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【雅昌专稿】第十二届AAC艺术中国年度影响力评选 四大奖项提名奖公布

雅昌艺术网专稿 2018.05.10

  5月11日,第十二届AAC艺术中国年度影响力评选提名奖正式公布。由国内外文化艺术领域重要的评论家、策展人、专家学者组成的AAC艺术中国顾问委员会共同完成了月旦评以及本届的候选名单后,评审委员会再次通过线上投票的方式,评选出本届“年度艺术家”、“年度青年艺术家”、“年度策展人”、“年度艺术出版物”四个奖项的5位提名奖获得者。5月21日将在北京故宫·巅峰之夜为四大奖项的提名奖获得者颁奖。

  在过去的十二年里,AAC艺术中国年度影响力持续记录和跟踪当代艺术,不仅是当代艺术的见证者,更成为中国当代艺术最具学术性、公信力和影响力的评选平台。在过去的十一次评选中,AAC艺术中国秉持着高度学术性的原则,不断进行尝试、评估和调整。本次评选结果的公布,亦将成为中国当代艺术史的标志性样本。

  此前,评选委员会轮值主席郑胜天将本届的评选主题确定为:“面对变动中的世界”,更强调在当下世界政治、经济、文化、技术、信息等多元化的快速发展之下,审视中国当代艺术的成就与现状。

  同时,为了建立更加完善的中国当代艺术本土评价体系,坚持AAC艺术中国评审性质与规则,本届AAC艺术中国的奖项设置在保留原有三大奖项之外,增设了“年度策展人”奖,将策展领域的现实动向与成果再次列入学术考察内。

  本次评选中,由郑胜天担任轮值主席,以及芭芭拉•伦敦 (Barbara London)、范迪安(Fan Di'an)、何桂彦(He Guiyan)、欧翔(Kris Ercums)、赖香伶(Lai Xiangling)、马可•丹尼尔(Marco Daniel)、田霏宇(Philip Tinari)共八位国内外权威专家组成本年度评审委员会,以线上投票方式评选出本届AAC艺术中国四项提名奖。四项大奖将由评审委员会在北京终评会进行现场讨论投票,决出最终的大奖获得者。

  第十二届AAC艺术中国年度艺术家提名奖名单(按首字母排序):陈界仁、隋建国、邢丹文、张培力、庄辉;

  第十二届AAC艺术中国年度青年艺术家提名奖名单(按首字母排序):曹雨、李然、陆扬、王恩来、袁可如;

  第十二届AAC艺术中国年度策展人提名奖名单(按首字母排序):冯博一、侯瀚如、孟岩、刘晓都(第七届深港城市\建筑双城双年展总策展团队)、邱志杰、巫鸿、王春辰;

  第十二届AAC艺术中国年度艺术出版物提名奖名单(按首字母排序):《观察者的技术:论十九世纪的视觉与现代性》、《什么是艺术?——博伊斯和学生的对话》、《世界3:开放的图像学》、《图像与意义:英美现代艺术史论》、《中国当代艺术年鉴2015》;

 第十二届AAC艺术中国年度艺术家提名奖名单

  (按首字母排序)

陈界仁

  1960年出生,中国台湾重要的当代艺术家之一。80年代到90年代初在台湾解严前后曾积极参与影像艺术创作,现生活并工作于中国台北。其作品曾个展于:卢森堡现代美术馆、台北市立美术馆、洛杉矶REDCAT艺术中心、马德里苏菲雅皇后国家美术馆、纽约亚洲协会美术馆、巴黎网球场国家画廊等机构。

陈界仁个展“中空之地”展览现场

  2017年10月28日,相隔7年后,陈界仁个展“中空之地”于长征空间举办。本次个展的主题“中空之地”则是描述个体生命从既有规训框架逃逸出来的精神状态。艺术家顺着此主题呈现了他上世纪八十年代至今创作中的5组作品及一组展览同名的最新影像装置系列作品“中空之地”(2017)。

陈界仁《中空之地》蓝光光盘 黑白(部分彩色)有声(部分无声)单频道录影61分07秒 循环放映 2017

  “中空之地”包括一件时长超过 60 分钟的单频道影像及一个机械动力装置。内容虽改编自其家人与自身的生命经验,但从影像一开始的字幕,即已预告这将是另一次“蔓延与漫延”创作行动的开始。影像以片中的哥哥自杀获救后,所经历一段集合各种碎片的旅程为起点。在看似单一的影像运动方向中,实际上已包含了集合与分裂、交迭与四散扩延的各种可能性,以及未来可能发生的各种运动状态;换句话说,《中空之地》是另一次连结在金融/科技资本主义下的各种“暂时的幸存者们”,作为对如何重建另种生命价值观的讨论起点。这既关于如何重建人的存在意义,也关于如何将新景观社会与新的生命政治进行再度质变的行动方案。点击查看更多中英文资料

