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雅昌月度(2018年6月)策展人影响力榜单

雅昌艺术网专稿 2018.07.05

  导言:“雅昌月度策展人影响力榜单”是雅昌艺术网从媒体角度对当代艺术领域的策展与展览呈现进行全面搜集、记录与跟踪,从专业角度解读“策展人”每月所策划的展览在学术性、策划执行、公众认知及影响力、国际化推广、盈利能力等方面的能力与创新。

  6月8日 策展人:安东尼奥•纳塔利 “历史的现实性”庞茂琨作品展(点击查看艺术看展) 美第奇宫

  6月9日 策展人:马可·斯科蒂尼及策展团队 第二届银川双年展“从沙漠出发——边界上的生态学”(点击查看文章) 银川当代美术馆

  6月15日 策展人:鲁虹 “刘庆和:同尘”(点击查看艺术看展) 武汉合美术馆

  6月24日 策展人:朱青生 中国当代艺术年鉴展2017(点击查看文章) 北京民生现代美术馆

  6月24日 策展人:曾成钢 杨冬江 “一个天才的心相”忻东旺艺术作品展(点击查看艺术看展)清华大学艺术博物馆

  6月25日 策展人:亚历山德拉·孟璐 “体·统”林天苗个展 (点击查看文章)上海外滩美术馆

  6月29日 策展人:伊莎贝拉 “明:Lumière”(点击查看文章) 法国普罗旺斯萨拉贡博物馆

  6月30日 策展人:赵欢 “山-水-光-气”何多苓个展(点击查看艺术看展) 西安美术馆

  策展人:安东尼奥•纳塔利 “历史的现实性”庞茂琨作品展

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭✭✭

  策展理念:主题性绘画与肖像绘画的一次对话

  2018年6月8日“历史的现实性——庞茂琨作品展”在意大利佛罗伦萨美第奇宫揭幕,展览由意大利美术史家、原乌菲齐美术馆馆长安东尼奥•纳塔利担任策展人。

艺术家庞茂琨接受国际媒体采访

艺术家庞茂琨接受媒体采访

  策展人选择“历史的现实性”为主题将庞茂琨近年以西方美术史经典作品为题材的作品与日常人物肖像画做了一次时间与空间上的穿联。通过现场作品的并置,让原本相对独立存在于庞茂琨的艺术轨迹中的两条线索,社会现实之上的主题性绘画探索和具有个人独特凝视性视角的肖像表现实现了一次图像上的对话与碰撞。

“历史的现实性”庞茂琨作品展

  策展人Antonio Natali安东尼奥•纳塔利先生谈起此次展览说到:“庞茂琨的油画作品让观众们耳目一新,在惊叹他高超的绘画技法同时更能传达出的是艺术家血脉中的诗情画意,作品中体现出的是根植于欧洲传统艺术的现实意义,是从古代大师经典作品中回归到自我的再创作。这些作品与其说是画出来的,不如说是用非传统的技巧表现出来的,画作清晰而细腻,清澈而奔放,仿佛16世纪荷 兰与伦巴第地区的流行肖像风格一样。通过艺术家作品中极为成熟的个人艺术表达,为传统的大师经典作品增加了新的艺术解读维度。”

  展览现场:游走于古典和当代之间

  此次展览共展出庞茂琨作品50幅,其中既有《折叠的伊甸园》、《抱貂的女人》、《委拉斯贵兹的客厅》等从欧洲古典名作出发的代表性作品,同时还呈现了他的手稿素描作品,从中可以看出艺术家自己对待大师经典的观念,是对作品重新解读,而不是单纯的绘画技法再现。

