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雅昌月度(2018年8月)策展人影响力榜单

雅昌艺术网专稿 2018.09.03

  导言:“雅昌月度策展人影响力榜单”是雅昌艺术网从媒体角度对当代艺术领域的策展与展览呈现进行全面搜集、记录与跟踪,从专业角度解读“策展人”每月所策划的展览在学术性、策划执行、公众认知及影响力、国际化推广、盈利能力等方面的能力与创新。

  8月10日 策展人:栗宪庭 生为变法——朱振庚作品展 (点击查看艺术看展)武汉美术馆

  8月12日 策展人:苏少禹 Charles Lindsay Xcelerator超级对撞¹º 小米-时代艺术科技大展(点击查看艺术看展) 北京时代美术馆

  8月21日 策展人:策展团队 她:妮基·圣法勒和沈远(点击查看艺术看展) 上海当代艺术博物馆

  8月23日 策展人:刘礼宾 《感同身受》中国当代雕塑大展(点击查看艺术看展) 松美术馆

  8月24日 策展人:闫士杰 “加藤泉”个展(点击查看艺术看展) 红砖美术馆

  8月31日 策展人:策展团队 城市触觉—2018港澳视觉艺术双年展 (点击查看艺术看展)北京民生现代美术馆

  策展人:栗宪庭 生为变法——朱振庚作品展

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭✭

  策展理念:呈现一个艺术家的日常功课

本次展览策展人栗宪庭致辞

  “我不想做一个单纯的绘画展,因为有太多了,我想让大家看到他日常是怎么生活的。”

  8月10日,“生为变法——朱振庚作品展”在武汉美术馆开幕,特邀批评家栗宪庭担任策展人,在展览策划上,栗宪庭不想做一个重复的展览,在梳理无数朱振庚“速写”卡片后,“我心里逐渐觉得朱先生随手画的这些‘小画’,其实是在不停探索造型的‘变法’,寻找更个人化和更现代化的‘新的造型感觉’”,故此,他将此次展览定名为“生为变法”。

“生为变法——朱振庚作品展”展览现场

  而在具体的策划上面,展览使用大量的展柜,挑选了一些艺术家早年的速写、手稿、笔记,读过的书籍,搜集的民间艺术品,甚至是临摹的非洲木雕。想让观众看到一个艺术家的日常功课“包括在看电视、看报纸时,看到某一个新闻人物,或回忆起他的同学和老师,他都会随手记录下自己当时的感受,其中每一幅都倾注了他的内心情绪。乃至,他为了酝酿一批新作品,他要做什么准备。所以,除了让观众在看朱先生大批成熟的作品之外,还给观众呈现像朱先生这样一个艺术家点点滴滴的日常生活,另一方面也想让观众看到朱先生那种永远不满足的状态——他怎样每天尝试不同的画法,哪怕就是一只脚、一只手,他怎样采用不同的方式不厌其烦地去表现它们。另外,除了画画,他还读过很多书,到了晚年他也修佛,并有很多读书笔记,我们也将其陈列了出来。”

  展览现场:2700余件手稿阅读“生为变法”的朱振庚

  此次展览共展出艺术家生前所创作的110余幅作品,同时配以手稿、访谈视频、年表等文献资料的陈列,其中手稿作品约2700件,是朱振庚大规模手稿的首次亮相。步入现场仿佛置身于艺术家所处的环境,大量的手稿作品让观众不仅看到朱振庚的变法轨迹,同时也看到他对艺术的挚爱之心。从写意重彩到连环画、速写、刻纸等等,可以看到艺术家自己对人生、社会、生活的认识和感悟。

“生为变法——朱振庚作品展”展览现场

  展览让我们从艺术家的视角,还原了朱振庚艺术创作的缘起、嬗变、发展的线索,从而为我们更好地了解朱振庚的艺术思想及其为拓展中国画领域所取得的成就与贡献提供便利。

  策展人:苏少禹 Charles Lindsay Xcelerator超级对撞¹º 小米-时代艺术科技大展

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭✭✭

  策展理念:艺术与科技平等刺激对撞

  “科学和艺术是不可分割的,就像一个硬币的两面。它们共同的基础是人类的创造力。它们追求的目标都是真理的普遍性。”

VT pro Design作品《Telestron》

  8月12日,“Xcelerator超级对撞¹º 小米•时代艺术科技大展”在北京时代美术馆开幕,展览由美国南加大电影艺术学院Jaunt VR 电影实验室技术总监苏少禹和美国NASA SETI A.I.R. Program总监Charles Lindsay共同担任策展人。