隋建国

  1956年生于山东省青岛市,1984年毕业于山东艺术学院美术系,获得学士学位,1989年毕业于中央美术学院雕塑系,获得硕士学位,现为中央美术学院雕塑系主任。隋建国在艺术探索中对创作观念、作品形式、媒介选择、处理方法、时空经验等多个方面都有独特的理解和认识。参加群展和个展包括:2012年佩斯北京“隋建国”个展,2011年荷兰海牙雕塑美术馆“海牙天下”、2010年法国巴黎JGM画廊“梦之石”、2010年上海世博会世博轴雕塑展等。

隋建国个展“肉身成道”展览现场

  2017年3月9日,艺术家隋建国的最新个展“肉身成道”于佩斯北京启幕,呈现艺术家2016年至2017年的最新创作。新作以技术突破作为契机,展现出艺术家在创作观念上的持续深入。“肉身成道”源自圣经中耶稣的“道成肉身”,这里艺术家将“肉身”置于“道”之前,一方面似乎更符合中国传统认识观,另一方面也呼应了此次展览创作所思考的主线,即艺术家本体与雕塑自身的内在关联。

手迹#3 2014-2017 铸铜 290 x 185 x 130 cm

  此次展出的《空间挤压》、《手迹》系列等铸铜雕塑,是隋建国2016-2017年的新作。在此次展出的《手迹》系列中,雕塑家的工作被最终简化为手部的一捏一握,并通过这个最为基本的身体行为暗示了创作者与材料对象的实质关系。被手掌挤压过的粘土以其自身特性中的顺从与柔韧成为了艺术家身体最忠实的记录者。通过艺术家手中的简单动作——抓握、捏造、挤压、分离、扭转,艺术家的双手与黏土产生了最直接而深刻的紧密接触,同步展出的录像作品《肉身成道》详细地记录下了雕塑创造的过程。艺术家的手与黏土互动角力,类似一场行为艺术。这一次,隋建国再度与计算机程序和铸造师合作,利用高精密度的3D扫描和3D打印技术,将泥稿精确扫描、还原,同时保留了更加细微的手纹细节,使得雕塑作品的表面肌理达到了前所未有的细腻程度。点击查看更多中英文资料

邢丹文

  1967年出生于西安,现工作并生活于北京。1992年毕业于中央美术学院,后获美国亚洲文化协会奖学金,1998年旅居美国,就读于纽约视觉艺术学院,并获影像与多媒体硕士学位。作品多次在各大国际美术馆和双年展展出,包括惠特尼美国艺术博物馆、大都会美术馆、保罗·盖蒂博物馆、国际摄影中心(ICP)、蓬皮杜艺术中心、英国Victoria & Albert美术馆、横滨三年展和悉尼双年展等。

邢丹文个展“爱之囚”展览现场

  2017年9月10日,邢丹文个展“爱之囚”于红砖美术馆开幕,本次展览是其迄今为止举办的规模最大,作品涵盖最广的展览。策展人塔雷克·阿布埃尔菲杜(Tarek Abou El Fetouh)选择了邢丹文创作至今的相关作品,包括摄影、影像、装置以及一批艺术家从未亮相的新作。“爱之囚”,取自法国诗人、作家让•热内(Jean Genet)的同名文学作品。热内专注于社会问题和由此引发的反抗,作品线索为本次展览解读邢丹文的艺术创作提供了一种特殊的视角。现实在艺术家创作的每一幅图像中得以重构,通过摄影、影像和装置作品,邢丹文将自己置身于事件之中,成为事件的主题、模特,抑或是一双具有批判性的眼睛,创造出既具颠覆性又富于诗意的视觉语言。

邢丹文 只缘身在此山中 煤渣及综合材料装置 2017

  《只缘身在此山中》呈现的是由煤燃烧后的合成物“焦炭”来描绘的当代风景的全景缩影。在作品中,艺术家在污染的媒介和描绘的景观之间创造了尖锐的对比和反差。当下生活的灾难性污染和中国传统水墨式的自然美景,形成了一种困惑之感。作品明确地表达了对大自然受到威胁的关注,更重要的是艺术家借鉴了中式哲学“不知庐山真面目,只缘身在此山中”的寓意,指出作为“当局者迷”的人类,活在自我意识中而无法看清真相。点击查看更多中英文资料

张培力

  1957年出生于中国杭州,1984年毕业于中国美术学院油画系,生活和工作于杭州与上海。现担任中国美术学院新媒体系主任,OCAT上海馆馆长。参加过的展览包括:1989年在中国美术馆举办的中国现代艺术展,2000年第三届和 2004年第五届上海双年展,威尼斯双年展(1992年、1999年、2003年)。曾在巴黎世界文化宫、巴黎Rond Point画廊、MoMA、深圳OCT当代艺术中心、博而励画廊等举办过个人展览。

张培力“没有网络”展览现场

  2017年11月4日,掩体空间开放以来的首个个展:张培力“没有网络”开幕,展出张培力新近创作的声音装置《不宜久留的场所》。刚进入张培力“没有网络”展览现场的瞬间,需要适应眼前的黑暗。展览设置的参观人数是:每次不得多于10人,观众才能充分了解里面6个空间的情况。可是进入那个场所,面对手机屏幕“没有网络”的提示,所带来的心里压力是不言而喻的。