“历史的现实性”庞茂琨作品展 展厅现场

“历史的现实性”庞茂琨作品展 展厅现场

  比如《抱貂的女人》即对达·芬奇原作《抱银貂的女子》的挪用与修改,《委拉斯贵兹的客厅》是对委拉斯贵兹于1650年画的《教皇英诺森十世肖像》挪用、重置和修正。在这幅肖像中,画家准确抓住了人物瞬间复杂的内心和精神状态,既表现了教皇刹那间流露出坚定凶狠狡猾的神情,又通过刻画他放在椅子上两只软弱无力的手表现了其精神的虚弱。另一方面,画面上火热的红绸缎渲染了宗教般的庄严感,而白色的法衣和红色的披肩形成了鲜明的色彩对比。然而,庞茂琨以给经典画面注入荒谬性来改变其话语秩序。也就是说,他把自己画入与教皇对谈的状态。

Fabiano展厅现场

Fabiano展厅现场

“历史的现实性”庞茂琨作品展

“历史的现实性”庞茂琨作品展

  在意大利第奇宫展示这些作品,给人一种穿越历史与游走当下现实的双重感受,这是非常有意思的地方。

  策展人:马可·斯科蒂尼及策展团队 “从沙漠出发——边界上的生态学”第二届银川双年展

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭✭✭

  策展理念:从游牧学出发进行生态哲学的追问

  “这个双年展希望呈现的一种生态是:如果它发生在北京、上海、深圳这样的城市,是难以成立的。”——第二届银川双年展总策展人马可·斯科蒂尼讲到。

第二届银川双年展:“从沙漠出发——边界上的生态学”嘉宾合影

第二届银川双年展“从沙漠出发——边界上的生态学”策展团队及艺术家与志愿者合影留念

  2018年6月9日,第二届银川双年展“从沙漠出发——边界上的生态学”在银川当代美术馆开幕,展览由意大利著名策展人马可·斯科蒂尼(Pictures of Marco Scotini)担任总策展人,安德里斯·布林克马尼斯(Andris Brinkmanis)(拉脱维亚),萨拉·科拉(Zasha Colah)(印度),保罗·卡弗尼(Paolo Caffoni)(意大利),陆兴华(中国)组成了策展团队。

第二届银川双年展开幕现场行为表演

第二届银川双年展开幕现场行为表演

  展览主题旨在将第二届银川双年展置于既定的地理-历史情境中来被考量,“本次双年展正试图通过发掘历史记忆,去发现潜在视角去优化环境的可持续性。 在这里(宁夏),沙漠位于乡村的边缘,多种生态系统在这里交汇并且分层,使生物多样性得以保障:游牧和定居,牧人和农民,不同起源的少数民族,广阔的空间和起伏的旷野,非物质和物质文化并存。本届双年展也是艺术跨多学科研究的契机,但同样重要的是对菲利克斯·加塔利从游牧学出发最终止于生态哲学的追问。”

  展览现场:呈现一种矛盾、冲突、对应的关系

《乾隆皇帝半身冬装像》,高丽纸本油彩,1756-1757,图片来源:银川当代美术馆

银川当代美术馆馆藏“视觉的调试——中国早期洋风画展”藏品《乾隆皇帝半身冬装像》,郎世宁

,高丽纸本油彩,1756-1757年

  此次展览呈现了丝绸之路沿线30个国家的80组(92位)参展艺术家的作品,分为四个板块呈现,展览以一幅银川当代美术馆馆藏的作品:郎世宁创作于18世纪中期的《乾隆皇帝半身冬装像》为开端:与其呼应的是一场行为表演:来自印度艺术家尼基尔·乔普拉的即兴壁画作品《水火》,艺术家以“火”的隐喻媒介:炭笔在一面墙上描绘水,在本次双年展中,这样的矛盾、冲突、对应的关系在各个板块的主题与作品中体现出来。

