微信分享图

【艺术播报】印度建筑师巴克里希纳·多西拿下18年普利兹克奖

雅昌艺术网 蔡春伟 著 2018.03.12

盘点一周艺闻,短评艺术事件,大家好,欢迎收看本周雅昌为您带来的艺术播报,我是樊玮。在节目的开始,让我们一起走进今天的一周艺闻,看看本周的热点事件和精彩展览。

“亚洲艺术奖”在东京艺博会揭晓,小金泽健人获得最终大奖

 3月8日,亚洲艺术奖在东京艺术博览会现场揭晓,AKI INOMATA获得特别奖,小金泽健人(Takehito Koganezawa)获得最终大奖。

东京艺博会执行总监来住尚彦致辞

小金泽健人获奖后致辞

AKI INOMATA获奖后致辞

  亚洲艺术奖是一个当代艺术奖项,旨在为日本的新兴艺术家提供帮助,从而使他们在亚洲及其他地区拥有良好的国际前景。该奖旨在形成一个可持续的框架,以建立一个综合的生产,评估,流通和存储基础设施,以超越国籍的方式为亚洲艺术界做出贡献。

  这项艺术大奖由五位策展人组成的小组推举候选人,经过两个阶段筛选:首先推选出入围艺术家,入围艺术家将创作新的作品,在东京艺博会同期的TERRADA ART COMPLEX展出。在展览期间,由六名国际艺术界人士组成的评审团将决定大奖得主和特别奖的获得者。今年的评审委员除了日本东京艺术大学美术馆的馆长秋元雄史、东京都现代美术馆参事长谷川佑子之外,还有三位海外评审:新加坡美术馆的Joyce Toh、中国尤伦斯当代艺术中心副馆长尤洋、ART021的联合创始人包一峰,特别评委是著名的建筑设计师隈研吾。除了奖金,大奖得主还将获得一个工作室的使用权,并有机会在上海021艺博会和下一届东京艺术博览会上展示获奖作品。

嘉宾、评委及艺术家合影

  小金泽健人(Takehito Koganezawa)1974年出生在东京,居住在广岛,毕业于武藏野艺术大学的影像艺术与科学系,于1999年移居柏林,并在德国居住了18年,于2017年返回日本。源于他对时间的兴趣,小金泽健人开始运用各种方法探索意识的转变,从日常物品的使用到萨满教。他选择的媒体广泛,从视频到绘画、表演、雕塑和装置都有涉猎。也曾参加横滨三年展和2010年爱知三年展等大型国际艺术节。

  最近主要展览:

  “KOGANEZAWA”(苏黎世Haus Konstruktiv,2009年)

  “Luftlinien”(柏林,Haus am Waldsee,2012年)

  “未来 烟”

小金泽健人的作品

  获得特别奖的AKI INOMATA于1983年出生在日本东京,2008年毕业于东京艺术大学(Tokyo University of the Arts)的跨媒体艺术硕士(MFA)。在艺术创作实践过程中,她创造了许多与生物相关的艺术作品。诸如《寄居蟹的城市躯壳》她为寄居蟹创造了类似城市的避难所,通过3D打印技术仿造不同的城市为它们提供不同的依附躯壳。在丙烯材料的帮助下,城市呈现出透明的视觉效果,美丽像幻觉。而在《我戴着狗的毛发,狗也戴着我的头发》,在作品中,艺术家和狗互相戴着对方的毛发。2017年,她获得了纽约亚洲文化委员会(Asian Cultural Council)的个人奖学金。

  最近主要展览:

  《未来时代》(2337部分,芝加哥,2017年),KENPOKU ART 2016,以及《生态扩张城市》(WRO ART Center, wro,波兰,2016)。

AKI INOMATA的作品

  其他两位入围艺术家分别为冨井大裕(Motohiro Tomii)和和田昌宏(Masahiro Wada)。

  冨井大裕1973年出生于新泻,现居住在神奈川县,他对现成物品进行最少量的添加,在寻找雕塑新可能性的同时,把它们从固定的意义上释放出来,作为一种具有颜色和形状的造型元素。

冨井大裕的作品

  和田昌宏1977年出生于东京,2004年毕业于伦敦大学金史密斯学院,获得美术专业学位。除了个人实践之外,他还与其他艺术空间和艺术家合作,包括国家艺术博物馆,奥多摩和Ongoing艺术中心。

和田昌宏的作品

湖北巡展带我们回顾:“十年‘’曾竹韶奖’,一次中国雕塑史的远行”

2018年3月8日,“十年一见·‘曾竹韶雕塑艺术奖学金’获奖作品全国巡展”巡展至湖北,并在湖北美术学院美术馆开幕。本次展览展出49位青年艺术家的作品,其中包括39件获得“曾竹韶奖”的系列作品,以及10件获得“提名奖”的作品,以来自全国十八所美术院校的毕业生的雕塑作品,从不同的角度呈现了青年艺术家们对生命、生活、时代的感知,亦显示出中国雕塑发展的无限活力与生命力。

“十年一见·‘曾竹韶雕塑艺术奖学金’获奖作品全国巡展”湖北站嘉宾合影

  自2008年首次举办“曾竹韶雕塑艺术奖学金”获奖和入围作品展以来,“曾竹韶雕塑艺术奖学金”成立的第十个年头,十年间共有51位青年雕塑家获得了“曾竹韶奖”,177位青年雕塑家获得了“曾竹韶雕塑艺术奖学金”提名奖,为中国雕塑界输送了大量的雕塑人才。