不宜久留的场所 声音装置 2017

  观众进入空间后电磁锁会将门自动锁上,五分钟后才会打开。空间内部的灯是感应的,观众身体稍作移动,昏暗的灯光会亮起,停滞不前则灯光熄灭。声音系统以倒计时的方式不断提醒观众剩余的时间。艺术家利用灯光与声音做为媒介,使整个空间转化为作品。观众置身其中,从而自动被转换为作品的一部分。点击查看更多中英文资料

庄辉

  1963生于甘肃省玉门,现居住并工作于北京。他在十三岁时离开家乡并开始在洛阳自学绘画。1979年高中毕业后,他进入洛阳第一国营拖拉机械厂成为了一名工人,并亲身经历了第一手有关正在处于转型阶段的中国社会中的多种面状。1995年,庄辉在他所在的地区开始了一系列针对中国社会阶层结构根源的探究。2006年,庄辉开始同旦儿合作,一起发起了包括“玉门计划”在内数个艺术项目;庄辉开始定期走访祁连山脉,并于2014年基于他与当地景观所发生的关联开始创作新作,将其发展成为一个长期项目。

庄辉个展“祁连山系”展览现场

  2017年3月18日,庄辉个展“祁连山系”于在常青画廊北京空间开幕,这是艺术家艺术生涯中的第五次个展。“庄辉•祁连山系”仅是艺术家实现关于山水风景的长期艺术计划的第一步。通过四年对祁连山地区的观察与体验,庄辉逐渐与这片在文化上哺育他,并在他的意识中沉睡多年的土地建立起了某种个人关系。

祁连山系-15 单路视频 彩色 无声 10'00'' 2016

  《祁连山系-15》记录了庄辉冬季在山间假装绘画的行为。他以空气为画布,用真实的颜料何画具,在上面描摹眼前所见的景观,就像一场哑剧。作品调用童年所见的山水也许是一种新的尝试——在他个人的社会经历与一个更大的文化传统之间搭建自然的通道,或者将他的集体存在转化为某种更为私人,更为持久的东西。点击查看更多中英文资料

  第十二届AAC艺术中国年度青年艺术家提名奖名单

  (按首字母排序)

曹雨

  1988年生于辽宁,毕业于中央美术学院雕塑系,现工作并生活于北京。近期展览包括:“THE PUBLIC BODY .02”,Artspace,澳大利亚悉尼(2017);“策展角落”,巴塞尔艺术展香港展会,香港会议展览中心,中国香港(2017);“艺术8: 中国青年艺术家奖入围艺术家联展”,艺术8,中国北京(2017);“影像·观察”,寺上美术馆,中国北京(2017)。

曹雨个展“我有水蛇腰”展览现场

  2017年11月4日,“我有水蛇腰”曹雨个展在麦勒画廊北京部开幕,展出曹雨一系列颇具实验性的新作,作品涵盖摄影、录像、绘画、雕塑、装置、表演等诸多媒介,艺术家用庄重而冒险的举动及冲击力的视觉形态侵袭观众,对身体与自我、感知与意志、艺术经验与观者体验等话题进行了独特的诠释,对艺术及其意义以及与现实错综复杂的关系发出诘问。

由艺术家本人扮演的作品《我有......》2017,单频高清录像,彩色/有声,4'19",6版 + 2 AP

  在录像作品《我有......》中,艺术家讲述的几十句不同的“我有……”清晰刺耳并勾起人的嫉妒甚至愤恨。曹雨的生活经历成为《我有》这件录像作品的内容,她本人成为影像中的表演者。“我有名列前茅的成绩…我有与生俱来的艺术天赋…我有水蛇腰…我有两个儿子…我在北京及周边有五套房产…我的作品有很高的学术地位…”看起来,这像是一位不到30岁艺术家的自我“炫耀”,正如影像中由她自己扮演的女艺术家的独白:“她”有家庭,有两个小孩,有她热爱的艺术事业,并且做出了“成绩”。然而,这些普世价值观中的“我有…”安置在一个艺术家身上,却形成了一种悖论。让人好奇:在这些“我有…”的背后,艺术家还有什么?点击查看更多中英文资料

李然

  1986年生于湖北,2009年毕业于四川美术学院油画专业,获学士学位,目前工作并生活于北京。李然于2017年入围在乌克兰基辅平丘克艺术中心举办的“未来世代艺术奖”,并在第4届莫斯科国际青年艺术双年展(2014)上获得最佳艺术家奖。主要展览包括:寒夜,尤伦斯当代艺术中心, 北京(2017);未来世代艺术奖,第五十七届威尼斯双年展平行展,Contarini Polignac宫殿,威尼斯,意大利(2017)。