第二届银川双年展:“从沙漠出发——边界上的生态学”展出作品

第二届银川双年展:“从沙漠出发——边界上的生态学”展出作品,图为:宋冬作品:《世界的中心》

第二届银川双年展:“从沙漠出发——边界上的生态学”展出作品

第二届银川双年展:“从沙漠出发——边界上的生态学”展出作品 王卫作品:《自然史VI》

  第一板块为游牧空间与农耕空间,其中艺术家宋冬的作品《世界的中心》非常的吸引人,在这件作品中,“空间”得到了充分的运用,观众可以走上这座类似祭坛的装置,参与到作品中互动。第二板块为:自然中的劳动与劳动中的自然,在王卫作品《自然史VI》中,令观众置身于北京动物园的非洲龟笼的背景之中:撒哈拉山脉的背景下,前方是一片郁郁葱葱、生机盎然的蓝色湖泊。这一作品的创作背景源于2007年艺术家参观动物园之后,震惊于动物园栏的墙面设计,这些围栏到底是为人而设还是为动物而设?第三板块为:声音与书籍,可以看到马西默·巴托利尼带来的作品一座高达五米的雕塑图书馆(塔)《沙漠舞蹈》,里面放满了丢弃的中文技术手册。第四板块为:少数性与多样性。四个主题相互交错,与此同时,双年展也将美术馆馆藏,以及宁夏重要历史文物与当代艺术并置,进行一次隔空对话。

第二届银川双年展:“从沙漠出发——边界上的生态学”展览现场

第二届银川双年展:“从沙漠出发——边界上的生态学”展览现场

  双年展的展陈设计以独特的方式呈现:四大板块作品在布展上并没有单独划分出来,而是彼此在展厅中相互呼应。

  策展人:鲁虹 “刘庆和:同尘”

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭

  策展理念:呈现刘庆和的突破性与创造性

本次展览策展人、合美术馆执行馆长鲁虹致辞

艺术家刘庆和致辞

  “在全球化的背景中,中西文化的交融碰撞是必然的事,传统水墨在观念、图像和笔墨上的转换以及与现代建筑的融合都很重要,只有那些敢于面对这种挑战,并努力进行创造的人,才能开创新的艺术之路,我认为刘庆和在这些方面做的非常好,合美术馆也希望推介更多像刘庆和一样优秀的艺术家。”“刘庆和:同尘”策展人鲁虹讲到。

“刘庆和:同尘”展览现场

  本次展览主题“同尘”, 取老子“和其光,同其尘”之意,在很大程度上体现了刘庆和当下的人文心境——真切而超然,当然还有现世的隐喻,生活就像舞台,大家扮演各自的角色,“粉墨”登场,有人入戏,有人游离,“粉墨”、“红墙”、“白话”所呈现的颜色最终褪色成“灰%”,时间是一味催化剂,万物零落成泥,一碾如尘。

  展览现场:一个社会和人生的舞台

  此次展览展出艺术家刘庆和“粉墨”、“红墙”、“灰%”和“白话”4个主题单元的作品百余件,同时,还展出了部分刘庆和作品的手稿及创作文献。

红墙 150×230cm 纸本水墨 2018

大床 150×220cm 纸本水墨 2017

  在1号展厅,艺术家精心营造了一个“粉墨”的舞台:四面灰墙上“悬置”着二十几件作品,围合成一个昏暗的空间,在灯光的衬托下气氛更加暧昧不明;1号展厅副厅的作品“红墙”系列是艺术家对于当下社会里人们的精神状态的思考,“大床”、“灼日”,抑或是“红墙”都仿佛在言说一种内心与外部世界的阻隔;2 号展厅的作品《灰 %》是艺术家刘庆和两年来最新的大画,作品笼罩在一片灰色调之中,画面中的界限混沌不清,呈现出一种对于水墨本色的回归;3号展厅的《白话》系列作品多为小幅,几乎以编年体的方式在描绘个体在社会背景下的成长轨迹,编织记忆的碎片,拼接意识的地图。

  策展人:朱青生 中国当代艺术年鉴展2017

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭✭

  策展理念:系统呈现2017年中国当代艺术整体状况

“2017中国当代艺术年鉴展”现场

“2017中国当代艺术年鉴展”现场

  “中国当代艺术年鉴展2017”是中国当代艺术年鉴展在北京民生现代美术馆第四次展出,这个展览不是一种人为的策划,而是对于一年中各种展览和活动的索引。在这一个展览中将会看到很多个展览,其呈现的不仅是一年来中国当代艺术的新创造、新发展,更是人们面对各种现象做出的反应、想象与思索。