  作为此次湖北巡展主办方之一的湖北美术学院亦多次参与在“曾竹韶雕塑艺术奖学金”中,湖北美术学院副院长许奋在开幕式上介绍了湖北美术学院雕塑系的发展历程,并历数在此项奖学金中获得殊荣的优秀青年艺术家:“由蒋治民、张祖武等先生为先导创立的湖北美术学院雕塑系历经岁月九十余载,在历届师生的努力下,既承袭了原有的传统优势,又发展出了新的生命力。在 ‘曾竹韶雕塑艺术奖学金’评选的十年间,先后有李小君、刘义忠(合作)、孙醉、易超、余康四次获得‘曾竹韶奖’,邵旋、李盈、项祎、庞旭、汪甜、熊伟、陈连生、吴永坤、洪伟、潘悦等获‘提名奖’”。

2008 四川美术学院 刘强 《23时59分59秒》玻璃钢着色 310×210×160cm

2008清华大学美术学院朱勇《裂--受》树脂160×150×150cm;85×35×30cm

2008天津美术学院 李鹏举《遇见戈多》 木

2008天津美术学院 王海 《劳琴图》 综合材料 70×60×50cm

2008中央美术学院 李展 《世界》 榆木、椿木 可变

  “十年一见,见初衷,见精神,见坚持,见未来”,许奋亦指出:“‘曾竹韶奖学金’的十年历程,是一种可贵的坚持,坚持老一辈艺术的拓荒者。在我看来,正是有着曾竹韶先生这些前辈的执着精神,对激励青年后继者们保持创作中的独立精神、保持对雕塑艺术的持续更新产生了将其重要的作用。这样一项奖学金,从十年前就开启了一种对传统表达敬意与延续的方式,对雕塑艺术提供了长期的学术支持学术支持,补充了源源不断的活力”。

2009广州美术学院 全志鑫《危在旦夕》 木、铜丝、钢丝 40×40cm

2009湖北美术学院 李小君、刘义忠《粮道街记忆》樟木 18cm×26件

2009清华大学美术学院谭建明《我的老师们》玻璃钢着色 每个300×90×120cm

2009中央美术学院 达尔善 日本《美》系列 木 尺寸不等

2009中央美术学院 柳青《G4472》综合材料、树脂、不锈钢250×240×460cm

  “这个奖项要求各个院校从每年的毕业生里推荐出较为优秀的作品参与评奖”,吕品昌谈到了这个奖项的评选标准:“奖项的评委会主席采用轮值制,每个院校只有一位评委名额,因此它的公平性、公正性、学术性是可以得到保证的。评委均是来自各大美院教学一线的教授,还有一些关注青年雕塑家的理论家与批评家也参与其中。评委们看重的是青年学子的想象力和创造力,更关注其能否娴熟地运用手工技艺进行原创性艺术表达的能力。墨守陈规或者盲目追求时尚以及所谓流行元素的雕塑作品并不在我们考虑之列。”

2010广州美术学院 占研《上帝视角》1铝合金板材、铝合金型材、亚克力板材、齿轮、电机等108cm×108cm×22cm

2010鲁迅美术学院 孙晟一《眼见未实》树脂着色190cm×45cm×120cm

2010四川美术学院《岁月如歌系列》木材 120×50×65cm陈融

2010中央美术学院 高蓉《花家地北里5号楼八单元—12层》布、海绵、木板50×150×250cm高蓉

2010中央美术学院《带着鸭子逃跑的桌子》木180×180×150 袁佳

  也正是在这样的评选标准下,“曾竹韶雕塑奖越来越被中国的美术院校中的雕塑系所珍视和看重,公信力越来越强,每年五六月份毕业季的时候,各个院校都会着手将最优秀的毕业生作品推荐到这里进行展示。这个奖项已经名副其实的成为青年雕塑创作的窗口,如果要了解中国当代雕塑的新变化,了解青年雕塑家们在想什么,就不能不关注这个展览”。

2011 鲁迅美术学院 李明宇《忘记的,不曾忘记的》木110CM80CM50CM

2011清华大学美术学院 齐雯《不可说》综合材料70x50x50

2011中国美术学院 王从义《飞翔之梦》综合材料 尺寸可变

2011中央美术学院 蔡雅玲《钻》、《森》、《木砀》、《异物》综合材料 26×23×22cm;244×244cm

  而围绕“曾竹韶雕塑艺术奖学金”展开的、以历届雕塑毕业生为主体的“曾竹韶雕塑艺术奖学金”获奖作品展,目前已经呈现出三大特色:“一、雕塑语言的反复锤炼。参展作品体现出扎实的造型基础,拥有在符合艺术规律的学术规范下,展开创作实践,并将‘写实’与‘写意’手法融合起来,形成造型过程中的理性再现与感性抒发。二、雕塑材料的跨界运用。青年学子是最有活力、创造力的群体,无论是传统的泥塑、木雕、石雕等,还是声光电等现代媒介,以及对于材料的跨界探索,都进行了大胆的尝试,传统媒介的运用被赋予新的理念。三、雕塑观念的深入探索。当代艺术和青年的生存感受相对应,每位同学由于不同的社会环境、知识背景,形成独特的艺术视角和问题意识,用心体味生活,将其对生命的体悟、对问题的探究,化作雕塑语言,具有强烈的艺术感染力”。

2012广州美术学院 冯晓峰《破晓》木、综合材料250x300x198cm

2012清华大学美术学院 石富《中国的孩子》铸铜1000x1000x190cm (2)