  “超级对撞”着眼于艺术与科技的多元结合,它们就像两个加速中的粒子一样,在不断碰撞过程中其熵值也随之上升,从而激发更多种可能。策展人借高能物理中粒子加速器的概念,通过新媒体艺术模拟大爆炸之后宇宙万物的形成和衍生,赋予10组作品一个相当重要的使命——艺术与科技平等刺激对撞。“正值北京时代美术馆十周年之际,我将场馆营造成一个整体的对撞机制,观众则成为带正负极的粒子在这个场域中互动。展览呈现了十件作品,每件作品都和观众产生一次碰撞,这就是十次方的由来。”策展人苏少禹如此诠释展览主题。

  “同时,这也是我们对当下艺术方式的一次试验。我认为‘新媒体’只是一个相对的概念,因为新与旧、过去与未来都是一个时间命题。艺术家不应掉入媒介、定义的陷阱之中。艺术与科技的媒介正是观众的参与本身,多元化的观展交流是无限随机的脑洞体验的映射。‘超级对撞10次方’旨在强调当下观众、美术馆、策展人和艺术家一起在每一瞬间迸发出的的动态效应,试图用一种类比试验的新方式将大家联系起来。”

  展览现场:可以体验的科幻之旅

真锅大度作品

  此次的展览空间像是“对撞加速器实验室”,由四个空间组成。1-4号厅分别代表了对撞、正极、催化和负极。置身其中,仿佛来到了科幻大片之中,亦或者是置身于未来,比如新媒体艺术团队Pink Money的作品《脑电场域》将抽象的脑电波可视化——两位体验者分立于装置两侧并佩戴蓝牙传感器,当他们集中注意力思考自己的表达时,脑中的微弱电流被放大为高达数百万伏特甚至可以击穿空气达到可视的雷电,两股雷电在中间区域交织碰撞,发出嘶嘶和噼啪的声音。

Pink Money作品 《脑电场域》

  来自法国的Vincent Houzé作品《流体结构360》营造了一个四壁投影的幕布空间。人们置身其中,会看到自己的轮廓映射到墙面,并与其间流过的水痕相互呼应,仿佛变身一滴水滴,与屏幕上的瀑布相互关联。真锅大度作品《删除现实2018》用三台高频激光向美术馆投射描绘不同的变化图形,在观众面前纺织了一个高频旋转的转盘,观众从转盘中解析的光谱色彩与肉眼看到的激光光束则不尽相同。

Vincent Houzé作品《流体结构360》

  来自美国的VT Pro Design团队的作品《Telestron》为观众呈现出两个巨大的互动机器臂,其底部是注入黑色颜料的水池,在静止状态下如同墨色镜面反射出光影的呼应。VT Pro Design团队利用巨大的、组合的几何投影来操纵各种光源,在整个空间中投射出色彩斑斓的光影阵列。巨臂相互发射光束,再将其击散四射至整个空间,蓝色、红色、绿色等多重色彩交互闪频,光的运动定义了空间的概念,而其创造出的效果也让观众体验到昼夜的循环与宇宙间万物的更迭,将自己置身于这件极具未来的庞然场域之中。

  策展人:策展团队 她:妮基·圣法勒和沈远

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭✭✭

  策展理念:一场观念的历险

  本次展览不仅是妮基·圣法勒首次在亚洲的大型展览,也是对沈远作品的一次主题式梳理。通过回顾两位艺术家创作生涯中的经典之作,试图构建一场跨越时空与媒介的“对话”。

“她:妮基·圣法勒和沈远” 展览现场

  8月21日,“她:妮基·圣法勒和沈远”在上海当代艺术博物馆开幕,展览的标题“HON”(瑞典语中的主格“她”)源自圣法勒的同名作品。1966年,艺术家创造了一个女性卧姿造型的巨型空间,内部设有自动贩卖机、影院、画廊、酒吧等设施,兼具生产、娱乐、教育、社交等多种功能。它开放、自足、无所不包,寓示着“第二性”所蕴含的巨大潜能。由《她》引发了两位艺术家的交流基础:身体与社会。

“她:妮基·圣法勒和沈远” 展览现场

  PSA馆长龚彦谈道:“妮基·圣法勒在上世纪六十年代的作品《她》,邀请观众步入女性的体内,在生命的源头狂欢。这件作品因不可再复制而成为今天的神话。沈远把现实世界的困顿化作感性而可触的结构,与妮基·圣法勒色彩斑斓的梦魇形成对比。她们为象征男权的发电厂注入超越性别的能量,伴随着她们的矛盾,挣扎和想象,是一场观念的历险。”