“2017中国当代艺术年鉴展”现场

“2017中国当代艺术年鉴展”现场

  “2017年,我们一共调查了 3776 个展览,阅读和分析了 4652 篇文,记录了 12780 位艺术家的材料,其中有 141 名被立案建档记录、调查 ,年鉴展力图系统性体现中国当代艺术2017年的年度整体成果,以呈示中国当代艺术的新思想、新方法和新动向。”策展人朱青生讲到。

  展览现场:中国当代艺术最新成果的展示

  本次年鉴展,编委会成员从一万多名在2017年创作或展出了新作品的艺术家中,选择了141位呈现展出他们2017年度最具代表性的作品,其中包括37位艺术家的原作。除了此次现场作品之外,其他作品以文献方式呈现,同时《年鉴》评价的工具和方法都会在展览中也予以呈现。

“2017中国当代艺术年鉴展”现场

“2017中国当代艺术年鉴展”现场

冯琳  《绝望的主妇:主妇写真集》 照片 100x66cm 2016

冯琳 《绝望的主妇:主妇写真集》 照片 100x66cm 2016

  比如在展览中我们可以看到徐冰、喻红等著名艺术家的突破之作,也有葛宇路这样的新锐艺术家崭露头角的作品。尽管这些作品的形式、内容和想要表达的主题各不相同,但它们的共同点在于,都是2017年完成(或展出)的作品。时间的限定给了这些风格迥异的作品一个可以放在一起展出、互相参照的语境,它们或多或少都回应了2017年前后的当代生活中某些突出的问题、经验和感受,可能来自艺术家的私人生活,也可能关涉到更广阔的社会经济结构。

葛宇路 《葛宇路》  装置 尺寸可变 2016

葛宇路 《葛宇路》 装置 尺寸可变 2016

  还有就是,新媒体、新技术和新观念的作品再度占据创造性发展的主要分量,这既符合当代艺术的实际,也应合社会演变的潮流,更体现了中国在新媒体艺术领域的领先。

  策展人:曾成钢 杨冬江 “一个天才的心相”忻东旺艺术作品展

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭

  策展理念:呈现一个天才的心相

清华美院副院长、展览策展人曾成钢

清华美院副院长、展览策展人曾成钢

  2018年6月24日,“一个天才的心相——忻东旺艺术作品展”在清华大学艺术博物馆开幕,此次展览由清华美院副院长曾成钢、清华大学美术学院副院长杨冬江担任策展人。

展览现场

  此次展览在策划布置打破了常规意义上的时间线索,而是以“四季”作为忻东旺先生艺术创作的梳理总结,既源于他的出身背景与他个人的乡土情怀,同时亦是借此结构追寻他人生轨迹的一种方式,去体验一个艺术家如何经历生活、触发感受与艺术转化的过程,重溯他与大地时令同步的成长过程。

  展览现场:油画里的中国气象

《边缘》160X150CM 2001

《边缘》160X150CM 2001

《明天 多云转晴》 150X160CM 1996

  展览位于清华大学艺术博物馆一层展厅,展出了忻东旺艺术历程中最具代表性的作品百余幅,清华大学艺术博物馆的一层展厅,自开馆以来展出过达芬奇、莫奈、苏拉热和吕佩尔茨,而这是第一次,将博物馆最重要的展厅留给了忻东旺,第一个中国艺术家在此的个展。展厅里一张张鲜活的油画像刚刚完成,还有他拿着画笔抬头侧望的照片,根本不像一场回顾展。每每提及关于忻东旺的展览和活动,就像他从未离开,当然最为重要的是,他笔下的中国民众也仿佛具有了灵魂一样,鲜活生动,是对当下中国最直观的呈现和记录。