2012天津美术学院 王立伟 《感官世界系列》牛皮等综合材料 100×100×25cm;100 × 40 × 50cm

2012中央美术学院 王朝勇《悟》木、麻等综合材料 可变

  本次展览总策展人、中国雕塑学会副会长孙振华将“曾竹韶雕塑艺术奖学金”及其作品展的十年称为“中国雕塑史上的一次远行”:“将获奖者的作品集结成一个联展巡展至全国十个地方,这在雕塑展中是罕见的;将这样一项活动坚持十年,他在雕塑历史上也是罕见的。在这项奖学金及展览中,‘青年’是核心。1992年的‘当代青年雕塑展’,曾将一批青年带上了雕塑的历数舞台;而‘曾竹韶奖’在随后的2008年至今的十年间,又带一批新青年登上雕塑舞台,走向未来的雕塑史,我想这一点是值得我们敬重与期待的”。

2013北工大艺术设计学院 景然《境》树脂着色240X160X180cm

2013鲁迅美术学院 汤杰 《红尘》沙子、玻璃、不锈钢、电子元件55X55X160cm

2013中国美术学院 巫澜《父亲的一天》金丝柚木60cm×80cm 共六件

2013中国美术学院 张俊《致我们悄然逝去的青春》微电影 影像

2013中央美术学院 李展《世界清静了》系列 《手语者》 香樟木 102×43×40cm

2014 广西艺术学院 侯晓飞《我们的青春—静谧的远方》树脂着色 尺寸可变

2014 四川美术学院 葛平伟《·结·》系列 木 尺寸不等

2014 四川美术学院 唐超《蚩》钢筋、铁板25×25×180cm每件

2014 中央美术学院 钱亮《物非物系列之竹》一次性筷子30X40X50cm

  从第四届开始,“曾竹韶雕塑艺术奖学金”在大同举办并获得了大同市的长期支持。在展览开幕式上,中国雕塑博物馆馆长张伟莉表示:“作为雕塑之都的大同,我们能做的,只愿搭建一个美美与共的舞台,在你们领略云冈石窟、华严寺等经典艺术的同时,将自己置身于艺术发展史的历史语境里,吸收古人精华、避免重复前人、在多元视野里寻找到最契合自己内心声音的根脉所寄。”

  据悉,本次展览自2018年3月8日展至3月20日。

世纪同心——中国美术学院师生捐赠作品特展

为了纪念中国美术学院建校九十周年,《世纪同心——中国美术学院师生捐赠作品特展》于2018年3月2日至3月30日在中国美术学院美术馆举行,展览共展出馆藏作品200余件和文献手稿若干。

3月5日举行的展览开幕式,亦是捐赠仪式,也是一场对中国美院校史的回顾和老校友的聚首。其中105岁的陈玲娟老人虽因为身体原因未到现场,但作为中国美院初创时期老校友,她进行了书面发言,并捐赠珍贵文献一套。

90年前,新文化运动的先驱、教育家蔡元培先生曾将“美育代宗教”的理想安放在西子湖畔,是即中国美术学院的前身——国立艺术院。

  1928年3月,新文化运动的先驱、卓越的教育家蔡元培先生将“美育”的崇高理想安放在西子湖畔,主持创建了“国立艺术院”。在4月9日补行的开学典礼上,蔡元培先生表示“大学院在西湖设立艺术院,创造美,使以后的人都移其迷信的心为爱美的心,借以真正的完成人们的生活。”蔡元培和林风眠等学院创建者十分重视美术展览对于推动社会美育的作用,因此在学院创立伊始,即已经将建设学院美术馆纳入学院建设规划。

  多年来,作为美术馆立馆之本的藏品建设,在历年校友的支持下,有了长足的进展,无论是在数量还是质量上,都颇为可观。这些藏品有的展示出校友个人高超的艺术水准,有的呈现学院当年的教学风貌,有的表达对母校的眷念之情,但无论内容如何有异,捐赠者都怀有同样的心愿,即希望将自己受母校教诲的感恩之情诉诸其中,以为存念。

  今年适逢建校90周年之际,中国美院美术馆将校友们捐赠的部分经典之作进行展出,观众可以从这些跨越了80余年的作品之中,感受到这所历史名校的风范:兼容开放、从容自信。此次展览根据内容和历史发展的脉络分为四个部分:艺术摇篮、名师典存、湖山望境、桃李成蹊。其中部分展品来自新近接受的捐赠,包括早期校友的创作及学生时期的作业等,为首次展出。中国美术学院001号毕业生郑月波先生的女婿陈力宇作为家属代表发言说:“我的岳父郑月波先生是1928年第一届,而且还是春季班的学生,他作为马来西亚华侨回国来报考第一届,有幸录取了。他也是一个很典型的美院学生,受了五年的老师的教诲,造就了他一辈子的艺术生涯。”

  展览名“世纪同心”中“世纪”指时间,90年的历史,中国美院恰逢传统向现代的转折,承先启后,发展中国艺术,并在世界艺术的大变局中为艺术的超越风格、流派、技法做了探索。“同心”最典型体现在90年来我们伴随传统曼延相长,建校提出的“整理中国艺术,介绍西洋艺术,调和中西艺术,创造时代艺术”,至今仍然是国美人孜孜不倦的追求。中国美术学院许江将国美人的“同心”概括为“担当的文化使命,自觉的先锋精神,开拓的国际视野,诗化的智性意识。传承不息,探索不止”。同心的主体是人,是艺术家、艺术教师和艺术学者,回到教育的本质,再也没有比人更重要。追昔抚今,一代代教师、学生,构筑成为90年来国美艺术的长河。

  90年前的1928年春天,国立艺术院在开学之初便举办了教师作品展。2018年新学期开学的第一天,中国美术学院美术馆将历年来师生校友们捐赠的部分经典之作进行展出,观众可以从这些跨越近一个世纪的作品之中,感受到名校的风范。