李然个展“客旅生活”展览现场

  2017年12月2日,李然个展“客旅生活”在香格纳北京开幕,本次展览将呈现艺术家最新创作的影像、雕塑以及绘画作品。这里“客旅”一词是《新约·圣经》多处对于信徒的形容,意在说明基督徒身份的归属问题。但是这些描述并不意味着过度沉溺在此意识形态中,并对存在世界看法和关照的祛除,而是澄清了一种看待事物的目光:其焦点不止是存在的世界,而是洞见一个被许诺的更加美好的世界。

李然 客旅生活(截屏) 高清有声单通道录像,黑白&彩色 33’ 2017

  展览围绕艺术家基督徒这一特定身份展开,与展览题目同名的影像作品《客旅生活》以艺术家大量照片文献的收藏、个人写作与声音模仿为呈现基础,以基督徒的迁徙生活、宗派矛盾作为叙述的主线,用一种似曾相识的世代故事交错编织,并将人们的视线引向了一个重构的历史时空中。作品中艺术家没有模糊原本的历史事件,而是游离在疆界和政治区域化的物理空间边缘,将破旧的隐喻重新拾起,转译与粘合了一种修辞上的对应关系。点击查看更多中英文资料

陆扬

  1984年出生于中国上海,2010年毕业于中国美术学院新媒体系硕士学位,目前生活并工作于北京和上海。近期个展:陆扬妄想罪与罚,上海纽约大学美术馆,上海(2016);妄想曼陀罗-陆扬个展,interstitia,西雅图(2016);妄想曼陀罗,北京公社(2015);群展:我们之后,K11美术馆,上海(2017);[M+ Screenings: Genderfluid], M+美术馆,香港(2017)等。陆扬曾被提名皮埃尔·于贝尔奖(2014)。

陆扬个展“脑髓天国”展览现场

  2017年10月28日晚,木木美术馆X陆扬个展“脑髓天国”开幕。不仅呈现了艺术家先前的影像、装置、程序和游戏作品,更以一系列专门为此次展览创作的新作彰显着陆扬的艺术野心。陆扬极富创造性的艺术实践通过科学理论对人类经验祛魅,用幽默揶揄人类荒诞的努力,以驾轻就熟的流行文化语言消解意义。她的作品从生物学和神经科学中汲取知识,并显示了其在文化及宗教语境下对“精神性”的持续关注。

电磁脑神教 单屏静帧,5屏影像,13:34 ,2017

  《电磁脑神教》运用最新动作捕捉技术,日本音乐制作人invisible manners(インビジブル・マナーズ)进行了音乐创作,陆扬将地、水、火风四大元素重新构想为四个超级英雄神祇,每位各自对应大脑中枢神经的不同部分,通过一系列特殊武器装备,缓解着生命不堪承受的压力。一旦缺少四神之一,人性就危在旦夕。表现高科技、流行文化和泛文化偶像崇拜之间的叙事。点击查看更多中英文资料

王恩来

  1989 生于辽宁大连,2016 毕业于中央美术学院雕塑系,获硕士学位。2015年获艺术8中国青年艺术家奖。现工作并生活于北京。主要个展:《临时关系——王恩来个展》站台中国当代艺术机构,北京,中国(2017);《动静——王恩来个人作品展》,艺术8,北京,中国(2015)。群展:《另一种选择-第三届今日文献展》,今日美术馆,北京,中国(2016);《空间协商:没想到你是这样的》第三届CAFAM双年展,中央美术学院美术馆,北京,中国(2016);

王恩来个展“临时关系”展览现场

  2017年6月16日,艺术家王恩来最新个展“临时关系”在站台中国正式开幕。此次展览的主题来源于王恩来2014年一件作品《临时关系》,在随后几年的创作中,他发现他的很多作品都多多少少存在着这种逻辑。王恩来说:“我并不在乎材料本身的符号含义,而是更加重视物质属性的内在逻辑,使之脱离原本的功能语境,在互相干预之下生成新的关系。”这就是艺术家所谈的“临时关系”,意思就是说物与物的这种关系是临时的,下一秒发生什么是未知的,有可能分离、撕裂、破碎、崩塌甚至灰飞烟灭,在不确定性中寻找新的可能性。

王恩来 玻璃 橡胶球与捆扎带 装置 240x45x120cm 2017

  王恩来通过现成品的组合寻找不确定性,这种逆向思维反而达到了意想不到的效果。利用现成品却不强调其社会功能,通过重构使其产生新的社会意义。而媒介本身的物质特性引发的消解趋势终将使这一意识形态的临时关系付诸外化实践。此次展览中,电风扇、轮胎、玻璃、灯泡......这些现成品在艺术逻辑中被解构和重组,而形成不同维度、不同意义上的“临时关系”。点击查看更多中英文资料

袁可如

  1990年生于中国杭州,2009获年中国美术学院跨媒体艺术学院本科,2013年获中国美术学院跨媒体艺术学院当代中国电影及录像艺术研究方向硕士。现工作并生活于上海。袁可如是一位现代视觉艺术家、电影工作者。

袁可如个展 展览现场

  2018年5月20日,苏图西亚・苏芭芭恩雅 + 袁可如双个展于狮语画廊开幕。此次展览是两位现代年轻女艺术家:来自泰国的苏图西亚·苏芭芭恩雅,以及来自中国的袁可如的最新的艺术项目及影像、摄影作品,同时,此次展览也是这两个全新的影像项目的全球首映。