  展览现场:两代艺术家对女性话题及身份认同的思考

  展览一开始,沈远与妮基就以直接的呼应带领观众漫步两位艺术家的“花园”。在妮基数十年的创作生涯中,“塔罗花园”是一个特别的存在,这个耗时近二十年打造的雕塑群落内,充满造型夸张、色彩鲜艳的作品。与“花园”的概念呼应,沈远特意为此次展览创作了名为《阴性花园》的大型装置,并为此专程前往位于意大利托斯卡纳的塔罗花园参观。

“她:妮基·圣法勒和沈远” 展览现场

  《阴性花园》取形于英式女性束身衣,最高点达5.5米,观众可进入其中体验截然不同的社会景观。沈远通过大量绿色植物、渔网等呈现了现代社会还未形成时,农耕或捕猎时代的状态。

  在“花园”与“爆破”的直接呼应后,展览选择分开呈现两位艺术家的作品,由此观众得以穿梭于两个创作世界间,感受到两位不同时代女性艺术家的创作脉络。本次展览展出了大量“娜娜”雕塑,体量或大或小,遍布展馆,同时也展出了与之相应的手稿。红、黄、蓝、绿的鲜艳色彩为“娜娜”带来某种张扬与愉悦的感觉,但其中丰富的元素,譬如“娜娜”身上过于繁复的花纹、目眦尽裂的眼球、吐着红芯的蛇,让人在细看之下感受到一丝痛苦。沈远的表达方式更加内敛,编织、刺绣、头发、鞋子等素材在其作品中反复出现。

  策展人:刘礼宾 《感同身受》中国当代雕塑大展

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭✭

  策展理念:呈现雕塑的“体觉”与“色醒”

  8月23日,《感同身受》中国当代雕塑大展在北京松美术馆开幕,展览由刘礼宾策划,呈现了田世信、隋建国、展望、姜杰、向京、王伟、梁硕、耿雪等老中青三代八位艺术家的40余件雕塑作品。

策展人刘礼宾老师进行专场导览

  此次展览,策展人根据八位在展艺术家作品特点,将展览分成“体觉”与“色醒”两个单元,“感同身受”是一个表达感激之情的词汇,惯常解释是在你、我感知的相同性的角度展开。如果我们将“感同身受”拓展开来,在“你”、“我”之外引入艺术作品,将艺术家和作品的关系、观众与艺术作品的关系纳入其中,便可以很大程度上丰富这个成语的内涵。做此“丰富”的目的,一方面意在揭开艺术家身体与作品材质之间关系的特殊性(体觉);另一方面意在凸显艺术家在作品表面的细致处理所带来的特殊观感乃至触感(色醒)。同时,通过对这两点的强调以期望唤醒作品的和观众的共鸣关系,这个“共鸣”,不仅仅是一般意义上的视觉愉悦,而是作品对观众全身心感知的一次调动,使其“感同身受”。

  展览现场:材料、身体与色彩

雕塑家隋建国作品

  “我从2010年起就有两个思路,其中之一是身体与物质的关系。为此也做了一系列的展览。”刘礼宾讲到,参展艺术家的创作大多包含了对“材料和身体关系”的更新认识,将手和泥的“触感”明确化,并进行彰显,使人们对物我关系的理解更加深刻,比如隋建国展示的作品《肉身成道》,展望的作品《应形》、姜杰作品《向前进 向前进》、梁硕以及耿雪的创作。

雕塑家耿雪作品

  而“色醒”,是刘礼宾这几年思考的另外一个方向,即图像之间的关系中西方雕塑的传统都是着色的,在这里面或许隐藏着一种超越性。所谓图像时代的着色,或者图像的误读或解读,其实是一个非常重要的脉络。

雕塑家向京作品

雕塑家展望作品

  比如向京作品《行嗔》 的主角是一条暴怒的红色蟒蛇,它生而具有人的口腔和牙齿,充满暴虐的力量和行走的愤怒,昂头怒目凝视着观者,向观众展示出向京试图表现的主题——欲望和关系,展望的《第 86 尊圣像》可以看到“破与立”不断重复的历史。

  策展人:闫士杰 “加藤泉”个展

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭✭

  策展理念:呈现艺术的纯粹

  8月24日,加藤泉中国首个大型个展——“加藤泉”在红砖美术馆开幕,此次展览由闫士杰策展,作为艺术家生涯中首次阶段性梳理和总结,标志着艺术家创作又一个崭新的起点。

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新闻发布会现场,中间为艺术家加藤泉,右边为策展人闫世杰

  展览展示艺术家过去十年创作的50余件作品,其中在红砖美术馆园林驻地创作的2件雕塑显得尤为应景,而在同期展出的文献展部分则邀请观众深入了解艺术家的创作状态及重要艺术历程。