苏富比当代艺术晚拍成交9.61亿元

2018年伦敦苏富比当代艺术晚拍现场,图片提供:苏富比

  或许是受到前一天佳士得优异表现的鼓舞,在伦敦时间3月7日晚间举行的苏富比当代艺术晚拍中,几乎每位到场的竞拍者脸上都流露着轻松的表情,这种氛围也奠定了本场拍卖的乐观基调。经过近2个小时的角逐,61件拍品共取得1.093亿英镑(折合人民币9.61亿元)的成交额。彼得·多伊格(Peter Doig)的重要作品《山谷的建筑师之家》以1437.6万英镑(折合人民币1.26亿元)成为全场标王。苏富比的再创佳绩,也为2018年的当代艺术拍卖市场拉开了不同寻常的序幕。

  相较于佳士得晚间拍卖的国际化组合,本次苏富比当代晚拍主打重要欧洲艺术家,以彼得·多伊格、里希特(Gerhard Richter)、鲁道夫·斯丁格尔(Rudolf Stingel)的作品领衔,拍卖前全场估价达到8500万-1.18亿英镑,据苏富比官方信息,61件标的中55件顺利易手,成交率高达90.16%,1.093亿英镑的总成交额也接近拍前最高估价,体现了苏富比对选件判断方面的精准把控。

克里斯托弗·伍尔《无题》320x243cm 布面油画 2007年 成交价:1042.49万英镑

  虽然是伦敦的主场,但是随着拍卖开始,先声夺人的却是来自美国的艺术家克里斯托弗·伍尔(Christopher Wool),其2007年抽象风格的作品《无题》以320万英镑起拍后,旋即引起了3位以上的电话买家竞价,经历一番拉锯,终以910万英镑落槌,加佣金为1042.49万英镑(折合人民币9150.8万元)成交,位列本场第三,远超拍前420-620万英镑的估价,引发了全场热烈的掌声。

彼得·多伊格《山谷的建筑师之家》 油彩画布 1991年作 200x250cm 成交价:1437.6万英镑

  没过多久,全场最受关注的作品——彼得·多伊格《山谷的建筑师之家》登场,之所以在拍前便引起热议,除了它是多伊格1991年转型时期的4件重要作品之一外,其多次的转售经历以及飞跃式的价格上升,也是许多市场专家口中的谈资。

艺术家彼得·多伊格

彼得·多伊格2000年以来的价格指数变化,以2000年100点为基础,图片提供:Artprice

  众所周知,彼得·多伊格近几年的市场行情突飞猛进,2017年更是连续三次刷新个人拍卖纪录,目前以2880万美元的价格成为最贵的英国当代艺术家。而据彭博社报道,《山谷的建筑师之家》此前曾有4次上拍记录,最近一次发生在2016年,当时以1130万英镑成交。在此次苏富比晚拍中,《山谷的建筑师之家》拍前估价即达到1400-1800万英镑,体现了显而易见的价格上升。

《山谷的建筑师之家》5次上拍价格变化,不仅价格越来越高,上拍间隔也越来越短

  在拍卖师报出1100万英镑的起拍价后,应价的号牌并不多,缓慢递增至1320万英镑后,虽然拍卖师耐心地等待了一段时间,但并无新价格出现,最终价格定格在1437.6万英镑。虽然不及拍前预估,但较前次拍卖仍上涨了27.22%,同时也是本场拍卖最高价。

  《山谷的建筑师之家》堪称多伊格的里程碑式杰作,这是其1991年获得“白教堂艺术家”殊荣后,为展览所创作的4件作品之一,其余三幅包括2006年于蘇富比上拍的《铁山》,是画家首幅以逾100万英镑拍出的作品;另外还有《玫瑰谷》,在去年以2,880万美元刷新在世英国艺术家作品的拍卖纪录。

  《山谷的建筑师之家》的大屋来自画家在加拿大的童年回忆,那是艾伯哈德·蔡德勒(Eberhard Zeidler)的家,位于多伦多市郊的豪宅区玫瑰谷。尽管这座住宅是画名阐明的主题,画中诡异的氛围与构图却可追溯至建筑师科比意(Le Corbusier)设计的一幢著名建筑——法国东北部布里埃的“公寓大楼”。1991年夏天,多伊格身为修复人员,跟随团队的艺术家及建筑师参观这幢自1973年已经荒废的大楼。透过周边的茂林望出去,大楼的现代主义风格打动了多伊格。它看上去游移不定,触手难及;阴森诡异但也平易近人,令人安心却又难以捉摸。

兹克建筑奖得主巴克里希纳·多西 你知道多少?

2018年普利兹克建筑奖得主——巴克里希纳·多西

  昨晚,2018年第45个普利兹克建筑奖颁发给91岁的印度建筑师——巴克里希纳·多西,这是普利兹克建筑奖第一次授予印度建筑师。2017年,上海当代艺术博物馆曾举办巴克里希纳·多西中国首次大型个展。

  普利兹克奖(Pritzker Architecture Prize)被誉为“建筑学界的诺贝尔奖”一年一度由凯悦基金会颁发,以表扬“在世建筑师,其建筑作品展现了其天赋、远见与奉献等特质的交融,并透过建筑艺术,立下对人道与建筑环境延续且意义重大的贡献”。奖项1979年由杰·普利兹克与其妻子辛蒂设立,并由普利兹克家族提供资金,它被公认是全球最主要的建筑奖项之一。

巴克里希纳· 多西

  印度建筑师巴克里斯纳·多西曾经是勒·柯布西耶和路易·康的学生以及后来的合作伙伴,已从事建筑设计有70余年。他的建筑深受印度东方文化影响,极具诗意。自1950年代至今,多西完成了多种建筑类型的设计,评委的评论是:“其作品影响到了社会上各个经济阶层人们的生活。”