蝴蝶伤城 Lost in alpha city No.1摄影 数码相纸输出90x160cm 2017

《旦夕异客》2017,四屏影像 第二屏

  袁可如的《旦夕异客》,该作品虚拟了四个平行并进的世界,讲述四个发生在不同时代、不同风格的软科幻故事。主人公们分别代表着试验品、管理员、幸存者和电子人,他们在科技发展和系统操纵下,逐渐被侵害、剥夺、同化,失去爱人、自由、理想,皆如困兽般被封印在世界暗处和宇宙边缘。在生命转瞬即逝的旦夕之间,他们也挣扎过,也曾试图冲破阶级和命运的牢笼、寻找荒芜的故土和自我救赎,却因为有着自觉无法作为的矛盾、迷失、软弱和克制,最终没能逃脱他们被拟定好的人物设置。这种无奈和幻灭感,是对高度发展剥削的城市、终日焦虑恐惧的生活状态以及命运沉浮的自我投射。点击查看更多中英文资料

  第十二届AAC艺术中国年度策展人提名奖名单

  (按首字母排序)

  

冯博一

  策展人、美术评论家、四川美术学院中国艺术社会学研究所研究员,兼任何香凝美术馆、金鸡湖美术馆艺术总监。从90年代起,致力于中国当代实验艺术的策划、评论、编辑等工作。

毛旭辉个展“我就在这儿” 展览现场

2017年7月21日,由冯博一、王晓松策划的毛旭辉个展“我就在这儿”在台湾关渡美术馆开幕,是其首度在台湾完整梳理作品脉络的一项大型展览计划。策展人冯博一认为,毛旭辉关注个体生命的生存境遇,以人、景、物的象征性,直接或间接地表现了人性隐秘复杂的存在状态,折射出中国社会转型期潜在的矛盾与冲突。作品针对性既源自于人的精神失衡和漂浮的无所归宿,又源自于人性的乖张、扭曲和变异。其中压缩着他的理性思考和表现主义意味,并适宜地融入到作品的精神层面,显示了他将画面中的关键性形象,同时赋予了内容和形式上丰富的视觉效果。

“第四届美术文献展/应力场”展览现场

  “第四届美术文献展/应力场”于2017年9月15日在武汉湖北美术馆开幕,由冯博一担任主策展人。本届美术文献展共邀请来自中国及来自其他十四个国家的57位艺术家(小组)的127件(组)作品参展,共同打造了一个盛大的“视觉应力场”。展览借助“应力场”这一物理学的专有名词和概念作为主题,以此并附予作为艺术家的另类人生,如何利用多媒介方式,以视觉艺术语言转化其中的态度与立场,接受、适应和应力于这种不同变异、扭曲的程度,并在抽象意义上显示艺术家个人创作的能量,从而提示出在世界局势的处境中,这种压力、角力和张力所形成的多重制衡关系,从而构成第四届美术文献展的一种“视觉应力场”。在呈现外力作用下,艺术家个体感应力的多样化表达及其涉及的种种社会问题的讨论之外,抑或还为美术馆作为社会公共空间的现实存在属性带来诸多方面的触动式思考,例如,“展场与公众”“空间与作品”“传播与接受”“历史记忆与未来建构”等等。

徐冰个展“徐冰”展览现场

2017年12月1日,由冯博一、王晓松策划的艺术家徐冰的同名个展“徐冰”在武汉合美术馆开幕。策展人冯博一透露,此次展览的策展团队共同努力所呈现的是:“不同于人们熟悉的那些作品中的‘徐冰’,而是一个在作品表象背后的那个陌生的‘徐冰’。”这次展览根据合美术馆的空间,在展览的布置设计上,使用了徐冰的作品中的一些语言,并创作了一些标识图形,尤其是《地书》的一些图形标识作为像导览地图似的在美术馆的走廊墙面上,把这几个展览空间都串联起来,比较强调互动性。所以这次展览不仅仅是一个单纯的回顾展。而是具有回顾性与专题性的最大规模个展。点击查看更多中英文资料

侯瀚如

  策展人,评论家,出生于中国广州,毕业于北京中央美术学院,1990年移居法国巴黎,现工作及生活于罗马、巴黎和旧金山。2006年至2012年,在旧金山艺术学院(SFAI)担任展览和公共项目总监以及展览和博物馆研究系主任。现任意大利罗马国力二十一世纪艺术博物馆和国立建筑博物馆(MAXXI)艺术总监。策划的展览包括“中国前卫艺术”(北京 1989),“移动中的城市”(1997-2000),上海双年展(2000),光州双年展(2002),威尼斯双年展(法国馆 1999、紧急地带 2003、中国馆 2007),“白夜”(巴黎 2004),第二届广州三年展(2005),第十届伊斯坦布尔双年展(2007),“如果你住在这里”—第五届奥克兰三年展(2013)等。