  策展人:亚历山德拉·孟璐 “体·统”林天苗个展

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭

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  策展理念:呈现艺术家对身份与社会环境关系问题的思考

  艺术家林天苗

  “过去,当林天苗在海外举办展览时,她可能会被戴上两个标签:‘中国’‘女性’艺术家。而在外滩美术馆的展览里,她面对本地的观众将变得更‘纯粹’,仅作为艺术家的身份出现。”策展人亚历山德拉·孟璐讲到。

  助理策展人朱晓瑞,本次展览策展人、美国纽约古根海姆美术馆亚洲艺术部三星资深策展人亚历山德拉·孟璐,林天苗,上海玻璃博物馆馆长张琳,上海外滩美术馆馆长拉瑞斯·弗洛乔

  展览名称“体·统”,概念原生于人体系统,从一系列的现代批判、政治理论及当代心理学出发,正如策展人所说:“林天苗创建并提出‘系统’和‘体系’的检测,揭露和重新塑造自我在社会和技术现实变化中的运作方式。这些系统在物理上、精神上,甚至是诗意层面上都有一定作用,在她所涉足的所有工作中,人体是她的中心关注点,身份与社会环境的关系问题成为其思考和实验的内容,并贯穿于整个展览中。”

  展览现场:穿过“花园” 做“白日梦”

  此次展览,林天苗带来7件作品,作品以四大概念——“个体意识”、“群体意识”、“公共意识”、“终极意识”,依次展现在美术馆二楼到六楼空间。

林天苗新作《反应》其外观犹如一个巨大的胶囊

林天苗作品《白日梦》展览现场

  作为展览的开篇,二楼展厅中心是全新大型交互装置《反应》,观众需一人走入展厅中央,进入一个充满未来感的白色“洞穴”空间装置,置身于艺术家创造的内部空间之中,开启一段私人化的体验和感知。与此一壁之隔,是林天苗创作于世纪之交的代表作《白日梦》,由最常见的、便宜易得的白棉线为主。展览地面置有一个悬空的床垫,其上方放置一张与床垫等大的画布框,画布与床之间被无数根白棉线上下连接着,床垫表面的布被向上牵引,隆起的身体形状好似脱离空间。

林天苗作品《我的花园》展览现场

  三楼的展厅展出林天苗新作《暖流》,与人们的群体意识、日常经验、生活方式有关,此外还有另一件早期重要的影像装置作品《嗨!!!》美术馆四楼的整个空间被作品《我的花园》占据,借以“有真为假,作假为真”的公共意识概念,体现了俗名和“专业国际标准”之间的随意性和差异性。五楼的《失与得》是本次展览的点题之作:从个体、群体、公共上升到终极“意识”的体现,美术馆六层,展示的是林天苗创作的手稿,从中可以看到艺术家创作思考的历时过程。

  策展人:伊莎贝拉 “明:Lumière”

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭✭✭

  策展理念:创造跨文化与语言的对话

  2018年6月29日,白明最新个展“明:Lumière”在法国普罗旺斯萨拉贡博物馆开幕,展览由法国萨拉贡美术馆馆长伊莎贝拉担任策策展人。

艺术家白明发言

开幕式现场 艺术家白明发言

  在她看来,白明在萨拉贡美术馆的展览,其作品将直面西方文化的语境,对于一个在其国家享有盛名、并被世界所认可的中国艺术家来到法国深处,面对法国普罗旺斯居民举办的个展,我们该说些什么呢?而这些居民又将如何感知白明这些带有其深刻文化烙印的作品呢?

萨拉贡美术馆馆长Isabelle Laban-Dal Canto主持开幕式并发言

萨拉贡美术馆馆长Isabelle Laban-Dal Canto主持开幕式并发言

  “打动我们的,当然并不是来自当代全球化的审美语境,而是另外一种独一无二的‘普世性’,一种来自其可上溯至新石器时代的陶瓷传统的‘普世性’。 白明,身处当代艺术激荡昂扬的张力中心,创造出这跨越文化与语言的对话。 白明,从其深刻的中国背景里,触及了人类最深层次的情感。”