  上海当代艺术博物馆曾经多次举办建筑展,2017在巴克里希纳·多西回顾展“栖居的庆典 真实•虚拟•想像”中,展示了这位建筑师包括私人及公共住宅、社区项目、文化教育机构、城市规划及家具设计在内的逾三十件作品,通过多重尺度的建筑再现模式,在展厅中构建一场横跨多西62年创作生涯的哲思式回望。

  巴克里希纳·多西1927年出生于柬埔寨,作为印度独立后屈指可数的现代建筑先驱之一,他是印度当代建筑史上活着的传奇。他曾就读于孟买J•J建筑学院,后以高级设计师的身份在巴黎与勒•柯布西耶共事4年,随后4年又在印度主持柯布西耶的当地项目。

巴克里希纳·多西中国地区的首次大型个展开幕仪式现场

  直到今天,90 多岁的巴克里希纳·多西(Balkrishna Doshi)依然维持着稳定的生活作息,每天清晨起床、瑜伽、冥想。他做了 60 多年的建筑,始终在追问自己一个问题:印度需要什么样的建筑、街道和城市。

  多西说:“职业生涯犹如漫长的旅行,但基本不离几个根本问题——首先是思维与建筑的关系;其次是我的建筑作品与社会,特别是20世纪与50年代初迅速变化的社会语境的关系。理解这场职业之旅的意义成为本次回顾展的重点。所以本次展览不应该是照片式的,它必须是体验性的。”

  仪式

  1927年,多西出生于一个传统的印度家庭。

  他的创作植根于他深感兴趣的印度哲学思想,印度神话、故事、仪式和典礼在其作品中扮演着不可或缺的角色。在他看来,建筑对人及其意识有着深远影响。由此人必须成为建筑的核心,他的作品便是智性与情感的结合。

  在这个几世同堂的大家庭中,出生、成长、死亡可谓是更迭不断的自然现象。他们会共同前往寺庙或是朝圣地,去进行诸多节日的庆祝、诞生庆典,死亡前后的仪式。不论生活是苦是乐,光阴就这样在朝夕间流走。久而久之,一家人生活方式的变化,与社会、经济和文化结构的变化一起,成为了每个人生活的点滴。随着社会的演进,房子里的人物、形状以及样式逐渐发生着改变。在他看来,这些持续发生的进化和转变构成了他对生活认知的框架和美学经验。

  多西经常同他人一起去邻近村庄和寺庙参加各种不同的活动与庆典。这些仪式即时的反映出每项活动的神圣性,它们加深了对于自己与宇宙关系的理解。灵魂、情感和信仰的结合使每次仪式的体验都是那样富有神话感。

  “现在的我终于明白为何这样的生活会为这里的人们所接受”多西说,这种经历让仪式的愉悦感被放大,那些令人悲伤的故事则随之消散。

  ▲欧姆普瑞母神庙

  玛塔尔,1998

  在多西设计的欧姆普瑞母神庙中,当你安静的坐着,一片寂静当中,或俯身嗅花香时,一束白光从锥形屋顶的洞口倏然而至,刹那间张力迸发。

  ▲印度管理学院班加罗尔分校

  Indian Institute of Management (IIM),Bangalore

  班加罗尔,1977 - 1997

  在印度南部地区,寺庙林立,院落经高大的连廊彼此联通,神龛与庙宇散布其中,成为个人或社会活动的场所。这就是为什么在那里,寺庙会成为人们的第二个家,同时也是社会和文化枢纽的原因。

  多西认为,校园也应如圣所一般,没有边界、没有门,满足人们沟通、交互的需求。在构想印度管理学院班加罗尔分校时,他以寺庙建筑为原型,重新设计了或开放或封闭的藤架小径、连廊和院落,将教室、会议室、图书馆和宿舍等功能区联系起来。建筑外部的石头墙上爬满了藤蔓植物,内部院落和小径中不同的景致加上色彩与光影变幻,营造出时间的实感。

  楼梯

  多西个人非常喜欢楼梯,他说喜欢楼梯带来空间上不同的流动的感觉。

  例如他的自宅,这同时也是一个浪漫爱情故事的开始:他自宅的名字来自妻子卡玛拉,某日,多西在参观建筑工地时,看见一个女子沿楼梯而下,阳光从遮阳用的锡皮屋顶的缝隙里漏进来,悉悉索索地洒到她身上。这幅景象打动了多西,也成为他研究“四根立柱和一部楼梯”结构的原点。

  ▲卡玛拉家宅

  Kamala House

  艾哈迈达巴德,1959 - 1961

  这种砖窑型建筑既构成他自宅的基础,也延续到他此后设计的住宅项目中。经济性和适应性是多西设计家宅时所考虑的两个首要原则。最终,他选用当地砖石修建承重墙和外围空心墙,并根据气候条件选定了合适的朝向。住宅整体呈格栅状,以四根方柱为基本单元,大小不一的方形区域分别用作客厅、餐厅和卧室。夜晚时分,打开面朝后花园的主要空间,屋子便仿佛变成了花园中的凉亭,不足两层的小巧规模为这里平添了几分别致。

  ▲建筑学院环境规划与技术中心

  School of Architecture,Centre for Environmental Planning & Technology (CEPT)

  艾哈迈达巴德,1962 - 1966

  在建筑学院环境规划与技术中心的设计中,多西也运用了砖窑设计去唤醒了儿时的记忆,没有门的学校能够促进正式与非正式的交流。多西将技术与照明、通风和绿化设施相结合,建成一座北向采光、有水池形洼地的漂亮厂房。点缀其中的树林和早年屋舍也成了人们学习的场所。