刘晓都

  1999年与孟岩、王辉共同创立URBANUS都市实践建筑师团队。刘晓都是清华大学建筑学学士和美国迈阿密大学建筑学硕士,深圳城市建筑双年展学术委员,香港大学、湖南大学建筑系客座教授及评审。他参与策展的项目包括2016伦敦设计双年展和 “21,设计之上——OCT-LOFT 07创意节”等。

孟岩

  1999年与刘晓都、王辉共同创立URBANUS都市实践建筑师团队。孟岩是美国纽约州注册建筑师,清华大学建筑学学士、硕士,迈阿密大学硕士,深圳城市建筑双年展学术委员,曾担任香港大学建筑学院客座教授及评审。他是2010上海世博会深圳案例馆总策展人,参与策展的项目包括“21,设计之上——OCT-LOFT 08创意节”、2010 大芬国际壁画邀请展、2010 对流·大芬国际当代艺术展、2011 OCT国际壁画展和2014年第14届威尼斯建筑双年展-中国馆等。

第七届深港城市\建筑双城双年展现场

  2017年12月15日第七届深港城市\建筑双城双年展开幕,展览以“城市共生”(Cities, Grow in Difference)为主题。本届双年展由策展人、评论家侯瀚如、URBANUS都市实践创建合伙人、建筑师刘晓都、孟岩担任总策展人,来自25个国家的两百多位参展人,通过建筑、艺术和设计作品,探讨中国在全球化背景下的城市发展模式,并尝试描绘未来城市的愿景。

第七届深港城市\建筑双城双年展现场

  策展人侯瀚如认为,此次双联展的主题“城市共生”(Cities, Grow in Difference)并非一个一层不变的定义性的主题,而是一个机动性的主题,它囊括了整个参与、实验、尝试的过程。此展览的作品跟我们固有概念中的呈现有很大区别,最大亮点也是展览的主场馆,叫作“南头古城”,既是深圳的历史名城,又是城市化进程中形成的城中村,策展人和艺术家在考察中确立了贯穿整个南头古城的六项量身定制的“城中村”改造计划,参展作品它们散布在南头古城的各个角落,也许一个不经意间,观众就可以偶遇一件重量级的作品。这些计划特别关注以重点公共空间改造及公共活动引入对激活和推动古城重生的意义。点击查看更多中英文资料

大尾象:一小时,没空间,五回展 展览现场

2017年3月16日,“大尾象:一小时,没空间,五回展”于北京OCAT研究中心展出,由蔡影茜、侯瀚如担任策展人。展览除了呈现在广东时代美术馆展出过的部分作品外,特别围绕1994年大尾象在广州三育路14号组织的“没有空间”展览,作了概念上的模拟和重建,以期反映出九十年代艺术家自发展览的真实语境。较早关注观念艺术实践的大尾象成员,将时间、过程、非物质性等概念引入创作,并将展览及活动视作探索艺术与日常生活、观念与媒介物、观众与作品关系的实验场所。概念在展厅中直接成型,过程从街道延伸至酒吧,作品和行为向观众的参与开放。

1989年后的艺术与中国:世界剧场 展览现场

2017年10月,田霏宇与孟璐、侯瀚如共同策划了展览“1989年后的艺术与中国:世界剧场”在美国古根海姆美术馆开幕。这是近代中国和近代世界历史上最具变革意义的时期,这场展览为中国的实验艺术提供了一个新的诠释,通过对两代艺术家的概念主义艺术实践的关注,概括的考察了中国艺术家是如何成为中国作为全球存在的代表和怀疑论者,并将他们的艺术作品牢牢地放在全球艺术史的背景下。强调其世界性,也就是中国当代艺术跟外部的互动关系。

邱志杰

  1969年生于福建省漳州市,1992年毕业于浙江美术学院版画系,开始介入当代艺术活动。现为中央美术学院实验艺术学院院长、硕博士导师和策展人,工作并生活于北京。邱志杰作为策展人策划了1996年中国最早的录像艺术展,以及1999年到2005年之间推介青年一代艺术家的“后感性”系列展览。曾担任2012年第九届上海双年展“重新发电”的总策展人。

第57届威尼斯国际艺术双年展中国馆 展览现场

  2017年5月11日,第57届威尼斯双年展中国馆将正式拉开帷幕,这场由中央美术学院实验艺术学院院长邱志杰担任策展人,主题为“不息”,汇聚了汤南南、邬建安、汪天稳、姚惠芬等四位艺术家的展览,是想呈现中国艺术家愚公移山式的、尊重师承关系的情怀。

第57届威尼斯国际艺术双年展中国馆 展览现场

  展览以“不息(ContinuUM - Generation by Generation)”为主题呼应双年展的总主题“艺术万岁”。主题摘自《周易.系辞》中的“生生之谓易”,是基于一种中国人对“永生”的特别理解。每一位中国艺术家都有着各自的师承,也都同时是一个教师。在这样一种雅俗新老之间重重叠叠的唱和以及代代相传、无穷尽的接力中,聚集起的是不息的能量场。