  展览现场:东方与西方都凝聚在一个空间里面

白明陶瓷作品《熵裂》  

  此次展览展出了艺术家特别创作的装置作品《形式与过程——熵器》,和30余件青花及其他陶瓷作品以及5件绘画作品等,展场在教堂当中,当阳光透过教堂打在质地温润、形状却是残片的白明的中国陶瓷作品上,呈现出温润透光的红色。

展览现场

展览现场

  步入教堂,入口右手边的第一件作品便是《形式与过程——熵器》,这是白明专门为萨拉贡博物馆展览而创作的,一件在烧制过程中碎裂的大器,其破碎之后的残片有种惊人的美丽,值得独立编号成为作品。这些大大小小残片,有50公分长的、也有10公分的,有的碎片上,青白釉覆盖在其半透明的材质上,保存了其原本(大器)细腻润泽的触感,他们如同考古发现的石制工具讲述着新石器时代的史前文明。展览展出的第二大组成部分是白明的陶瓷大器作品,此外还展示了三幅大尺幅油画。

白明青花瓷器作品

白明青花瓷器作品

白明青花瓷器作品

  这次展览是西方教堂与中国传统的青花瓷器、抽象的水墨绘画相互映衬:白与红,温润与灼烧,釉里红与青花,空间与绘画,让东方的历史与当代,中国的传统与当下,东方与西方,全部都凝聚于这一空间里。这个展览不仅吸引了大量的观众,同时受到了普罗旺斯文化和艺术界的关注。

  策展人:赵欢 “山-水-光-气”何多苓个展

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭

  策展理念:全新视角全景展示何多苓的创作

  2018年6月30日,“山水光气—— 何多苓个展”在西安美术馆开幕,此次展览由何多苓美术馆馆长赵欢担任策展人。

艺术家何多苓

  “这次展览尽力用更完备的方式展示何多苓的作品,但它提供的视角并不是概括式和全景式的。”赵欢讲到。

何多苓美术馆馆长、本次展览策展人赵欢致辞

  展览主题“山水光气”来自艺术家一组四件作品,同时正好涵括艺术家大致四个创作阶段:“山”对应80年代的知青生活创作、那种枯草、思索、迷惘、苍茫;“水”就对应第二个时代,柔和的元素进去了,变化了,转折了;“光”代表2000年以后,画的婴儿、女人体,开始回到学院派传统,想追求画法上的复杂性,前景的人逐渐跟原有画面背景结合起来;这“气”似乎又代言了现在……虽非直接对应,“但也像山石的坚硬,慢慢变得柔和、飘渺与飘逸。越画越虚,更加注意光线和气韵的表现。”

  展览现场:诗与画的盛宴

  此次展览开幕前,先是长达40分钟的诗朗诵和钢琴演奏会,波德莱尔的诗句和李斯特的钢琴曲,让空气中的气氛也涌动着自由与奔放、朦胧与内敛,这些诗句与音符,曾伴随着何多苓40余年的从艺生涯,以这样的方式展示出来,让观众了解到艺术家在绘画之余的另一面。可以说,这一次何多苓给观众带来的不仅仅是视觉享受,更是音乐、诗歌、绘画与文化信仰盛行的那个流金岁月,这种久违了的人文气息,让人回味良久。

2010-2011 兔子下山 200x150cm 布面油画

2011 兔子想飞 160x200cm 布面油画

  展出的140余幅作品中有许多从未面世,一些重要时期的重要作品、转型之作和肖像旧作,是何多苓从全国各地借展而来,这些极具分量与年代感的作品,让西安观众看到一位艺术家艺术风格的全貌,以及完整的从艺之路——清冽冷峻、忧伤唯美,画中有诗,笔触中所展现的情感之细腻令观众为之动容。

乌鸦是美丽的 布面油画 89.8x70cm 1988

小翟 Zhai Yongming 48x36cm 纸本素描 1988

  备受业界关注的代表作《乌鸦是美丽的》和为前妻、著名诗人翟永明所绘的素描《小翟》,令观众争相合影留念。

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