  自然

  多西的作品同时注重与自然的共生关系,“我的所有的项目都要花上5年、10年或者20年的时间分阶段建成,因此建筑个性也在变化。”多西说,所以这是我对于时间的理解:它们都与自然和自然力量息息相关,与宇宙规律相关。

▲本次展览以光影与音乐烘托出多西“艾哈迈达巴德洞穴画廊”充满生机的形态

▲艾哈迈达巴德洞穴画廊

  Amdavad ni Gufa

  艾哈迈达巴德, 1991- 1994

  为了耐受城市中心炎热的气候,多西设计了这座半地下式画廊,其中展示着印度现代主义画家马克布勒· 菲达· 侯赛因的作品。画廊在设计上综合了电脑辅助规划和传统的部落茅屋搭建技术,前者可帮助避免不必要的建造差池。多西的灵感来源于印度的阿旃陀石窟与埃罗拉石窟内部圆形和半圆形的设计,侯赛因的壁画则受到旧石器时代洞穴艺术的启发。

  艺术家与建筑师的交锋诞生了最意想不到的结果,对不同寻常的追求再次提出了几个根本问题:什么是功能?什么是空间?什么是技术、结构和形式?在这里,唯一不变的是自然光线与自然运动的变化,对问题作出了全新回答。

  ▲桑珈建筑师工作室

  Sangath –Architect's Studio

  艾哈迈达巴德,1976- 1980

  “桑珈”在孟加拉语中是“共同、一起”的意思。所去到之处的记忆在此碰撞,融合于景观之中,唤醒并勾连着那些被遗忘的篇章。其室内装饰同样如此,层层叠叠,看起来繁复无章,各种各样的活动在这里展开。

▲展览全尺度复制了“桑珈建筑师工作室”的模型

  桑珈是一所持续学习的学校,人们在这里学习、归零、再次学习。

  变化

  在多西从小所居住的大家族的这栋房子里,随着时间的流逝,人物、形状以及样式都逐渐发生着改变。从零星的几间房发展到许多间,自一层楼房变为多层,房屋呈现出有机性增长。随之衍伸出来的功能改变、行为调整看上去既陌生又新鲜,所有种种都被自然而然的接纳、吸收了。

  多西说,房屋结构的扩张以及功能的演变就像一块巨大的海绵,多孔且善于吸收,它永不停歇为我们奉献空间和美学的新惊喜。

  在多西看来,建筑设计不是静态的,建筑设计与时间、地点、功能、场合、源由、关注点以及信仰息息相关。它与经济和可持续性也不无关联: “随着年龄的增长,我想起了我们古老的文字、遗产和价值观。它们中任何一个都代表着一种完整的理解,即唯一确定的是不确定。但它们也启示我们,要在不确定中存活,必须做到兼容并蓄,灵活多变,善于吸收,同时坚定立场,正如种子的坚持,慢慢长成菩提树。”

  多西于1955年创立了Vastu-Shilpa环境设计工作室。出于对印度贫民阶层的关怀,他又设立了同名基金会。基金会在低造价住宅和城市规划领域的开创性探索在印度内外享有盛名。

▲阿冉亚低造价住宅

  Aranya Low Cost Housing

  印多尔,1982-至今

  1982年建造至今的阿冉亚低造价住宅项目为经济弱势群体(EWS)提供了居身之所。房子的基本结构非常简单,约占地30 平方米,用砖块打造地基,有厕所,能通水、通电。最初的60 间样板房形态相近,正因其形态简单、基本,所以留出了变化的可能性。每个家庭可以根据自己的需要对房屋进行扩建,满足自家需求以提高生活质量。这种类型的房屋赋予居民以选择的自由,以最低成本实现最多样的空间用途。

  一份摘自《阿冉亚低造价住宅回访报告》指出,“2017 年,我们对阿冉亚住宅项目进行了回访。我们意识到,只要给予那些贫苦的人一块土地,配以厕所、电力等最基本的设施,他们关于家的愿望和梦想就能变成现实。今天,那些曾经无家可归的人的生活已经变了模样,他们以土地的形式获得了社会安全感,由此改变了自己对生活和生存的看法。今天,他们的孩子会去英语学校,他们拥有了摩托车,有些甚至拥有了汽车。他们把自己的临时庇护所改造成了三层小楼,使之适应自己的需求,成为自己真正的家。”

  可持续性的未来

  在多西与巴尔萨瓦尔问答中,巴尔萨瓦尔问多西:随着时代快速变化,建筑师有必要以全新的方式重新参与到我们周围整个社会中吗?

  多西是这样回答说的:“这个职业变得越来越个体化,我们需要把这个职业看成医生一样,是一种社会实践。这意味着,在时代背景下我们肩上有职业责任和社会责任。问题是建筑师在设计房屋或办公大楼时有没有考虑到城市或文脉?”

  在他看来,任何可持续稳定的智慧城市或功能型城市应具备适宜的技术条件,并节约能源。未来的城市应该是高效的,不在出行上浪费时间,可提供充足的就业,没有贫民窟。城市应该是健康的、自给自足的有机体——正如成熟的水果,不会太熟,也不会太生。

  在整个目前“城市更新”的热潮下,建筑在现在和未来还有哪些可能性?这恐怕是本次展览留给我们另一个思考。

国嘉德香港2018春拍将于3月31日举槌

中国嘉德香港2018春季拍卖会,将于3月31日至4月3日于香港JW万豪酒店及港岛香格里拉酒店隆重举行。承接2017年五周年秋拍的佳绩,本次春拍将再接再厉,为藏家朋友从世界各地带来中国书画、亚洲二十世纪及当代艺术、瓷器工艺品及珠宝钟表尚品等各式珍品,将必为各界藏家带来一场艺术的盛宴! …

  (雅昌艺术网讯)中国嘉德香港2018春季拍卖会,将于3 月31日至 4月3日于香港 JW 万豪酒店及港岛香格里拉酒店隆重举行。承接 2017年五周年秋拍的佳绩,本次春拍将再接再厉,为藏家朋友从世界各地带来中国书画、亚洲二十世纪及当代艺术、瓷器工艺品及珠宝钟表尚品等各式珍品,将必为各界藏家带来一场艺术的盛宴!