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巫鸿

  艺术史家、策展人,芝加哥大学教授。1980—1987年就读于哈佛大学,获美术史与人类学双重博士学位。随即在哈佛大学美术史系任教,于1994年获终身教授职位。受聘支持芝加哥大学亚洲艺术的教学、研究项目,执“斯德本特殊贡献教授”讲席。2000年建立东亚艺术研究中心并任主任,同年兼任该校斯马特美术馆顾问策展人。

白日梦森林:邬建安的图像世界 展览现场

  2017年7月14日晚,由芝加哥大学巫鸿教授担纲策展人的艺术家邬建安新作展——“白日梦森林:邬建安的图像世界”在芝加哥大学北京中心开幕。本次展览展出艺术家邬建安为芝加哥大学北京中心的展示空间特别制作的两组新作。据巫鸿介绍,《五百笔》将绘画、剪纸、拼贴相融合:先以水墨和矿物质颜料在宣纸上任意勾画,然后将这些笔迹剪刻下来,拼合为全新的图像,进入了一种新型的‘二维艺术’形式创造;《白日梦森林》有着汉代青铜“摇钱树”的启发,以艺术家早期创作的二维幻想人物、动物形象为素材,构造出三维空间中绮丽诡谲的视觉结构。

王璜生个展“边界/空间” 北京民生现代美术馆 展览现场

  2017年8月10日,王璜生大型个展“边界/空间”在北京民生现代美术馆正式开幕,美术史论家巫鸿教授担当策展人。策展人巫鸿认为,王璜生的作品因其连绵流动的线条而富于诗意的抒情,但也通过流动的不稳定性激发出心理的紧张和对转化的焦虑。这种紧张和焦虑被一些关键细节放大,使抽象的线成为对历史记忆和现实政治的隐喻,而王璜生的抽象艺术因此总是具体和实在的,既从观念的反思中也从对历史和现实的关怀中获得生命。

“王冬龄:竹径”展览现场

  2017年8月12日,“王冬龄:竹径”在OCAT深圳馆开幕,展览由艺术史家和策展人巫鸿策划。关于展览,巫鸿讲到:“这是竹子和书法构成的一条小径,把我们带入一个模糊的感知区域,在短短二十几米的行走中经历一系列记忆和历史、环境和场地、媒材和符号、图像和装置的穿透。”此展参展作品为王冬龄特别创作,延续王冬龄长期探索并不断实践的书法创作方向,试图借竹,展开一场传统书法与当代艺术的对话,冲撞记忆与历史、环境与场地、媒材与符号、图像与装置之间的界限。作品分布在OCAT深圳馆A、B展厅,A展厅中,201根高5米、直径15厘米的毛竹杆垂直吊在屋顶的钢架上,观展者可以在“竹径”中漫步。王冬龄以黑色捏油为墨,以历代名家竹诗为文本,在竹杆上写下自成一家的“乱书”。点击查看更多中英文资料

王春辰

  中央美术学院教授、美术批评家及策展人,现任中央美术学院美术馆副馆长。从事现代美术史及当代艺术理论与批评研究,学术关注点为当代影像的发展与批评、绘画的当代转型、文化批判理论与艺术。2012年被美国密执根州立大学布罗德美术馆聘为特约策展人,策划中国当代艺术展。2013年担任第55届威尼斯双年展中国馆策展人;2011年获中国青年艺术家理论家海外研修工程资助赴美考察美术馆发展现状;2012年入选参加英国文化交流协会与中国文化部合作的艺术管理项目。

“墨攻”首届武汉水墨双年展 合:融汇与变通 展览现场

  2017年10月20日,“合:融汇与变通”在武汉美术馆开幕,开启“墨攻:首届武汉水墨双年展”的第四个单元展。策展人王春辰表示,单元展“合”呈现的是水墨艺术的新姿态、新趋向,“它体现的是这些艺术家水墨视野的状态”。“艺术家回到真实的水墨,回到真正与人的存在有关的水墨,人成为水墨创作的最高境界要求。既汇集经典的东西,又能够吸收与改变,形成‘合’的概念”。本次展览选择了20余位中外艺术家,呈现宏阔与昂扬的当代文化姿态,对水墨的要求和把握以其历史脉系为核心,以作为艺术家的抱负来回应和接受时代的挑战。点击查看更多中英文资料

航向边缘:吉莲•艾尔斯的抽象绘画,1979年至今 展览现场

2017年7月30日,“航向边缘:吉莲•艾尔斯的抽象绘画,1979年至今”于中央美术学院美术馆举行。由菲利普·多德(Philip Dodd) 王春辰 艾瑞卡·寇斯塔玛奈(Enrica Costamagna)联合策展。王春辰讲述了中央美院继2015年“随心而行——肖恩·斯库利艺术展”以及2016年“歌之舞之:约翰·麦克林恩的抽象绘画”之后第三度推荐英国抽象艺术系列展的脉络。展览囊括了艾尔斯自1979年以来所创作的15幅大尺寸画作,作品来自数位私人藏家及艺术家个人工作室。以数幅1980年代创作的感性而壮美的画作开篇——巨幅画布之上,颜料虬结,笔触长可达三十厘米,色彩主宰着画作的形式。

