展我们关于艺术、生活的想象。中国的城市发展很快,但我们的城市里面始终缺少一点内容,我们常常感叹艺术是我们的生活,但是今天的艺术或者文化,在城市人民生活当中仍然是不尽人意的,如何消除这种不尽人意,海南公共艺术计划是这方面的一次努力。

  展览现场:一不小心就会错失掉作品的展览

  此次展览的作品分布在海口城市中的不同区域,想要观看这些作品,观众需要穿行城市去寻找,作品与城市、自然、建筑融合的天衣无缝,一不小心就会错失掉观展的机会,比如分布在海口绿地公园“万绿园”当中的艺术家黄永砯和混合小组的作品,两件作品中间相隔有近两公里的路程,两件作品放置的位置也非常的有意思,混合小组的作品“游戏通道”是在公园中央的一块草坪中,远远开起来像是一块二维码,走进之后是一个迷宫,公众可以走在其中,甚至是可以闭着眼睛在上面行走,因为作品的表面设计的是“盲道”,具有很强的互动性。

安东尼·葛姆雷Antony Gormley

作品名称:《BIG WRENCH》

年代:2014

材质:铸铁

尺寸:289.5 x 55 x 51厘米;重量:1800公斤

吉姆·兰比Jim Lambie

作品名称《Shaved Ice (Landscape)》

年代:2017

材质:金属

尺寸: 一个3.4-5米(共20个)

  “凯奇”座落在公园里面湖的边上,一座高大的铁笼里面关着一条巨大的蛇,观众可以围绕着笼子观看这条蛇,也可以从蛇骨尾部的窄门进入,顺势步入蛇骨内部,逐渐降低高度的蛇骨将阻碍观众进入內围——蛇头的位置。观众会发现自己被“关”或“罩”在这个笼里。这件作品是关于观看笼子并体验自身置于笼子之中。

  想要观看其他的作品,需要驱车二十分钟来到另外一个地方日月广场,隋建国、展望、沈远、Antony Gormley、Jim Lambie、Sarah Lucas、Tony Cragg、Eva Rothschild等艺术家的作品分布在广场的各个角落,公众在穿行过程中,不经意间就会有惊喜出现。

  策展人:巫鸿 王璜生:边界/空间

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭✭

  策展理念:边界/空间追问的是什么?

《隔空》 钢丝网、布幕、灯光

  3月31日,“王璜生:边界/空间”在广东美术馆开幕,本次展览汇集了王璜生近些年创伤的近10个系列的绘画、摄影、影像及装置作品,其中,摄影作品为首次展出。二维的架上绘画系列作品包括王璜生早期至今持续创作的自由水墨书写《游·象》系列、以报纸为载体《线·象》系列、尝试用纱布进行拓印的《痕·象》系列和最新的《箴·象》《墙》系列。三维的装置作品包括《缠》《界》《溢光》《隔空》等。

《溢光》铁丝、玻璃管 尺寸可变 2013

  此次展览主题来自艺术家对“边界/空间”问题的不断追问:“我在这个展览中使用的标题——边界/空间,大家可以想一想边界和空间在这个展览中的意义。我自己觉得这两个概念其实是有多重意义的,一个层面是比较具体的,你可以感觉到那里有界限,界限之后有另外的空间;另外一个层面上,边界与空间又比较抽象,特别是他的一些绘画用了很多线,但是这些线不光是线,他已经在形成一种空间,所以我觉得他的画很有意思。另外大家想一下,画是如何变成装置的,因为它们之间互相联系。这个展览中有四个大空间,这四个空间每个空间的关系都有转化,从二维转到三维,从三维再转到影像,有转化的过程,大家可以想它是如何转化的,是什么东西在转化,线在里面的作用是什么。”策展人巫鸿讲到。

  展览现场:当代/空间/边界

  铁丝网和纱布是此次展览作品的两条主线。《游·象》系列以线条为主,而线条也是中国传统绘画最为重要的元素之一,王璜生试图从中找到一种跟当代结合的方向,作品中可看到王璜生深厚的传统笔墨功底的影响。

  《隔空》是在狭长的空间中,做出两个巨大弧度的透光墙壁,顶上的九个灯筒在旋转中将悬挂的铁丝投影在墙壁上,观众走入其中被游动投影覆盖,这些光影仿佛是水墨线条在不断的出现和消散,《溢光》中铁丝网穿过透明晶莹的700多个玻璃管,同时在下垂的钢丝下铺上被打碎的玻璃,在灯光的照射下,玻璃碎片的反光与铁丝的投影相互呼应,构建一个“溢光”的场景。从作品《缠》开始,王璜生以纱布为线索进行了一系列创作。《界》是王璜生近期新作之一,四面由铁丝网构成的金属框架在机械装置下持续来回摆动,其上悬挂的铃铛发出清脆的声响,背后墙面上投影出王璜生夜晚拍摄的海浪影像,探照灯旋转闪烁着,这件作品结合了机械、影像、声音和灯光。《箴·象》系列区别于水墨的黑白,王璜生用鲜艳的红色进行拓印,他认为,红色很有象征性,也有很强的视觉力量。《墙》系列是由一条条纱布的印痕组成,隐喻着伤害、痛感、隔离、流血、呵护、疗伤等,而纱布拓印本身的肌理特质及墨色深浅干湿的表现效果。

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