  中国嘉德(香港)国际拍卖有限公司董事总裁胡妍妍女士表示:“回望 2017,中国嘉德的全新公司总部──北京王府井大街一号的嘉德艺术中心正式开幕,中国嘉德香港更欣庆成立五周年,全年总成交额达到9.79 亿港币,创嘉德香港历年最好成绩,与北京总部南北辉映。今春,中国嘉德香港将首次踏足台湾,于3月17日及 18日于台北富邦人寿大楼国际会议中心举行 2018 春季拍卖会预展,精彩可期。

  “2018 年,我们的香港专家团队足迹踏遍全球,致力搜罗散落在世界各地的艺术瑰宝。中国书画部分,除了传统的,『观想──中国书画四海集珍专场』以外,幸得三大资深藏家支持,特设专场『春和──亚洲重要私人珍藏』,由三个极具诚意的亚洲私人珍藏专题组成,可谓本季最大亮点之一;亚洲二十世纪及当代艺术部分,精心遴选逾 95 件作品,当中包括汇集东西方九位艺术巨擘的精彩作品的『与大师对话』专题及『身体语言』专题;瓷器工艺品部延续严格审慎的原则,将携『观古──瓷器珍玩工艺品』、『玉质金相──中国古代玉器艺术珍品』及 ,『抟泥幻化──中国古代陶瓷』三大专场隆重出场, 后者重点推出数个同一收藏的专题,旨在诠释每位藏者于高古瓷收藏的视野与情怀,文化与意趣,心得与体会; 珠宝钟表尚品部本年度将会推出各式瑰丽珠宝,敬请期待。 ”

  中国书画

  经过半年的寰宇征集,此季中国书画部分将带来 400 余件作品,质素规模,皆值得关注。其中,特设专场“春和──亚洲重要私人珍藏”,可谓本季最大亮点。此系列由三个极具诚意的亚洲私人珍藏专题组成。继中国嘉德 2017 年秋拍,张大千巨制《江堤晚景》以 1.32 亿人民币成交之后,得蒙同一藏家信赖,今次将再次推出“王振宇夫人唐兆颖旧藏”专题;同场另一专题,为本港重要私人珍藏的 70 余幅黎雄才山水,多为画家自40 年代到文革之前,于川、陕、鄂、粤等地所作的写生精作,亦有《长江大桥》这样讴歌新中国建设事业的沥心之作。同时还非常有幸得到南洋重要私人藏家垂爱,推出“丹翰楼藏中国书画”专题,丹翰楼主人长居印度尼西亚,繁忙商务、热心慈善之余,雅好书画,经过近半世纪撷英取华,形成极具规模的收藏体系。今首度现身拍场,值得关注。

  作为常设专场,此季“观想──中国书画四海集珍”,来源丰富,经过精心遴选,不乏亮点精作。包括两件黄宾虹 89 岁所作山水《挹翠阁落成志庆图》、《北高峰图》,同时现身拍场,极为难得。此外,黄永玉作于 1984年、 记录本港绮丽风光的作品《长洲》;傅抱石写赠好友、徐悲鸿弟子张蒨英之作《重岩赏泉》,以及市场罕见李可染所绘《五牛图》,均不可错过。在古代书画部分,唐寅《春山结侣图》为吴湖帆旧藏,见于《吴湖帆文稿》。吴氏亲题裱边,且钤鉴藏印多方,可见藏家对此作之珍爱。李鳝《杂画册》源自日本重要私人珍藏。是册作于乾隆元年(1736 年),画风淡宕妍丽,洒脱灵动,识者珍之。

  黄宾虹 (1865-1955) 《挹翠阁落成志庆图》 立轴 设色纸本 壬辰(1952 年)作

  127 × 47.5cm 估价: HK$ 5,000,000–8,000,000

  黎雄才 (1910-2001)《长江大桥》镜心 设色绢本1956 年作 48 × 130cm

  估价: HK$ 5,000,000–8,000,000

  李可染 (1907-1989)《五牛图》镜心 设色纸本

  67 × 138cm 估价: HK$ 5,000 000–6,000,000

  黄永玉(1924 年生) 《长洲》 镜心 设色纸本 1984 年作

  68 × 69cm 估价: HK$ 2,200,000–3,200,000

  傅抱石 (1904-1965) 《重岩观泉》 镜心 设色纸本 丙戌(1946 年)作

  48 × 56cm 估价: HK$ 1,500,000–2,500,000

  唐寅 (1470-1524) 《春山结侣图》 立轴 设色纸本 79.5 × 33cm

  说明:吴湖帆(1894-1968)旧藏。

   估价: HK$ 2,800,000–3,800,000

  李鳝 (1686-1762) 《杂画册》 册页 设色纸本

  25 × 40.4cm(每幅) 估价: HK$ 3,500,000–5,000,000

接下来让我们一同进入本周的艺术短评时间

“现在书法界有一个问题,就是模仿成风——模仿古人、模仿名人书法的外形式成为一种主流形态。全国性的展览,也在引导这种风气。有些模仿甚至很初级,只是外形有点像,他就能入选全国展。回归传统并非复制传统,认识不清楚结果自然会停留在视觉模仿的阶段。这也是审美标准中出现的一个‘不标准’问题。”