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展览现场

  “他不是去照搬一个远古的模型符号,而是用心表达一种人类童年的记忆,同时把纯粹的感觉带到了今天,带到他的作品里。”在闫士杰看来,对于处于高速发展的数字化时代的我们,需要这样能够安抚心灵的对话,需要加藤的艺术作品与更多年轻人对话。

  展览现场:感受可爱又可怕的“精灵”

  在红砖美术馆现场主门厅,艺术家将“生命之树”的概念与日本的思想体系和西方的生物进化理论相融合,表现了生灵万物之间的和谐关系,也是目前为止艺术家尺寸最大的一组。作品以樟木雕刻而成,由数个巨大的人形雕像组成,站姿颇具挑衅性,向上伸展的胳膊长出了“人脸”,粗旷的轮廓与扎实的形态充满原始性。

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展览现场

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《无题》(2018)展览现场

  在相对于圆厅的二号展厅中,"供奉"在基座上的软塑胶雕塑仿佛神圣不可侵犯,四周是加藤泉标志性石雕系列作品,令人联想起岛根县充满原始力量的传统祭神仪式,加藤泉将神道教的信仰带入三维空间,即所有东西,甚至包括石头和纸张在内,都具有灵性。观众沿着展馆一层长廊可以看到加藤泉创作的大量绘画、雕塑及装置艺术等。对观众来说,这就像是上山参拜出云大社,人们沉浸在和沿路“精灵们”互动的体验中。在展馆的8号空间也即是这次“旅行”的终点,观众所见是用皮革、织物拼接组成的大型人物肖像,它们飘荡在空中,却被石头和铁链牵绊。石头上露出的鬼脸,像是“使坏儿”般将其困住,观众在空间里可以随时和这些被拉下神坛的“精灵们”对话互动。

  策展人:策展团队 城市触觉—2018港澳视觉艺术双年展

  A学术性:✭✭✭✭

  B策划执行:✭✭✭✭

  C现场效果:✭✭✭

  D公众认知及影响力:✭✭✭

  E国际化能力:✭✭✭✭✭

  策展理念:呈现城市的触觉

  8月31日,“城市触觉—2018港澳视觉艺术双年展”在北京民生现代美术馆开幕,本届双年展以“城市触觉”为主题,通过与城市相关的建筑设计、空间设计、公共艺术项目以及个人艺术创作等内容,呈现香港、澳门及内地近年在艺术设计领域的创作新成果与发展现状,侧重发现港澳与内地青年一代为艺术与设计领域注入的新鲜活力。

展览现场

  关于本次展览主题“城市触觉”,内地联合策展人苏朋表示,城市是人建造出来的,是社会形态,但是人在城市之中又是被“城市”塑造出来的。就是“触觉”的主题。

  展览现场:感受城市中的温暖

  此次展览香港馆以“建筑相遇”、澳门馆以“穿越城市”、内地馆以“空间衍生”为方向,探讨人与人、人与城市的关系及其互动产生的各种变化联系,人创造了城市,最终城市塑造了人。

展厅现场

展厅现场

  此次香港展区的布展陈列方式让人耳目一新,走进展厅,一道道蓝颜色的“墙”耸立在整个展厅之中。据策展人透露,为了体现城市触觉的主题,他们把“香港”搬进了展厅。正如其所想达到的效果,走进香港展区,仿佛来到了香港拥挤的城市之中,高楼林立,望不见天。一条条巷道犹如迷宫一般,置身其中,找不到出口。穿梭其中,有时不经意就会错过某位艺术家的作品,有时在不经意间又会与某件作品相遇,有时不经意间又会被某些物体触碰到。你不必刻意去找寻某件作品,遇见就好,这也是策展人想要带给我们的属于城市的触觉吧。

展厅现场

  澳门展区以“城市触觉:穿城越市”为主题,六位澳门艺术家的装置、互动及平面作品反映出丰富的澳门历史及人文底蕴及本土澳门人对这座城市的深情。澳门展区的作品更加融合了澳门的历史,文化和记忆。内地展区以“城市触觉:空间衍生”为主题,邀请活跃在北京、杭州、上海等城市的近二十位青年艺术家、建筑师与设计师,通过他们对城市空间的不同理解与创造,形成创新多元而充满活力的艺术面貌,与港澳艺术家形成充分的对话与互动。

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