第十二届AAC艺术中国年度出版物提名奖名单

  (按首字母排序)

  《观察者的技术:论十九世纪的视觉与现代性》

  作者:【美】乔纳森·克拉里 姜丹丹, 何乏笔 (丛书主编) 蔡佩君 (译者)

  出版社:华东师范大学出版社

  出版时间:2017-05

  《观察者的技术:论十九世纪的视觉与现代性》中,作者提供了关于19世纪视觉文化别开生面的研究视角,更新了我们对视觉现代性与社会现代性等问题的理解。有别于一般的研究方法,作者不是通过对艺术作品和图像的研究来思考视觉问题,相反,他分析的是观察者主体的历史建构。他坚持认为,视觉的问题与社会权力的运作不可分离,并考察了自18世纪上半叶以来,观察者是怎样成为了新话语的装置,视觉是怎样作为一个生理学事件而置于身体之中。克拉里指出,除了生理光学的突然出现,关于“主观视觉”之理论与模型的发展,也赋予了观察者一种新的自主性和生产性,与此同时也使得一种新的控制形式和视觉标准化得以产生。点击查看更多中英文资料

  《什么是艺术?——博伊斯和学生的对话》

  作者:福尔克尔·哈兰 孙周兴 (丛书主编) 韩子仲 (译者)

  出版社:商务印书馆

  出版时间:2017-06

  《什么是艺术?——博伊斯和学生的对话》讨论了到底什么是艺术这千古难题,却历久弥新。20世纪德国*著名的艺术家之一博伊斯,以其前卫的艺术创作和独特的思想对这一问题做出了自己的回答。无论是“社会雕塑”“扩展的艺术”还是“总体艺术”,博伊斯的思想都给20世纪的艺术界留了不可磨灭的影响。本书就将带你领略这位艺术大师的思想渊源和脉络,共同探究什么是艺术。点击查看更多中英文资料

  《世界3:开放的图像学》

  作者:黄专 巫鸿

  出版社:中国民族摄影艺术出版社

  出版时间:2017-03

  《世界3》学术年刊主要登载艺术史理论及与其相关的语言史、心理学史、哲学史、文化史、宗教史、社会史和思想史的前沿性研究课题和译文,也对相关课题的国际资讯、图书、展览和研究机构进行报道与评介。通过为这一学术领域的研究成果提供出版平台,力图为这一领域新的汉语思想模式和知识形式的形成创造条件。《世界3:开放的图像学》力图通过梳理现代图像学的理论脉络和它的开放性影响,展示图像学在当代艺术史学中的可能性前景并借此提倡一种建立在理性批评基础上的开放学风。点击查看更多中英文资料

  《图像与意义:英美现代艺术史论》

  作者:沈语冰

  出版社:商务印书馆

  出版时间:2017-09

  《图像与意义:英美现代艺术史论》是沈语冰继《20世纪艺术批评》出版13年后,进一步深化、细化现代艺术史论研究的成果。除勾勒英美现代艺术史论基本地形图的“导论”外,本书主体部分由罗杰·弗莱、格林伯格、施坦伯格、夏皮罗、T. J. 克拉克、乔纳森·克拉里等6个专题组成,涵盖了现代艺术史写作中的形式主义、现代主义、现代图像学、精神分析、艺术社会史与视觉考古学等重要理论和方法。点击查看更多中英文资料

  《中国当代艺术年鉴2015》

  作者:朱青生(主编) 中国当代艺术年鉴编辑部

  出版社:广西师范大学出版社

  出版时间:2017-01

  《中国当代艺术年鉴》是当代艺术的长期研究性年鉴,2005年开始每年出版一卷,目前正在编辑2017卷;呈现中国当代艺术现状和发展,为中国当代艺术的发展建立根据和索引。《中国当代艺术年鉴》是与北京大学和芝加哥大学等合作研究的档案项目(档案也是有年鉴作者主编,始于1986年),详细地对中国艺术正在进行的实验、探索、创新和当前的遭遇进行调查和整理,以年度为单位每年发表、记录、核实,并提供检索。同时每年年鉴编辑部的主编朱青生和十多位编辑对重要事实的意义和之间的关联,反映中国的现代化过程及其中的社会思潮、文化现象和当代人对其做出的最敏锐的创造性反应进行研究,写作研究综述论文,每年发表有导论,对当代艺术的问题进行研究和论述。完全从学术规范出发,不介入任何营利运作,为中国现代化过程的艺术创造性实验提供基础性工作。2017年正式出版和完成2015卷和2016卷。本书的价值在于通过扎实、长期和细致、系统、客观地记录事实,使当代艺术的变化得到整体显示,进而努力揭示各个重要事实的意义和它们之间的关联,反映中国的改革开放过程及其社会思潮、文化现象和当代人敏锐的创造性反应,以此标示艺术对中国社会和国家的发展的推动和反省。点击查看更多中英文资料

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