  在国际书法家协会主席、《中国书法全集》主编刘正成看来,在当代展厅生态中生存的书法艺术,在官方社团的影响下,受到各类书法竞赛中获得会员身份的驱动,使得展览作品的选择和发表方式成为具有量化标准的“炫技”。从而在一些书法展上,我们看到的是对古代经典书体字体的复制粘贴。

  之所以存在这样的现象,关键在于“技”之下的文化修养缺失。只取其表,不知其理,技高而学养低,这种失衡成为了当下书坛的常态。同时,这样的不平衡状态也体现在书法发展脉络的内部,书法创作与书法理论两者之间存在的进程差距。

第六届中国书法“兰亭奖”作品展在中国美术馆开幕

  没有金奖的“兰亭奖”

  2018年1月11日,第六届中国书法“兰亭奖”作品展首次在北京中国美术馆展出,引发一波观展热潮。此次展览展出了57名书法篆刻组获奖及入选作者的作品171件。此前,中国书协公示了第六届中国书法兰亭奖的评选结果,70位获奖及入选作者,其中,5名书法篆刻作者和2名理论作者荣获银奖,6名书法篆刻作者和1名理论作者荣获铜奖。而“兰亭奖”作为“中国书法最高奖”其中最具有价值的金奖却成为空缺,成为本届兰亭奖的最大看点之一。

开幕式现场

  “没有金奖,其实是一种正常现象,只是和大家常规的判断有所出入。”中国书协副主席陈振濂如此谈到。他认为,看待没有金奖的现象,首先还是要有一个客观的立场:一方面我们在做这项工作的时候,并不是一个或两个领导心血来潮决定的结果,而是众多评委的共识,这其实也是对当下书法发展现状务实负责的反映。我们无法从参选作者中,一下子说出哪个书家或者理论研究者,能让所有评委一致拍板授予其金奖的荣誉,那么我们宁愿它是空缺的。这也是书法界现阶段创作现状中有高原无高峰的写照。

展览现场

  “另外,这样的评选是基于首先有一个高标准,然后按照这个标准来执行,而并不是选不出来金奖,就硬生生地把最高奖项提到金奖中。但反过来看,是否也恰恰是没有金奖的全国书法最高奖,使得那么多的书法群体来中国美术馆看个究竟,吊足了大家的胃口。展览受到的关注度,也足以表现出受众的热情和企盼,也为书家进一步学习鼓足了劲儿。”陈振濂进一步说。

第六届兰亭奖评选现场

  “最高奖为什么空缺?因为,在所有评审团成员看来,目前所评出的57位作者的作品,一是整体水准虽然十分可观,但距离金奖的创作水准尚有一定距离。二是没有达到预设金奖的评委集体评判的分值,即90分以上。如排名第一的作者,有6位评委投金奖分值(90分以上),占比35.3%;有3位评委投入选分值(70分以下),占比17.6%;其余8位投银、铜奖分值,占比58.9%。三是作品打票综合得分相差间隔不大,没有拉开有效的距离。如果贸然把其中的几位作者划定为金奖,也是对其他作者的不公平。”对于此次金奖的空缺所引发的讨论,《中国书法》杂志社社长助理、编辑部主任朱中原在《兰亭奖该怎么评——第六届中国书法兰亭奖之观察与省思》进行了详细的分析。

  在中央新的文艺评奖改革政策出台之后,各个领域的诸多单项奖均已被取消,兰亭奖以往的各个单项奖也被悉数取消,只保留了创作类。相对于近年来各种展览、奖项泛滥,虽然此次金奖空缺有些可惜,但评奖重要的是看质量,质量高度不到,不能硬拔。

第六届兰亭奖评选现场

  而在刘正成看来,“兰亭奖”作为中国书法的最高奖,在基本评定标准与流程上存在问题,片面的通过作品论高低,对于作者的经历与学养的考察则不够重视。“我们想说《红楼梦》好的时候,起码要在家里费时间读完它、读通它、研究它。而书法水准评定,评委们必须在几秒钟之内就要做出判别,这是什么样的火眼金睛?显然,评委们无法‘兼论其人生平’,甚至根本就不想‘兼论其人生平’。这就把审美标准局限在很狭窄的一个范围:这一点像不像米芾、那一画像不像颜真卿……只见枝叶,不见树林,只能局限在表面的技术层次进行审美判断。”

  “我也不是要全盘否定现在的书法评审机制,我们现在的评审机制,虽然只是一种适应‘普及’工作的较为简单化的机制,但这种机制在促进新时期书法的发动和形成规模性上,曾经起过巨大的历史作用。只不过走到今天需要变革的深化。”刘正成谈到。而此次“兰亭奖”金奖的空缺,也引发了对当下书坛重视技法、忽视文化修养的重新审视。

盘点一周艺闻,短评艺术事件,这一期的雅昌艺术播报就是这么多,我们下期节目再见。

点击查看全文

相关标签

曾竹韶雕塑艺术奖学金 东京艺术博览会 书法 嘉德

艺术号作者

相关新闻

大家都在看

发表评论
广告图片

分享到微信,

请点击右上角。

再选择[发送朋友]

[分享到朋友圈]

已安装 艺术头条客户端

   点击右上角

选择在浏览器中打开

最快最全的艺术热点资讯

实时海量的艺术信息

  让你全方位了解艺术市场动态

未安装 艺术头条客户端

去下载